¡Feliz baticumpleaños, Batman! El impacto de Batman en el mundo a ochenta años

Batman cumple 80 años de proteger Ciudad Gótica de criminales que exploran lo peor de la psique humana y que quieren arrastrar al Caballero de la Noche dentro de su demencial mundo. Aunque se dice que el 30 de marzo del 2019 se cumplen ocho décadas de su aparición, en realidad, fue en mayo cuando fue mostrado por primera vez en el #27 de DC Cómics.

Sea el día o mes incorrecto o no, sí es el año de Batman y, para festejar, la editorial que nos trajo a la Liga de la Justicia diseñó un logo especial que representará cómics y eventos especiales que se realicen alrededor del mundo en su honor. El diseño es un homenaje al justiciero que vemos en esa legendaria primer portada.

Hace 80 años que nació Batman/Bruce Wayne de las mentes creativas de Bob Kane y Bill Finger. En ese transcurrir del tiempo ha sido reconstruido su universo (como en la serie Batman Rebirth), adaptado a diversas caricaturas e interpretado por varios actores para películas y programas televisivos, siendo la más reciente Gotham (y que está a pocos capítulos de terminar y presentar su versión del hombre murciélago), que nos cuenta el "antes" del guardián de Gótica y del resto de sus futuros enemigos. Lo interesante de la serie es la evolución psicológica y física de los personajes, perfilando sus personalidades maníacas como se observan en las historietas.

De traje oscuro pero sin dejar ver su tristeza a pasar a uno completamente negro que revela la soledad que siente, Batman ha tenido varias transformaciones hasta ser un justiciero, un anti-héroe, que resulta ser uno de los protagonistas de cómics más complejos por el gran peso que el poder de la mente ejerce en todos en Ciudad Gótica. Un personaje de tales características y que busca hacerse camino peleando con guante blanco lo convierten en un héroe muy humano.

Por lo que Batman ha sido y seguirá significando para el mundo, se van a realizar actividades en varias partes del mundo para honrar su máscara. En México, la UNAM llevará a cabo el "Encuentro Internacional de Narrativa Gráfica: Felices 80, Batman" del 30 de marzo al 5 de abril, evento en que habrá desfiles de cosplay dedicados a los villanos del Asilo Arkham, así como mesas de diálogo en que se discutirá la imagen del Caballero de la Noche visto desde el punto de vista social, psicológico y criminalístico. Funciones de películas y documentales podrán verse en la Filmoteca y TV UNAM, mientras que algunas radionovelas podrán oírlas a través de Radio UNAM.

Tanto amor hacia Batman me recuerda el furor que ha tenido en Japón con algunos manga, como The third mask, de Katsuhiro Otomo en que recrea el aspecto psicológico de Batman, que está al borde de caer en la delgada línea que divide el bien y el mal que él percibe. Fue publicada en 1996 en una colección de DC llamada Batman Black and White, que recoge historias de numerosos artistas.

En este manga de siete páginas, Otomo nos muestra a Batman que, entre el límite de la justicia y venganza, se interroga a sí mismo sobre cuál es su identidad mientras persigue a un asesino con personalidades múltiples.

The third mask nos demuestra que los mangaka no sólo se centran en sus productos nacionales como el manga, sino que leen lo que se produce en Occidente. Además, hablamos de la gran mente creativa de Otomo, quien es mayormente conocido por su obra cyberpunk post-apocalíptica: Akira; por tanto, era de esperarse una perspectiva sobre Batman diferente a la Occidental; y, claro, el dibujo de Otomo es al estilo cómic.

Les dejo este enlace donde podrán leer en inglés The third mask.

Otra obra nipona sobre el Caballero de la Noche es la película Batman ninja, estrenada el año pasado. En ésta, Batman termina en el Japón Feudal, o era Sengoku (en que todo Japón estaba en una guerra civil, puesto que cada señor feudal que a su vez eran samuráis versados en el camino de la espada), tras una lucha en el Asilo Arkham contra Gorila Grodd. Una vez que se da cuenta que está en el pasado, el enmascarado buscará la forma de regresar a su tiempo, no sin antes enfrentarse a famosos samuráis que, debido a las modificaciones en el tiempo, tienen una apariencia similar a.... ¿los villanos de Ciudad Gótica?

La animación de la cinta es muy variada: pasa de la clásica animación de anime al uso de imágenes generadas por computadoras (CGI) en los momentos de combate con espada y robots, a un estilo que nos recuerda a las ilustraciones clásicas japonesas. Una belleza por su diseño. Sólo debo advertir que, si no son conocedores de la historia del Japón de la época Sengoku, no podrán entender las referencias y sátiras a los samuráis que entran en escena, que son bastante cómicas.

¿Qué más se puede esperar de Batman si ya ha sido un guerrero del antiguo Japón? El tiempo sólo lo dirá, porque este año se esperan muchas sorpresas. ¿Y ustedes cómo festejarán los 80 años del Caballero de la Noche?

@YukiVongola

Entrevista sobre Boku no Hero Academia y el doblaje mexicano

La popular obra Boku no Hero Academia regresa a nuestro país con su primer película con un añadido: doblaje mexicano. Así es, con grandes actores de voz mexicanos se podrá volver a disfrutar de Boku no Hero Academia: Dos Héroes, la cual fue estrenada el pasado 30 de noviembre en salas de cine, dando gusto a los fans de este manga y anime popular dentro del género shonen (enfocado al público masculino) por presentarnos a niños que poseen dones y que, por tenerlos, pueden aspirar a ser héroes profesionales.

En la premier de ésta, "La Jornada" tuvo el placer de platicar con dos de los actores de voz principales: José Arenas (voz de David Shield) y Octavio Rojas (voz de All Might), quienes nos platicaron acerca de la libertad creativa que ellos tienen en el momento de comenzar con su trabajo de doblaje.

Arenas, quien es reconocido por ser la voz de Jake el perro, de la serie Hora de Aventura, nos comentó que, a diferencia de este papel que es cómico y que le permite añadir ciertas libertades creativas, en el caso de Boku no Hero Academia, un proyecto más serio, él obedeció "a cabalidad, con mucho rigor, a la línea argumental del personaje y del proyecto completo. Entonces, sí, por supuesto, hay un guión, una traducción y, en este caso, la dirección de Gabriel Gama fue fundamental para guiarnos a todos los participantes. En mi caso particular, te puedo decir, fue muy, muy ceñido, no se agregó una palabra, no se quitó una palabra." 

Con 32 años de trayectoria, Octavio Rojas apoya lo dicho por su compañero, argumentando que en el proceso de doblaje "intenta uno irse apegado a toda la historia del personaje, no cambiarle tanto, no 'mexicanizarlo´ tanto, sino, conservar la esencia es muy importante para que los seguidores y la gente que le gusta, encuentre en el doblaje al español lo que ellos quieren. No irnos de más." 

La palabra "mexicanizar" hace alusión a refranes y expresiones coloquiales, así como referencias culturales y sociales mexicanas que son insertadas en los diálogos al momento de realizar el doblaje, para obtener un efecto más cómico en la escena. Este tipo de situaciones podemos verlas en las primeras temporadas de Pokémon, casi siempre a cargo del Equipo Rocket, o en la ya mencionada Hora de Aventura. Sin embargo, como se está doblando una serie en español (latino) para toda Latinoamérica, surgieron problemas con algunos anime y caricaturas en que el uso de regionalismos mexicanos era muy recurrente y, por tanto, el público de otros países no entendía esos referentes por ser ajenos a ellos y no comprendían el sentido de todas las frases. Esto conllevó a que, desde hace unos años para acá, esa libertad creativa con las series de comedia fuera más neutral, lo que no gustó mucho a los mexicanos porque ese tipo de frases hacían que lo mostrado en éstas fuera más cercano al espectador, aunque poco a poco, el público se ha ido acostumbrando a este cambio en el doblaje, que busca ser más inclusivo, como ahora todo parece serlo.

Tanto Arenas como Rojas comentaron que al momento de traducir del japonés se encuentran siempre estructuras gramaticales, sintácticas, semánticas y fonéticas que deben adecuarse a nuestro propio sistema lingüístico. Rojas explica que "el japonés es mucho como la actuación en el teatro kabuki", es exagerado y se usan tonos vocales muy versátiles, por lo que al imitar la actuación de la voz japonesa "sonaría falso, no sonaría a un doblaje bien hecho, sonaría muy fingido, y no es lo que queremos. Lo que queremos es conservar ese personaje, el superhéroe que se las sabe de todas todas, que es galán, que es esto, pero que aparte, en su personalidad, cuando no es un héroe, es un cuate que está dañado, está enfermo, está herido. Entonces, hay que conservarlo y quererlo."

Siguiendo la entrevista, se les preguntó acerca de su preparación para interpretar a dos personajes que provienen de una serie sin precedentes en México como es Boku no Hero Academia. Si bien, el manga está licenciado (que es distribuido legalmente), no tenemos la misma situación que, por ejemplo, Dragon Ball, que ya tiene historia en el país y, por lo mismo, nos gusta escucharlo doblado al español, pero cuando estamos acostumbrados a oír las voces japonesas, de pronto tener una traducción resulta inesperado. Al respecto, Rojas nos comentó que sobre su papel de All Might, el héroe más poderoso, sintió presión por el gran personaje del que tenía responsabilidad, ya que "hubo algunas expectativas sobre el personaje y demás, que iban a ser otras voces, pero dices, bueno, por algo me eligió el cliente", y saber "los significantes, o sea, el gran contenido que tiene, lo que significa para los fans, para la historia" hizo que se esforzara y amara al héroe para imprimir en él la fuerza necesaria para el papel.

Al término de la premier, los actores de voz hablaron sobre un método que realizó el director y también actor de voz Gabriel Gama al momento de acercar al elenco con sus personajes. Éste consistió en darles fichas técnicas sobre sus respectivos personajes para que entendieran lo más posible sobre ellos como sus personalidades, sus gustos, traumas, expresiones, gestos, poderes, metas, etc., y así pudieran dar el realce y profundidad psicológica necesaria a cada personaje en cada situación. Esta investigación detallada y descriptiva sorprendió a los actores, puesto que, tal como nos mencionó Arenas, quien lleva 26 años prestando su voz, "el trabajo de doblaje de voz es muy inmediato. Llegas con un cierto panorama, que te procura tu director, llegas a la sala de grabación, recibes tu libreto, una explicación del director, desde luego, y te vas para adelante, a hacer lo que te corresponde."

El trabajo de los actores cumplió con las expectativas. Cada voz encaja con el personaje al que fueron designados, teniendo rangos de voz iguales a sus contrapartes japonesas. La dedicación y comprensión de su rol culmina en un doblaje que deja a los fans de Boku no Hero Academia y a los amantes del doblaje mexicano quedarán más que satisfechos con el producto final.

Como nos dijera el experimentado Rojas "la prueba de fuego es con los fans, que son a los que a mí realmente me interesan, que realmente queden complacidos, que realmente ellos digan “¡Woah! ¡Es lo que esperábamos!”

Les comparto parte de la entrevista realizada a Octavio Rojas y José Arenas:

Y el tráiler doblado al español:

@YukiVongola

Banana Fish: pandillas de NY y amor ágape

¿Qué es lo primero que piensan al oír la palabra "banana fish"? Lean y lo averiguarán.

Banana Fish, de la mangaka Akimi Yoshida, nos muestra un mundo podrido en que los poderosos, mafiosos, políticos, mercenarios y el ejército manipulan a las masas mediante experimentos sociales y bioquímicos, además del control de los medios de comunicación, y obtienen lo que quieren sin importar a quienes dañan en el proceso. Pese que este manga aborda crudos temas tenemos a Ash (juguete sexual del hampa neoyorquino) y a Eiji (un japonés ingenuo y de corazón puro), dos chicos que provienen de realidades diferentes, pero que se comprenden y apoyan al grado de construir una amistad sincera y profunda. Ambos luchan por alcanzar su libertad sin importar el camino tortuoso que deban recorrer.

Ambientada en los años ochenta, seguimos a Ash Lynx, un joven de diecisiete años que es líder de una pandilla en Nueva York, unida a la mafia. Debido a su apariencia llamativa, esos ojos color jade y esa figura y mirada tan elegante y peligrosa a la vez, fue lo que le interesó al jefe de la mafia Dino Golzine quien, cuando Ash era un niño de siete años, éste se lo lleva a su mansión y se convierte en su esclavo sexual, no sólo siendo abusado por él, sino por todo un desfile de personajes importantes dentro del gobierno estadounidense. Su inteligencia y habilidades innatas fueron aún más desarrolladas con la educación y entrenamiento en combate cuerpo a cuerpo y con armas que recibía por parte de su verdugo. Para él, ser un pandillero es sólo una forma desagradable para sobrevivir, puesto que escapar de las manos de Golzine, quien ve en Ash el heredero de su fortuna y negocios, le es imposible.

Otra de las penas con las que Ash tiene que vivir es que Griffin, su hermano, estando en la Guerra de Vietnam, es atacado por uno de sus compañeros, quien parece estar bajo el efecto de algún narcótico. De todos los compañeros, sólo Griffin y un amigo son los únicos que regresan a casa, mas el hermano de Ash queda en un estado casi vegetativo, traumado ante las escenas que vivió. La única respuesta que su cuerpo da es murmurar "banana fish". 

Así, un día que Ash va caminando por los callejones neoyorquinos, se encuentra con un tipo malherido que le da un frasco con una sustancia y un papel con una dirección en Los Ángeles y, antes de morir, dice "banana fish". El joven pandillero sabe que si va a ese lugar, descubrirá más sobre lo que le sucedió a su hermano, aún si eso significa ser perseguido por Golzine.

Por otro lado, Ibe, un periodista y fotógrafo japonés, va acompañado por un chico japonés, Eiji Okumura. Ambos van a un bar, donde Ibe había concertado una cita con Ash Lynx, ya que estaba trabajando en un reporte especial sobre las pandillas de New York. A pesar de que las personalidades de Ash y Eiji son distintas, desarrollaron una empatía especial, uno siempre lucha por sobrevivir, mientras que el nipón vive sumergido en su inocencia y desconoce por completo el mundo del pandillero.

Si continúo, les arruinaría la historia, sólo les diré que más personajes se unen a lo largo de los diecinueve tomos del manga, para averiguar los efectos de banana fish, una poderosa droga utilizada para el control mental de las altas esferas del gobierno estadounidense.

Esta obra ochentera revela cómo las acciones criminales de la mafia como la pornografía infantil, distribución de drogas y homicidios  repercuten en distintos niveles económicos, políticos y sociales.

A pesar del contenido violento, el manga se enfocó al publico femenino (shoujo), aunque por lo oscuro de la historia de Banana Fish rápidamente se volvió popular entre los hombres. 

Un aspecto importante de la trama es la relación que existe entre Ash y Eiji. El manga al no ser de género yaoi, no muestra una relación homosexual. Pese a tener experiencias totalmente opuestas, desarrollan una amistad verdadera, de esas que no todos son afortunados de tener en sus vidas. Sacrificarte por una persona de la que no se espera nada a cambio, sólo su compañía y comprensión, un simple abrazo cuando el mundo se desmorona. Ash, ante todo lo que ha pasado, ve en Eiji una fuerza que lo impulsa a querer su libertad, de aquella que Golzine le arrebató, y vivir como un simple chico de su edad.

Quizá más que amistad era amor, pero ese amor del tipo ágape, de aquel puro e inocente que espiritualmente tranquiliza tu alma. 

El año pasado, se adaptó al anime Banana Fish con veinticuatro episodios. Confesaré que los jueves en la noche tras observar los capítulos nuevos terminaba con un revoltijo de emociones, alegría, ternura, odio, tristeza e indignación. Así de intensa es su intriga narrativa. 

Para la adaptación, el estudio de animación optó por ambientar la historia en la época actual, por lo que la ropa y tecnología fueron modificadas. Hablando del diseño, Ash Lynx está basado en un principio en Stefan Edberg (tenista sueco famoso en los ochenta), pero la mayor inspiración está en River Phoenix, joven actor estadounidense que durante esos años fue una gran promesa en la actuación hasta que falleció a la corta edad de veintitrés años por una sobredosis ocurrida en The Viper Room, club nocturno hollywoodense del cual Johnny Depp era, y es, copropietario. Debido a la tormentosa infancia de River (hermano del también actor Joaquin Phoenix), podemos entender por qué Akimi Yoshida lo escogió como modelo de Ash.

Los openings y endings de la serie nos reflejan lo que Ash Lynx siente sobre su existencia y cómo quiere hacer aunque sea una cosa que vaya en contra de cómo el mundo ha decidido ver su vida, sin importar el final que él mismo pueda tener.

Como un homenaje a la literatura estadounidense, el anime introdujo easter eggs que hacen referencia a cuentos y novelas de escritores de la Generación Perdida. Entre estos, tenemos Un día perfecto para el pez banana, y El guardián entre el centeno, de J.D. Salinger;  Al otro lado del río, Las nieves del Kilimanjaro y El jardín del Edén, de Ernest Hemingway; A este lado del paraíso y Mi ciudad perdida, de F. Scott Fitzgerald; Mientras agonizo, de William Faulkner, y De la muerte a la mañana, de Thomas Wolfe. 

Uno creería que nada tiene que ver el título de una novela con el contenido del capítulo, pero si leemos estas obras literarias y vemos Banana Fish, encontraremos un significado más profundo y complejo de las acciones de los personajes y de la situación bajo la que son presas. Una segunda o tercera lectura interesante que nos ofrece esta obra de estos autores que reflejan los excesos, crueldad, desesperanza, existencialismo, así como una pequeña esperanza que reside en la maldad que el ser humano demuestra sin ningún reparo.

Es difícil superar la trama y la complejidad de los personajes, y tras verla, todos desearán tener una persona cuya alma esté siempre a nuestro lado, una amistad que nos motive y ayude a ser mejores y que perdure sin importar nada. 

Les comparto el tráiler del anime:

@YukiVongola  

Dragon Ball Super: Broly, o la canonización de Broly

Hace veinte años se estrenó en cines mexicanos la onceava película del universo de Dragon Ball, El poder invencible (mientras que en Japón fue en 1993), por lo que ahora resulta un año especial para los fans de esta saga creada por el mangaka Akira Toriyama, en que el antagonista, Broly, es uno de los preferidos por el público por la increíble fuerza y la paliza por la cual atraviesan los Guerreros Z en sus manos, siendo considerado como uno de los personajes más poderosos. Esta vez, el vigésimo filme estrenado el 11 de enero de este año también en cines, pretende ser lo que la trilogía noventera protagonizada por Broly no pudo: ser canon.

Bajo el título Dragon Ball Super: Broly, ésta es la tercera película (junto con La batalla de los dioses y La resurrección de Freezer) cuyas acciones y personajes que en ella se presentan son consideradas canon, es decir, parte de la narrativa original del mismo autor, Toriyama, por lo que películas tales como La fusión de Goku y Vegeta o El regreso del guerrero legendario, pese a tener la autorización del mangaka para producir estas cintas, no contaron con una trama escrita por el autor, lo cual lo vuelve automáticamente en una obra spin-off. Bajo este término entran estas obras que no son creadas por el autor original, retomando personajes existentes y agregando unos nuevos para ampliar la historia base, siempre teniendo el permiso del mangaka. 

DBS: Broly, no es un remake, es un reboot, lo que hace a esta película en una nueva que, por fin, nos introduce a Broly (aunque se tuvo un guiño de su apariencia en la saga del Torneo de Fuerza de DBS con el personaje de Kale), pero como recordamos haberlo visto en El poder invencible o en El regreso del guerrero legendario, sino que lo vemos bajo una nueva perspectiva que replantea todo lo que pensábamos sobre él. En éstas dos, Broly se ve como una máquina asesina que sólo el odio hacia Goku lo motiva para destruir todo a su paso; en este filme perteneciente a DBS, Broly cuenta con un poder descomunal, el cual no controla y lo convierte en un ser extremadamente peligroso. La diferencia con la nueva es que vemos a un Broly sensible, que es víctima de la venganza ciega de su padre hacia el Rey Vegeta y el mismo Vegeta, que puede que no le guste pelear y que es capaz de hablar sobre sus sentimientos y ser civilizado con otros. Vemos el lado humano de Broly que nunca habíamos pensado que tenía. 

El filme nos da mayor información sobre los Saiyajin, y la relación entre Freezer y esta raza guerrera. Podemos ver a Bardock y Gine, padres de Goku; los pininos de Vegeta con Raditz, quienes mencionan que les da igual lo que les haya pasado a sus hermanos menores (recordando que el menor de los príncipes de los Saiyajin apareció en el capítulo especial ¡Hey! ¡Goku y sus amigos regresan!, y es mencionado en La batalla de los dioses); la traición y genocidio de Freezer a raíz del conocimiento que tiene sobre el súper saiyajin legendario (lo cual se revela en los capítulos especiales La batalla de Freezer contra el padre de Goku y el llamado Episodio de Bardock). Lo anterior nos da también otra perspectiva sobre la vida de Goku en el planeta Vegeta y sobre su llegada a la Tierra.

A diferencia de los otros dos filmes canon, solamente Goku y Vegeta son quienes pelean contra Broly, lo cual centra más los espacios de acción. Este factor contribuyó a que la animación de tipo CGI (imágenes generadas por computadora) fuera más efectiva, brillante y dinámica al concentrarse en dos o tres personajes, agregando mayor realismo al escenarios, poderes y realce de los saiyajin durante esta pelea épica. Esta animación fue usada en Universal Studios Japan durante una película creada especialmente para una atracción 4D, en que Broly era el villano a vencer.

El doblaje latino, con el elenco original tanto del anime como de los actores de voz que interpretaron a Broly (Ricardo Brust) y Paragus (Roberto Sen) en El poder invencible, son parte de la magia de la película. Hay momentos divertidos y frases que nos recuerdan nuestra vida diaria, tales como Goku diciéndole a Bulma que se da sus "estiraditas" en la cara gracias al poder de las Dragon Ball, o frases de Freezer que causaron más de una risa. Sin duda, el trabajo de los actores de voz vuelve a DBS: Broly en una cinta memorable para los fans.

Posiblemente, esta película vaya a ser adaptada a una nueva saga del anime, como pasó con La batalla de los dioses y La resurrección de Freezer. Tendremos más de Dragon Ball por un tiempo más.    

Sin más, sólo queda ir al cine a ver esta obra. Les aseguro que, al ir, verán gente de todas las edades. Así es, ése es el impacto que Dragon Ball ha tenido en nuestro país durante veintiséis años, marcando generaciones enteras desde su aparición.

Les comparto el tráiler en latino:

@YukiVongola

La Navidad vista bajo la lupa japonesa

En nuestro país, la Navidad es muy colorida. Es la fecha de las posadas, piñatas, villancicos y colaciones. Y en la que podemos admirar las nochebuenas adornando parques y avenidas principales, sin olvidar que también embellecen las casas. Simplemente, la Plaza de la Constitución está bellamente iluminada con miles de foquitos propios de la temporada. En comparación, en Japón esta festividad palidece. Sí hay juego de luces en torres, edificios y castillos, y árboles en centros comerciales, pero todo el significado que conlleva la Navidad es nula para los nipones, quitándole parte de su encanto.

¿Por qué? Durante el siglo XVI, misioneros cristianos provenientes de España, Portugal y Holanda llegaron a Japón con el fin de predicar su religión, sin mucho éxito. Al contrario de los pueblos americanos que sucumbieron ante la conquista espiritual ganada por los españoles al mezclar elementos cristianos con creencias prehispánicas, los japoneses eran renuentes hacia la predicación de los extranjeros que alababan a un ser supremo, por lo que evitaban tener mucho contacto con ellos fuera del factor del intercambio comercial.

Cuando los cristianos intentaron convertir al pueblo japonés al cristianismo, incitando a olvidar el budismo y sintoísmo, el gobierno de los Tokugawa estableció la prohibición de la práctica cristiana, lo cual conllevó que los misioneros extranjeros fueran perseguidos, torturados y asesinados imitando la muerte de Jesucristo, aquel a quien alababan. Uno de los misioneros más reconocidos fue el fraile franciscano novohispano Felipe de Jesús (que ahora puede decirse que es mexicano y ha sido santificado) quien fue martirizado en Nagasaki junto a otros veintiséis de su Orden. Un mural novohispano encontrado en la Catedral de Cuernavaca nos muestra la llegada de los misioneros, su persecución y su muerte crucificados. Los japoneses que se convirtieron practicaron en secreto el cristianismo, incluso se dice que algunos samuráis, como Date Masamune, eran afines a esta religión. En el castillo Himeji, en parte de su estructura, se pueden ver pequeños motivos de cruces, indicando que familiares del clan Honda eran también sus seguidores.

El gobierno de los Tokugawa permitió que algunos cristianos se establecieran en Nagasaki, siempre y cuando no se involucraran en asuntos políticos y sociales, Hoy en día, pueden verse varias iglesias de arquitectura modesta a lo largo de esta ciudad.

Esta actitud agresiva de Japón hacia el cristianismo fue brutal y ejemplar, puesto que mantuvieron sus raíces ideológicas sin que un grupo extranjero lograra imponerse a ellas. 

Con esta relación histórica, ¿cómo es que Japón "celebra" la Navidad? Su primer acercamiento fue a través de los estadounidenses que habían ocupado parte de la isla tras la Segunda Guerra Mundial, en especial en Okinawa, quienes la festejaban. Después, con la Globalización, los nipones aprendieron más sobre ella, pero dado que el budismo y sintoísmo son las principales filosofías que rigen cada aspecto en su vida, la Navidad no es vista como en el resto del mundo que es, en su mayoría, cristiana y católica. 

La Navidad en Japón es, en realidad, festejado al estilo del Día del Amor y la Amistad. Los novios lo toman como uno de los días más románticos del año, mientras que los amigos se reúnen en algún karaoke a divertirse. En pocas casas se ponen árboles de Navidad y luces, lo cual es más imitación a como se adorna en el Occidente, no tanto porque se crea en su significado. Más bien, es moda. 

Algo singular es que la gente acude mucho al KFC a comprar su comida, para compartir con amigos. Un día normal para unos, para otros es un día de romance y amistad. En México, se preparan cenas especiales para convivir junto con la familia y amigos, mientras que los niños esperan a romper la piñata y a abrir sus regalos.

Siempre ver las diferencias en cuanto a ciertas festividades, pese que lleven el mismo nombre o se celebren en la misma fecha, nos habla de la gran diversidad cultural e histórica que cada nación tiene, enriqueciendo lo que sabemos del mundo y de nosotros, los humanos.

@YukiVongola

Boku no Hero Academy: Two Heroes, película en cines mexicanos

Los superhéroes. El estado actual de nuestro mundo nos hace preguntarnos, ¿dónde están aquéllos, que vemos en películas, cómics y manga en la vida real? ¿Necesito nacer con mutaciones o adquirirlas, ser un extraterrestre o un ser mítico para salvar a la Tierra? Con esta reflexión inicia Boku no Hero Academia, cuando nos presentan al desdichado niño, Izuku Midoriya, quien se entera que no posee y nunca tendrá el quirk (una particularidad que el ser humano ha desarrollado, y que ahora es tan común que 80% de la población mundial posee poderes especiales),esta situación impedirá que haga realidad su sueño de convertirse en un héroe, como All Might, su ídolo.

Por azares del destino, Midoriya es rescatado por All Might, quien al ver la determinación del chico por ayudar a la gente y hacer lo correcto, aunque no posea ningún poder, el superhéroe número uno del mundo le hereda cierta parte de su poder llamado One for All, adquiriendo así la fuerza y velocidad necesaria para inscribirse en la Academia U.A., mejor conocida por ser una escuela en que los jóvenes con quirks aprenden a usar mejor sus habilidades y a valorar lo que realmente es ser un héroe. Así, Midoriya se vuelve uno de los estudiantes más cercanos de All Might en la Academia.

No es de extrañarse que Boku no Hero Academia (BnHA) sea de los manga más populares del momento (inició en el 2014), y que se convirtiera en uno de los pilares de la revista nipona Shonen Jump (la cual publicó Dragon Ball). Las escenas de pelea, la comedia y los personajes, a veces un poco occidentalizados (como puede verse con el diseño de All Might), lo han distinguido de otras historias contemporáneas. Su éxito ha llevado a la planeación de su cuarta temporada de anime y el estreno de la película animada titulada Two Heroes, la cual se presentará en cines mexicanos del 30 de noviembre al 2 de diciembre, y del 7 al 9 de diciembre.

BnHA: Two Heroes, explora parte del pasado del gran All Might, de su época como estudiante de intercambio en Estados Unidos y de cuando conoció a su amigo David Shield, un joven científico que, al obtener poderes crea armamento y accesorios para los héroes. David ve representado en All Might al símbolo de la esperanza, por lo que, cuando se entera que los poderes del héroe se están apagando (debido a la herencia otorgada a Midoriya y a secretos del origen de su poder) se preocupa por lo que pasaría con el mundo si esa luz se apagara.

Con este preámbulo y una breve explicación del contexto de la obra (los quirks, los héroes, la Academia U.A. y sobre Midoriya y All Might), ubicamos a estos dos personajes en medio de la I-Expo, la cual es la meca de la tecnología de los héroes, donde All Might se reencuentra con su viejo amigo David, y Midoriya conoce a Melissa, su hija, quien carece de poderes y aspira a ser una científica como su papá. 

En la noche cumbre del evento, un grupo de villanos controla el sistema de seguridad de la isla entera y toma de rehenes a héroes y civiles... Entre ellos, All Might, quien es incapaz de moverse ante la falta de poder... Ahora, sólo los estudiantes de la Academia U.A. podrán liberarlo y hacer justicia.

La película es bastante entretenida y dinámica, sea para quienes esta cinta es su primer acercamiento a la obra o si son grandes fans, puesto que la contextualización del principio lo facilita y logra que los nuevos espectadores se enganchen con la historia de Midoriya y All Might. Las escenas de peleas están bien logradas, de manera que los jóvenes héroes tienen sus momentos para lucir sus mejores técnicas. La comedia y la personalidad bien marcada de cada personaje (manifestada también al mostrar sus poderes), son esencia de lo que ha hecho a BnHA tan popular y un referente inmediato de manga de acción. 

Si bien, tenemos otros manga/anime que exploran el lado del "superhéroe", como One Punch Man (una obra satírica del género) o Tiger and Bunny (donde los héroes participan en un reality show), esta obra de Kohei Hirokoshi es diferente por mostrar una visión más idealista sobre lo que significa ser un héroe y lo que conlleva en diferentes aspectos. 

Pese a que Midoriya y los otros estudiantes son personajes ficticios, el espectador simpatiza y empatiza con ellos, porque los vemos desde cero, con todos sus tropiezos y avances, dudas y resoluciones, pensamientos y acciones muy cercanos a decisiones que alguna vez todos hemos tomado. Sentimos cercanos a los personajes, sus palabras sobre heroísmo nos inspiran a reflexionar.

Para finalizar, les comparto unas palabras de All Might: "Un héroe es alguien que supera cada obstáculo que la vida pone en su camino."

Les comparto el tráiler subtitulado de la película:

@YukiVongola

Día de Muertos, espíritus y Shaman King

El Día de Muertos es una fiesta de origen prehispánica, atribuida a la cultura mexica. Tras la llegada de los españoles, estos mezclaron elementos de su propia cultura y religión católica al culto mexica, algunos aspectos de este rito resultaban extraños para los europeos. Conservando la esencia de su origen, esta festividad es la más colorida que tenemos en México, ya que nos acerca a nuestros muertos y a nuestras raíces, incluyendo el contacto entre aquellas culturas que nos formaron en lo que actualmente somos.

Dentro del manga Shaman King, de Hiroyuki Takei, existe una mención sobre nuestra festividad, la cual se me hace muy exacta cómo se le pinta y el humor de los mexicanos respecto a la muerte.

En principio, esta obra se centra en chamanes, descritos en el manga como aquellas personas que sirven de "vínculo entre este mundo y el otro. Son personas muy importantes que pueden establecer una comunidad con las deidades y los espíritus de la tierra, de quienes utilizan sus poderes en su representación". A lo largo de la historia, observamos los lazos entre personajes con estas características de diversas edades y nacionalidades con los espíritus con los que han firmado un pacto y a los que llaman "familiares", un término usado dentro del chamanismo, el budismo y artes ocultas para denominar a aquellos entes que sirven a un "amo" y pasan su conocimiento a futuras generaciones de éste. 

Un arco argumental dentro de la trama se enfoca en el Torneo de "Shamanes", que sólo ocurre cada quinientos años, y en los combates intensos ocurridos entre varios grupos de chamanes con habilidades y espíritus variados, cada uno buscando ser el equipo ganador que logre fusionarse con los Grandes Espíritus que representan a la Naturaleza y que controlan el curso del mundo. Y es el protagonista, Yoh Asakura, quien aspira a ser el Shaman King.

En la primer batalla del torneo, el equipo integrado por los personajes Ren, Horo Horo y Chocolove se enfrenta ante el de la Tierra, el cual trabaja para el antagonista de la obra. El equipo de la Tierra se conforma de un chamán mexicano llamado Peyote Díaz y dos monjes rockeros budistas japoneses. Peyote tiene como espíritus acompañantes a una banda de mariachis, quienes murieron en una pelea dentro de un bar. Él usa como herramientas conductoras para sus espíritus a varios muñecos de calaveras, los cuales son poseídos por los mariachis para tener una forma física y poder atacar a sus enemigos.

Durante esta pelea, uno de los personajes, Anna, al ver los muñecos de calavera, menciona que "en México las calaveras son un símbolo de la muerte. En México celebran a los muertos... una vez al año, los muertos retornan a este mundo para venir a brindar y comer. Para los mexicanos, la muerte es algo familiar y alegre. Por eso, en ese día adornan con calaveras y muchas cosas más." Para nosotros, las calaveras simbolizan a cada uno de los muertos que la familia tiene.

Después, Anna añade que el Día de Muertos tiene gran parecido con el Festival Obon japonés. Éste se celebra en agosto y dura tres días, por lo general, entre el quince y diecisiete, en algunas regiones niponas han variado las fechas dentro del mismo mes. 

El también llamado Festival de los Muertos da inicio con el tradicional baile Bon Odori ("baile Odori" o "baile de los muertos") al son de un tambor gigante (taiko) que es como se les da la bienvenida a los difuntos, realizado en parques o lugares donde hay templos budistas, alrededor de los cuales la gente forma una rueda y danzan rodeando una torre de la cual se desprenden hilos que sujetan farolillos de papel.

A sus difuntos, dentro de sus casas ponen ofrendas delante de pequeños altares budistas. La ofrenda consiste en onigiri (bolas de arroz), pepinos, berenjena, sake, dulces, velas, incienso y fotografías de los difuntos. Los elementos de sus ofrendas son similares a los que se ponen en México, ya que la comida es lo que ellos reciben de sus vivos, las velas son la guía a sus casas (así como los farolillos de los templos budistas), y las fotografías evocan al difunto.

Curiosamente, el pepino y la berenjena simbolizan, respectivamente, un caballo y una vaca. Los japoneses creen que sus muertos llegan en caballo a sus viejos hogares, porque saben que deben apresurarse a comer su ofrenda y a visitar a sus seres queridos, ya que su tiempo es limitado; después, su regreso al otro mundo lo hacen montados en una vaca, a paso lento, ya que es una pena para el difunto el despedirse de nuevo. Por eso, a estos se les ponen cuatro palillos simulando las patas de estos animales. El último día del festival Obon, por la noche, se quitan los farolillos, y se tiene por tradición el dejarlos flotar sobre algún río o mar, simbolizando el regreso al mundo de los muertos.

El Obon tiene su origen en una leyenda budista. Ésta se centra en un discípulo de Buda llamado Maha Maudgalyayana, o Mokuren, quien empleó sus poderes sobrenaturales para contactar con el espíritu de su madre fallecida. Al hacerlo, descubrió que ésta se encontraba en el reino de los fantasmas, donde sufría interminablemente. Alarmado por esto, se dirigió a Buda, preguntándole cómo podía liberar a su madre de ese sufrimiento. Buda le dijo que debía hacer ofrendas el día quince del mes séptimo. Mokuren así lo hizo, y pudo verla, y no sólo eso, sino que vio también la verdadera naturaleza de su pasado desinteresado y los muchos sacrificios que su madre hiciera por él. Alegre por su liberación y agradecido por su bondad, ambos bailaron contentos.

Es bello cómo dos culturas tan alejadas tienen un festival hacia la Muerte, en que la remembranza hacia nuestros difuntos y la guía espiritual que se les da para que lleguen a sus casas producen que las noches no sean tan solitarias para aquellos quienes han perdido a un ser amado. Al final, la Muerte nos une y nos sensibiliza, y recordarla y celebrarla nos hace sentir más vivos y más conscientes del camino de la vida.

@YukiVongola