Godzilla y el inicio del monstruoverso cinematográfico occidental

En esta era de multiversos y crossovers épicos, donde personajes de distintos mundos convergen en una sola saga para salvar a la humanidad, emerge de las profundidades de la Tierra el kaiju más famoso de la cultura pop, un tal Gojira, llamado normalmente Godzilla en Japón, y ocasionalmente confundido en Estados Unidos con otro kaiju de apariencia similar llamada Zilla, protagonista de todas las películas occidentales.

La secuela de Godzilla, subtitulada Rey de los monstruos (basada en la cinta de 1954), intenta captar la atención para abrir el monstruoverso, que inició con King Kong: La isla Calavera (2017), donde Zilla es el personaje principal y enfrenta a los antagonistas de la filmografía japonesa de Godzilla. 
 

La primer película de Godzilla fue estrenada en el país del Sol naciente en 1954, a manos del estudio Toho, con una calidad de efectos especiales que actualmente es cómico, fue uno de los mayores éxitos cinematográficos de su región, al grado de ser considerado un ciudadano japonés, vigilar la ciudad de Tokio desde la cima de los Cinemas Toho.

Si bien, su origen varía en cada entrega, la mayoría coincide en que su enorme tamaño y poderes extraordinarios fueron el resultado de la radiación nuclear provocada por las pruebas realizadas en la isla nipona de Odo y las bombas atómicas lanzadas por Estados Unidos al término de la Segunda Guerra Mundial.

Godzilla, como lo pinta la versión del 98 que ataca Nueva York, es una iguana que mutó a raíz de las pruebas nucleares lanzadas en la Polinesia Francesa, cuando en realidad pertenece a la especie jurásica Godzillasaurus, que habitaba en la isla Odo. Sus inicios cambiaron nuevamente en Godzilla (2014), con la idea de que es una criatura que vivió hace millones de años, mucho antes que los dinosaurios, y que la enorme cantidad de radiación de la Tierra causó su crecimiento y le dio poderes. 

Un dato que a los japoneses no les agradó en la cinta del 98 fue su origen, puesto que Godzilla siempre ha sido una alegoría del ataque atómico sufrido en Hiroshima y Nagasaki.

Para evitar relacionar al kaiju de las producciones estadounidenses con el Godzilla japonés, el estudio Toho explicó en Godzilla: Final Wars que el monstruo que atacó Nueva York no era Godzilla, sino un kaiju parecido a él, al cual le denominan Zilla. Por tanto, se alude a que el Godzillasaurus protagonista de las películas estadounidenses no es el Gojira original. De esta manera, el estudio Toho le regresó el honor a su personaje.

Sobre Rey de los monstruos, el pretexto para verla es sólo por la pelea de los cuatro kaiju mientras destruyen todo a su paso, escenas en las que se observan errores de continuidad.

Lástima de los actores principales que ni por la experiencia fílmica salvaron la esencia de la historia; sólo vimos a una Millie Bobby Brown interpretando a una débil versión de su personaje de Stranger Things, Eleven, pero con cabello largo y sin poderes; la vidente Lorraine Warren del universo del Conjuro, protagonizada por Vera Farmiga, quien compró la ideología de Thanos y  busca equilibrar el mundo, sin importar si mueren unas cuantas millones de personas; y Kyle Chandler, quien saliera en King Kong de Peter Jackson, y cumple el papel del humano que odia a Godzilla y lo ve como enemigo.

Lo curioso es que Rey de los monstruos ha sido la única película de Estados Unidos en retomar el tema clásico de Godzilla del año 1954.

Como parte del monstruoverso, se retomó el origen de King Ghidorah, un extraterrestre que amenaza la Tierra, el mayor enemigo que ha enfrentado Godzilla a lo largo de 32 filmes japoneses. De igual manera, se explica cómo es que estas criaturas sobrevivieron con el paso de los siglos: la hibernación en que se encontraron tras bajar los índices de radiación en la Tierra los protegió del cambio entre eras.

Ésta es una aportación interesante al universo fílmico de Godzilla, puesto que en las cintas niponas no se esclarece el por qué aparecen los kaiju. Quizá se sobreentiende su presencia en Japón por la influencia del sintoísmo y el folklore, por ello sus habitantes creen en seres de este tipo y no necesitan mayores explicaciones.

Otro cambio dentro del canon en Rey de los monstruos es el comportamiento de Godzilla, quien  en las entregas japonesas protege Japón, a pesar de odiar a la humanidad por su contínua destrucción del planeta. La visión, en cambio, de las películas occidentales es de un gran monstruo que sólo destruye las ciudades, y que parece estar del bando humano.

Sobre Rey de los monstruos, vuelvo a la idea de que sólo por el interés de ver a un dinosaurio gigante pelear contra un dragón de tres cabezas es que tendrá más popularidad. Ahora, la siguiente apuesta es que luche contra King Kong, de nuevo, recordando que en 1962 tuvieron su primer round, llevándose, por muy poco, la victoria el gorila gigante.

Si me preguntan sobre cuál de las cintas estadounidenses es mejor, me quedo con la de 1998, pese al cambio en la historia de Godzilla. Es coherente y las escenas de acción no cansan, a diferencia de la de 2014 que es tediosa y los humanos sólo persiguen a los kaiju. 

Les recomiendo la última cinta realizada por japoneses, Shin Godzilla (2016), dirigida por la mente detrás del anime y manga de culto Neon Genesis Evangelion, este largometraje me causó incomodidad y miedo con las transformaciones que sufre. Esto implica una nueva propuesta en la saga: la evolución. Se presenta, además, un nuevo inicio para Godzilla, que a su vez regresa a su papel aterrador, como en sus inicios, donde los japoneses huían asustados.

Otras son la trilogía animada, con Gen Urobochi como guionista, otro genio del manga y anime, Godzilla: Planeta de monstruos, Ciudad al filo de la batalla y El devorador de planetas cuentan la historia de un grupo de humanos sobrevivientes al exterminio causado por Godzilla, quienes se ven obligados a cambiar de planeta. Años después, unos cuantos regresan a la Tierra sólo para observar asombrados cómo el ecosistema ha cambiado y que, aparte de Godzilla, hay otros kaiju dominando su antiguo hogar.

 

Para terminar, el por qué se creó y el por qué del actuar de Godzilla son parte de la ideología, folklore e historia japonesa, King Ghidorah puede ser analizado como una analogía de los estadounidenses, que crearon un arma "extraterrestre" para atacar Japón. Quizá por eso es que las tres películas occidentales no han gustado en Oriente porque Estados Unidos se deslinda de la responsabilidad de crear a Godzilla, tanto en ficción (los filmes) como en la realidad (la alegoría).

 Bienvenidos al monstruoverso, y ¡larga vida al rey de los monstruos!

@YukiVongola

Quiero comerme tu páncreas, u oda a la vida

Seguro cada quién tiene una perspectiva diferente de lo que significa la vida y la muerte, pero sólo quienes la han vivido de cerca pueden tener un mayor entendimiento de lo que esta dualidad crea en una persona.

A lo largo de la historia del hombre han existido creencias que acercan a los muertos con los vivos. Una de ellas se asemeja a uno de esos tratamientos extraños que había, por ejemplo, en la Edad Media europea, en que una persona enferma del hígado debía comer hígado para curarse. De igual manera, en varias culturas se piensa que, al comer algún órgano de un ser querido, el fallecido seguirá viviendo en el cuerpo de sus seres amados.

Esta idea es la que refleja Quiero comerme tu páncreas, cinta dirigida por Shinichiro Ushijima, la cual está basada en el manga de un solo tomo de Yoru Sumino. Esta frase es la esencia de la historia, de los personajes. El tiempo de la narrativa se ubica en el funeral de una chica, Sakura, a quien el protagonista (del cuál no sabemos su nombre) recuerda en su oscuro cuarto cómo fue que la conoció. Todo inició por casualidad (¿o causalidad?) en el hospital. 

Aquí es cuando el páncreas entra en la escena. Sakura tiene una enfermedad terminal que le afectó el páncreas y, debido a lo complicado de ello, ningún trasplante es viable, sólo le queda disfrutar lo poco de vida que le queda. "Él" se entera al recoger un libro en la sala de espera del hospital, mientras aguarda su turno para que le atiendan. Al abrirlo, se da cuenta que en realidad es un diario cuya propietaria es Sakura, la chica popular y alegre de su salón. Vivir con la muerte, así le titula a su diario, en el que escribe que nadie, salvo sus padres, conocen sobre su enfermedad.

En este momento es cuando inicia la amistad de dos chicos completamente diferentes, ella tan alegre y social, y él tan callado y cuya única compañía son sus libros. La indiferencia de él al conocer la verdad de su compañera de clases causa en Sakura el querer ser su amiga. ¿Por qué salir con un chico indiferente en vez de sus amigos? 

La razón que ella da es que no quiere que el conocimiento de su próxima muerte les cause dolor desde antes y la empiecen a tratar de manera especial, cuando sólo quiere ser una adolescente más. Ello hace que confíe en él porque la trata de manera normal pese a conocer su realidad. Son ese tipo de pequeños detalles, de vivir como todos, lo que ella desea y encuentra en él.

Quiero comerme tu páncreas puede ser interpretado con una expresión de amor, de amistad, sobre la vida, sobre las decisiones, sobre la conexión con las personas, del cambio que una sola persona puede dar a tu existencia para ser mejor persona. 

Y justo eso nos enseñan estos personajes, confirmando que, aún teniendo una enfermedad o estar aislado del mundo, en un momento la vida se te va del cuerpo. No se trata de temer a la muerte o de sólo pensar en el vacío que siente alguien por un ser querido fallecido, sino conmemorar la vida que nos queda y recordar las enseñanzas que los que partieron nos dejaron. Es decir, tener vivo dentro de nosotros el corazón, el alma, de ellos.

Pese que desde el inicio la cinta nos revela que, efectivamente, Sakura morirá y que no habrá un medicamento o una cirugía que puedan cambiar su situación, no resulta tan dramática su historia. No es el clásico "sufro porque me voy a morir" o el papel de mártir. Si bien hay momentos tristes, lo importante de la cinta es el trascender tu existencia en otros. Pero, aún así, el final toma un giro inesperado.

Los paisajes, en que vemos las flores de cerezo  (o sakura en japonés) brotando en primavera, refleja la idea de que sólo en determinado momento cada uno de nosotros emerge con su verdadero ser y toma las decisiones que le llevan al punto en que se encuentra con otras flores igual de bellas de alma.

La película cuenta con audio en español, para aquellos amantes del doblaje, el cual cuenta con Miguel Ángel Ruiz (Panda en Escandalosos) y Erika Ugalde (Mantis en Guardianes de la Galaxia), bajo la dirección del también actor de voz Eduardo Garza. Las voces de los protagonistas encajan perfectamente con sus personalidades, por lo que el escucharla en español resulta muy armónico.

Quiero comerme tu páncreas es una película que, en especial aquellos quienes han pasado por situaciones similares, sentirán unas lágrimas empañando sus ojos, pero revalora lo que significan los lazos entre las personas en un mundo en que la vida no nos es realmente propia y en el cual sólo podemos disfrutar lo más que podamos gozando de las pequeñas cosas de la vida que nos rodea.

Les comparto el trailer en latino:

@YukiVongola

Detective Pikachu y los planes de Pokémon para este 2019

Detective Pikachu, primer película live-action de la franquicia Pokémon (siendo la cinta número veintidós) por fin se encuentra en salas de cine haciendo que la gente al verla se derrita ante la ternura de Pikachu, el monstruo de bolsillo más querido del mundo, que usa una adorable gorrita de detective. Él se puede comunicar con el joven Tim, y lo aprovechará para ayudarle a investigar sobre el paradero de su padre desaparecido.

Razón por la que inspira ternura se debe al gran trabajo con la animación generada por computadora (CGI) y a los efectos visuales, los cuales le dan al roedor amarillo texturas realistas que, justamente, provoca deseos de abrazarlo, y hace que nos preguntemos si realmente es animación. Otras criaturas como Charizard, que posee características de fuego y puede volar, está inspirado en los lagartos y en los dinosaurios, tiene una textura escamosa; o Gengar cuya materia sólida se convierte gaseosa y, vaya la redundancia, fantasmal.

Quizá haya quien no lo sepa, pero el filme está basado en el videojuego homónimo del 2016, en el que seguíamos a Tim y al Pikachu detective, quienes resolvían algunos casos sobre pokémon agresivos. Cada una de estas investigaciones se iban relacionando con el último caso que el padre del muchacho investigaba, incluyendo al poderoso Mewtwo; éstas últimas fueron las bases para crear la película protagonizada por Ryan Reynolds (como Pikachu) y Justice Smith (Tim Goodman), y, como tal, es considerada como una de las mejores adaptaciones a la pantalla grande de un videojuego. 

Algunos guiños al anime como escuchar de fondo en unas escenas el tema "¡Atrápalos ya!" y siendo éste cantado después por el propio Pikachu, así como referencias a la liga pokémon de Sinnoh o que un letrero en la calle en la que está el departamento del padre de Tim se llame Oak, justo como la eminencia en investigaciones pokémon tanto en los videojuegos como en el anime y manga, el profr. Oak. Son estas pequeñas cosas que hacen al verdadero fan feliz.

Cuando se adapta la trama de alguno de los videojuegos canon (es decir, que siguen la idea original) a live-action el resultado puede ser desastroso, tal como ha ocurrido con las cintas de Resident Evil, pero al ser Detective Pikachu un juego spin-off (un derivado del original) y cuya emoción se encuentra en el misterio (y no en las batallas entre los pokémon) el estilo, argumento y diseño son un poco más fáciles de representar en 3D. También, cuando alguien se mete con el producto primogénito y la adaptación sale mal, es peor que si se trabaja con una creación derivada que, por lo mismo, no sigue las mismas pautas que el original.

Si bien, el final de la película es un poco desconcertante y extraño, sirve para rellenar el final abierto que el videojuego dejó a sus jugadores hace tres años, como algunos aspectos de la relación entre Mewtwo, el padre de Tim y el Pikachu parlanchín.  

Es recomendable para los fanáticos de Pokémon de antaño, quienes vienen siendo el público objetivo de sus creadores. Si a mí me gustó, salvo por lo raro de la conclusión, a aquellos fans ocasionales de la franquicia que se acercaron por Pokémon Go les gustará igual. 

Hablando de los fans ocasionales, el año pasado salió el primer videojuego para la consola Nintendo Switch, dirigida a ellos, el cual tiene una jugabilidad fácil y sin muchas complicaciones dentro de las batallas entre los monstruos de bolsillo. Let´s Go Pikachu y Let´s Go Eevee cumplieron la meta de acercarse a estos nuevos seguidores, mientras le daban algo de relajamiento a los entrenadores competitivos. 

Este año, en noviembre, tendremos las dos nuevas versiones de videojuegos que incluirá a la tan esperada octava generación, Sword y Shield, que sí están diseñadas para los jugadores de antaño. 

Cabe mencionar que la información que ha salido al respecto es prometedora, iniciando con los pokémon iniciales de tipo agua, fuego y hierba que nuestro personaje deberá escoger para iniciar su aventura en la nueva y bellamente diseñada región Galar.

Para no esperar hasta noviembre, el 12 de julio volveremos a ver a Mewtwo protagonizando la película número veintitrés Mewtwo contraataca: evolución. Ésta será un remake de la primera cinta del universo Pokémon llamada Mewtwo contraataca, de 1998, pero será animada completamente por CGI. 

Por lo que se ha podido observar en los tráilers, parece que habrá cambios mínimos con respecto a la otra. Ojalá y ésta sea proyectada en cines tal como lo fue en 1999 en México, y con el doblaje original.

Lo sorprendente de Pokémon es que, a pesar de sus veintitrés años de existencia (comenzando con las versiones Red y Green), ha sabido mantenerse en el gusto de grandes y pequeños por todo el mundo. Acercarse a viejos y nuevos amigos le ha dado el éxito. Y, claro, Pikachu es una de las piezas claves con su apariencia tan adorable. Como se sabe, Pokémon tiene aún larga vida.

Me despido con una frase del Pikachu detective, "¿qué tan perspikachu eres?"

Les comparto los tráilers de Detective Pikachu:

De Sword and Shield (en inglés):

Y de Mewtwo contraataca: evolución (en japonés):

@YukiVongola

Manga sobre niños que no son para niños y otros que sí lo son: Yakusoku no Neverland y otros manga

Ahora que pasó el día del niño (celebrado en México el 30 de abril, mientras que en Japón es el 5 de mayo) es inevitable pensar en el papel que juegan los pequeños dentro del manga y el anime, así como aquellas obras que están enfocadas justamente a un público infantil, el cual recibe el nombre de kodomo.

En esta ocasión hablaré sobre algunas historias cuyos protagonistas son niños, quienes se desenvuelven en distintos escenarios y nos dejan ver el punto de vista de ellos frente a su realidad. 

La primera obra es Yakusoku no Neverland, traducida como La Prometida Tierra de Nunca Jamás, que nos presenta a un grupo de niños que vive en el orfanato Grace Field. Los niños de 11 años, Emma, Ray y Norman, protegen y son guías de los más pequeños. Su llamada "mamá" es la única adulta del lugar que está rodeada de muros altos y de la cual tienen prohibida su salida hasta que los niños sean "adoptados". 

Quitando los exámenes de conocimientos que todas las mañanas se les hacen a los niños, pareciera que todo en Grace Field es de ensueño... Hasta que el trío de amigos descubre que cada niño que es "adoptado" es asesinado por demonios que, posteriormente, se los comen. El querido orfanato de los niños es en realidad una plantación, una granja, en que el producto son los niños, las "mamás" son las encargadas de su "calidad", los adultos son los vendedores y los clientes son los demonios, que parecen ser los conquistadores de la Tierra. Es decir, los niños son ganado que sirven para una sola cosa: ser comidos.

Con la idea de un escape de ese destino, los niños empiezan a idear cómo salir de ese lugar, antes de que sean devorados.

A lo largo de las capítulos del manga, seguro el lector sentirá estremecido su corazón: la situación de ser criados para alimentar demonios en un mundo en que los adultos los sacrifican para mantener el "equilibrio" entre humanos y demonios, y que a cada paso que ellos dan hacia una posible libertad sean detenidos por estos monstruos que sólo los ven como pedazos de carne y por humanos que los asesinan a sangre fría. ¿Dónde está el valor de los niños? También son humanos, merecen vivir, tener libertad, entonces, ¿por qué los cazan?, ¿por qué son amados en un mundo supuestamente utópico cuando fuera de los orfanatos les depara un destino horrible?, ¿por qué los adultos, quienes deberían de cuidarlos, prefieren darlos como ofrenda?, ¿por qué hay niños ganados que son engordados cual cerdos, que ni desarrollan lenguaje, en esas plantaciones de producción en masa? 

Es una constante de la historia el ver a los niños como los revolucionarios que pueden derrocar el sistema que ha sido tan cruel con ellos. Son la esperanza de la humanidad, quienes pueden hacer más de lo que los adultos creen.

Yakusoku no Neverland es peculiar por varios factores. Primero, los niños son protagonistas (cuyos rangos de edad van desde los dos hasta los doce), pero no es un manga de género kodomo que esté dirigido al público infantil debido a la violencia, muertes y el entorno tan macabro y deprimente que nos presenta.

Segundo, su género es shounen, es decir, está destinado a los jóvenes entre 12 a 18 años, lo cual llega a resultar extraño porque por lo general los manga de esta clasificación tienen como protagonistas a chicos de entre 15 a 18 años. 

Tercero, que en una historia de acción, fantasía oscura, terror y drama enfocado a varones, si bien hay varios personajes principales y con suma importancia en la trama, el personaje estelar es una niña, Emma, quien es apoyada por sus dos mejores amigos para idear el plan de escape hacia la libertad que les quitaron desde su nacimiento, siendo inteligente, amable, fiel a sus principios y decisiones, valiéndose por sí misma para ayudar a sus hermanos y de carácter fuerte  (ella es todo lo que las feministas desean de personajes femeninos ficcionales).

Esta obra, como pueden notar por lo mencionado sobre ella, nos muestra infantes en una posición sobrecogedora, recordándonos a aquellos pequeños en nuestra realidad que han sido y son víctimas de horrores indescriptibles. La forma de hablar y pensar del "ganado", tan verosímil, perturba más porque parecieran reales los gritos de desesperación de los niños. Un manga que les recomiendo demasiado.

Saliendo un poco de tono, tenemos los manga kodomo, cuya creación está basada en dar a los niños historias desenfadadas, personajes alegres  (sean niños o animales) y escenarios coloridos, y que curiosamente son muy leídos también por adultos. 

Entre ellos, tenemos sus versiones animadas que durante la década de los noventa pudimos ver en televisión abierta, como Hamtaro, un hámster que, cuando su dueña se iba a la escuela, se reunía con otros de su especie a jugar; o Doraemon, un gato robot que proviene del futuro y que está decidido en ayudar a un niño, Nobita, mediante inventos futuristas, para que él sea cada vez mejor como persona, pero no siempre usa bien lo que su amigo gatuno le da, creando problemas (como sucede con Timmy de los Padrinos Mágicos al pedir deseos y que después debe encontrar la forma de revertir sus malas decisiones.)

Otros kodomo muy reconocidos son Pokémon y Digimon, ambas con monstruos que formaron parte de la infancia de muchos, y Yokai Watch, que es la más "reciente" para los que hace pocos años empezaron a gustarle o adentrarse más en el mundo del manga y del anime, cuyos protagonistas son monstruos que representan el folklore japonés, así como del budismo y del sintoísmo,

Hay demasiadas obras en que los niños son protagonistas, pero eso no significa que deban ser leídos o vistos por ellos, como el caso de Yakusoku no Neverland o Crayon Shin-chan (que nos muestra a Shin, un pequeño de 5 años pervertido, desvergonzado con sus padres y... como sea, no es para nada un ejemplo a seguir, y la trama tiene un humor negro y mucha sátira hacia la sociedad japonesa), que son destinados a un público un poco más adulto por la complejidad y el impacto que produce en los lectores con un poco más de edad el ver infantes bajo ciertos contextos. En cambio, tenemos los manga que sí son para niños con personajes adorables y que disfrutan de aventuras y batallas, pero todo bien cuidado para evitarles traumas. 

La visión que nos da el manga y el anime sobre un individuo, en este caso los niños, puede ser tan vasta y diversa y esto es justo lo que convierte a estas expresiones artísticas en una paleta de colores infinitos que nos sorprende cada día.

Les comparto el opening de Yakusoku no Neverland:

@YukiVongola

La Golden Week: la Semana Santa japonesa

En México la Semana Santa ha acabado. Su significado y ritos religiosos se han llegado a perder, por lo que para una parte de la población son sólo unos días de vacaciones. Dependiendo de las escuelas y trabajos, se dan de dos días, hasta una o dos semanas, por lo que son las fechas idóneas para salir de la ciudad. Por otro lado, Japón, al ser un país que se rige por las filosofías budista y sintoísta, no tiene presente en su calendario esta festividad judeocristiana. Sin embargo, los japoneses cuentan con varios días libres obligatorios para todos del 27 de abril al 6 de mayo (con festivales y grandes rebajas en tiendas) que reciben de nombre "Golden Week."

La Golden Week, o "Semana Dorada" son cuatro días consecutivos que, a diferencia de la Semana Santa, se fijan en las mismas fechas. Pero, este año, debido a circunstancias especiales, se les dará a los trabajadores nipones diez días, del 27 de abril al 6 de mayo. Pero, ¿qué es lo que se celebra para dar tantos descansos de la vida escolar y laboral?

En sí, el primer día festivo es el 29 de abril (pero se acostumbra a empezar la fiesta dos días antes), cuando se celebra el cumpleaños del emperador Hirohito, llamado Showa no Hi (Día Showa), quien fue el emperador de la época Showa (1926-1989, cada que alguien más se sienta en el trono cambia el nombre de la era) que llevó a su país a la Segunda Guerra Mundial. El 3 de mayo es el día de la Constitución, el llamado Kenpo Kinenbi, en él se celebra la ratificación de la constitución japonesa de 1947. 

El día 30, mientras aquí es el Día del Niño, para ellos será el Día de la Abdicación del emperador Akihito, quien es el primero, en 200 años, en abdicar. Con su salida, se marca el fin de la Era Heisei, (1990-2019) época en que intentó sanar las heridas que la Gran Guerra provocó en Japón y lo que ellos causaron en otros países, sobre todo en China y Corea. El 1° de mayo será el Día de Ascensión del heredero Naruhito, quien ha elegido el nombre de la siguiente época: Reiwa, o "armonía." Este año se añadieron dos días a la Golden Week: el 2 no debería ser festivo, pero la ley japonesa da un día de descanso cuando éste se encuentra entre dos días que sí lo son, y el 6 se dará compensando que el domingo es festivo.

Los últimos días son: Midori no Hi, o Día Verde, fecha que se estableció en la Época Showa porque el emperador era un amante de la naturaleza; el 5 es el Kodomo no Hi, o Día del Niño, celebración que ocurre en México cinco día antes. Hay que señalar que en este día se festejaba sólo a los varones, (el Día de la Niña es el 3 de marzo), pero ahora también se involucra a las pequeñas, pero los simbolismos de cada celebración se mantienen por separado.

En el Kodomo no Hi es una tradición el que enfrente de las casas se pongan banderas en forma de pez koi (carpa), de distintos colores y tamaños, siendo el de los niños más pequeños que los que simbolizan a sus padres. Esto proviene de una leyenda nipona que cuenta cómo las carpas intentan nadar contracorriente en el río e intentar subir una larga cascada, y, cuando al fin lo logran al entrenar y madurar, se convierten en dragones (¿no les suena a Magikarp y a Gyarados de Pokémon?). Junto con esto, se sacan armaduras de samuráis que las familias tienen o réplicas en miniatura, simbolizando la madurez y el respeto. 

Serán diez días en que ningún servicio, salvo el transporte, dejarán sus funciones, incluidos los hospitales y la bolsa de valores. Si pensaban que en México teníamos muchos días de descanso y varios puentes, con la Golden Week de este año nos quedamos cortos. Debido a la afluencia de nipones viajando, no se recomienda a los extranjeros ir allá. Lo único malo para los que vivimos en este lado del mundo es que las editoriales de manga no trabajarán, así que si siguen alguna obra semanal, lo lamento, se quedarán en ascuas unos días más, pero pueden ver alguno de los anime de la temporada de primavera (abril-junio) para no desesperarse.

@YukiVongola

¡Feliz baticumpleaños, Batman! El impacto de Batman en el mundo a ochenta años

Batman cumple 80 años de proteger Ciudad Gótica de criminales que exploran lo peor de la psique humana y que quieren arrastrar al Caballero de la Noche dentro de su demencial mundo. Aunque se dice que el 30 de marzo del 2019 se cumplen ocho décadas de su aparición, en realidad, fue en mayo cuando fue mostrado por primera vez en el #27 de DC Cómics.

Sea el día o mes incorrecto o no, sí es el año de Batman y, para festejar, la editorial que nos trajo a la Liga de la Justicia diseñó un logo especial que representará cómics y eventos especiales que se realicen alrededor del mundo en su honor. El diseño es un homenaje al justiciero que vemos en esa legendaria primer portada.

Hace 80 años que nació Batman/Bruce Wayne de las mentes creativas de Bob Kane y Bill Finger. En ese transcurrir del tiempo ha sido reconstruido su universo (como en la serie Batman Rebirth), adaptado a diversas caricaturas e interpretado por varios actores para películas y programas televisivos, siendo la más reciente Gotham (y que está a pocos capítulos de terminar y presentar su versión del hombre murciélago), que nos cuenta el "antes" del guardián de Gótica y del resto de sus futuros enemigos. Lo interesante de la serie es la evolución psicológica y física de los personajes, perfilando sus personalidades maníacas como se observan en las historietas.

De traje oscuro pero sin dejar ver su tristeza a pasar a uno completamente negro que revela la soledad que siente, Batman ha tenido varias transformaciones hasta ser un justiciero, un anti-héroe, que resulta ser uno de los protagonistas de cómics más complejos por el gran peso que el poder de la mente ejerce en todos en Ciudad Gótica. Un personaje de tales características y que busca hacerse camino peleando con guante blanco lo convierten en un héroe muy humano.

Por lo que Batman ha sido y seguirá significando para el mundo, se van a realizar actividades en varias partes del mundo para honrar su máscara. En México, la UNAM llevará a cabo el "Encuentro Internacional de Narrativa Gráfica: Felices 80, Batman" del 30 de marzo al 5 de abril, evento en que habrá desfiles de cosplay dedicados a los villanos del Asilo Arkham, así como mesas de diálogo en que se discutirá la imagen del Caballero de la Noche visto desde el punto de vista social, psicológico y criminalístico. Funciones de películas y documentales podrán verse en la Filmoteca y TV UNAM, mientras que algunas radionovelas podrán oírlas a través de Radio UNAM.

Tanto amor hacia Batman me recuerda el furor que ha tenido en Japón con algunos manga, como The third mask, de Katsuhiro Otomo en que recrea el aspecto psicológico de Batman, que está al borde de caer en la delgada línea que divide el bien y el mal que él percibe. Fue publicada en 1996 en una colección de DC llamada Batman Black and White, que recoge historias de numerosos artistas.

En este manga de siete páginas, Otomo nos muestra a Batman que, entre el límite de la justicia y venganza, se interroga a sí mismo sobre cuál es su identidad mientras persigue a un asesino con personalidades múltiples.

The third mask nos demuestra que los mangaka no sólo se centran en sus productos nacionales como el manga, sino que leen lo que se produce en Occidente. Además, hablamos de la gran mente creativa de Otomo, quien es mayormente conocido por su obra cyberpunk post-apocalíptica: Akira; por tanto, era de esperarse una perspectiva sobre Batman diferente a la Occidental; y, claro, el dibujo de Otomo es al estilo cómic.

Les dejo este enlace donde podrán leer en inglés The third mask.

Otra obra nipona sobre el Caballero de la Noche es la película Batman ninja, estrenada el año pasado. En ésta, Batman termina en el Japón Feudal, o era Sengoku (en que todo Japón estaba en una guerra civil, puesto que cada señor feudal que a su vez eran samuráis versados en el camino de la espada), tras una lucha en el Asilo Arkham contra Gorila Grodd. Una vez que se da cuenta que está en el pasado, el enmascarado buscará la forma de regresar a su tiempo, no sin antes enfrentarse a famosos samuráis que, debido a las modificaciones en el tiempo, tienen una apariencia similar a.... ¿los villanos de Ciudad Gótica?

La animación de la cinta es muy variada: pasa de la clásica animación de anime al uso de imágenes generadas por computadoras (CGI) en los momentos de combate con espada y robots, a un estilo que nos recuerda a las ilustraciones clásicas japonesas. Una belleza por su diseño. Sólo debo advertir que, si no son conocedores de la historia del Japón de la época Sengoku, no podrán entender las referencias y sátiras a los samuráis que entran en escena, que son bastante cómicas.

¿Qué más se puede esperar de Batman si ya ha sido un guerrero del antiguo Japón? El tiempo sólo lo dirá, porque este año se esperan muchas sorpresas. ¿Y ustedes cómo festejarán los 80 años del Caballero de la Noche?

@YukiVongola

Entrevista sobre Boku no Hero Academia y el doblaje mexicano

La popular obra Boku no Hero Academia regresa a nuestro país con su primer película con un añadido: doblaje mexicano. Así es, con grandes actores de voz mexicanos se podrá volver a disfrutar de Boku no Hero Academia: Dos Héroes, la cual fue estrenada el pasado 30 de noviembre en salas de cine, dando gusto a los fans de este manga y anime popular dentro del género shonen (enfocado al público masculino) por presentarnos a niños que poseen dones y que, por tenerlos, pueden aspirar a ser héroes profesionales.

En la premier de ésta, "La Jornada" tuvo el placer de platicar con dos de los actores de voz principales: José Arenas (voz de David Shield) y Octavio Rojas (voz de All Might), quienes nos platicaron acerca de la libertad creativa que ellos tienen en el momento de comenzar con su trabajo de doblaje.

Arenas, quien es reconocido por ser la voz de Jake el perro, de la serie Hora de Aventura, nos comentó que, a diferencia de este papel que es cómico y que le permite añadir ciertas libertades creativas, en el caso de Boku no Hero Academia, un proyecto más serio, él obedeció "a cabalidad, con mucho rigor, a la línea argumental del personaje y del proyecto completo. Entonces, sí, por supuesto, hay un guión, una traducción y, en este caso, la dirección de Gabriel Gama fue fundamental para guiarnos a todos los participantes. En mi caso particular, te puedo decir, fue muy, muy ceñido, no se agregó una palabra, no se quitó una palabra." 

Con 32 años de trayectoria, Octavio Rojas apoya lo dicho por su compañero, argumentando que en el proceso de doblaje "intenta uno irse apegado a toda la historia del personaje, no cambiarle tanto, no 'mexicanizarlo´ tanto, sino, conservar la esencia es muy importante para que los seguidores y la gente que le gusta, encuentre en el doblaje al español lo que ellos quieren. No irnos de más." 

La palabra "mexicanizar" hace alusión a refranes y expresiones coloquiales, así como referencias culturales y sociales mexicanas que son insertadas en los diálogos al momento de realizar el doblaje, para obtener un efecto más cómico en la escena. Este tipo de situaciones podemos verlas en las primeras temporadas de Pokémon, casi siempre a cargo del Equipo Rocket, o en la ya mencionada Hora de Aventura. Sin embargo, como se está doblando una serie en español (latino) para toda Latinoamérica, surgieron problemas con algunos anime y caricaturas en que el uso de regionalismos mexicanos era muy recurrente y, por tanto, el público de otros países no entendía esos referentes por ser ajenos a ellos y no comprendían el sentido de todas las frases. Esto conllevó a que, desde hace unos años para acá, esa libertad creativa con las series de comedia fuera más neutral, lo que no gustó mucho a los mexicanos porque ese tipo de frases hacían que lo mostrado en éstas fuera más cercano al espectador, aunque poco a poco, el público se ha ido acostumbrando a este cambio en el doblaje, que busca ser más inclusivo, como ahora todo parece serlo.

Tanto Arenas como Rojas comentaron que al momento de traducir del japonés se encuentran siempre estructuras gramaticales, sintácticas, semánticas y fonéticas que deben adecuarse a nuestro propio sistema lingüístico. Rojas explica que "el japonés es mucho como la actuación en el teatro kabuki", es exagerado y se usan tonos vocales muy versátiles, por lo que al imitar la actuación de la voz japonesa "sonaría falso, no sonaría a un doblaje bien hecho, sonaría muy fingido, y no es lo que queremos. Lo que queremos es conservar ese personaje, el superhéroe que se las sabe de todas todas, que es galán, que es esto, pero que aparte, en su personalidad, cuando no es un héroe, es un cuate que está dañado, está enfermo, está herido. Entonces, hay que conservarlo y quererlo."

Siguiendo la entrevista, se les preguntó acerca de su preparación para interpretar a dos personajes que provienen de una serie sin precedentes en México como es Boku no Hero Academia. Si bien, el manga está licenciado (que es distribuido legalmente), no tenemos la misma situación que, por ejemplo, Dragon Ball, que ya tiene historia en el país y, por lo mismo, nos gusta escucharlo doblado al español, pero cuando estamos acostumbrados a oír las voces japonesas, de pronto tener una traducción resulta inesperado. Al respecto, Rojas nos comentó que sobre su papel de All Might, el héroe más poderoso, sintió presión por el gran personaje del que tenía responsabilidad, ya que "hubo algunas expectativas sobre el personaje y demás, que iban a ser otras voces, pero dices, bueno, por algo me eligió el cliente", y saber "los significantes, o sea, el gran contenido que tiene, lo que significa para los fans, para la historia" hizo que se esforzara y amara al héroe para imprimir en él la fuerza necesaria para el papel.

Al término de la premier, los actores de voz hablaron sobre un método que realizó el director y también actor de voz Gabriel Gama al momento de acercar al elenco con sus personajes. Éste consistió en darles fichas técnicas sobre sus respectivos personajes para que entendieran lo más posible sobre ellos como sus personalidades, sus gustos, traumas, expresiones, gestos, poderes, metas, etc., y así pudieran dar el realce y profundidad psicológica necesaria a cada personaje en cada situación. Esta investigación detallada y descriptiva sorprendió a los actores, puesto que, tal como nos mencionó Arenas, quien lleva 26 años prestando su voz, "el trabajo de doblaje de voz es muy inmediato. Llegas con un cierto panorama, que te procura tu director, llegas a la sala de grabación, recibes tu libreto, una explicación del director, desde luego, y te vas para adelante, a hacer lo que te corresponde."

El trabajo de los actores cumplió con las expectativas. Cada voz encaja con el personaje al que fueron designados, teniendo rangos de voz iguales a sus contrapartes japonesas. La dedicación y comprensión de su rol culmina en un doblaje que deja a los fans de Boku no Hero Academia y a los amantes del doblaje mexicano quedarán más que satisfechos con el producto final.

Como nos dijera el experimentado Rojas "la prueba de fuego es con los fans, que son a los que a mí realmente me interesan, que realmente queden complacidos, que realmente ellos digan “¡Woah! ¡Es lo que esperábamos!”

Les comparto parte de la entrevista realizada a Octavio Rojas y José Arenas:

Y el tráiler doblado al español:

@YukiVongola