Fallece Akira Toriyama, creador del legendario Dragon Ball

Un gran mangaka falleció: Akira Toriyama. Su creatividad se extinguió a sus 68 años, a causa de un hematoma subdural agudo, el pasado 1 de marzo, sin embargo, apenas hoy, 7 de marzo (8 de marzo en Japón), se dio a conocer la lamentable noticia a través de las redes sociales de la franquicia que lo hizo mundialmente famoso, Dragon Ball.

Esta obra se ganó el corazón de todos aquellos que leímos el manga y quienes vimos su adaptación al anime. Goku, el personaje más icónico dentro de Dragon Ball y de los más representativos en la industria, le valió que fuera uno de los embajadores de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020. 

¡Quién en México no conocía el legado de Akira Toriyama? Muchos crecimos viendo a Goku chiquito, verlo convertirse en joven, adulto, padre, abuelo. ¿Quién no recuerda que en las escuelas e iglesias, durante los años 90 Dragon Ball Z llegó a ser satinizada por su violencia? ¿Quién no, en esos años, coleccionó los álbumes y quería que sus fiestas de cumpleaños fuera temática de esta serie?

No sólo decimos adiós a un artista, decimos adiós a alguien quien, sin darnos cuenta, formó parte importante de nuestra niñez, juventud y adultez a través de su máxima obra, la cual rompió las barreras japonesas para asentarse con mucha fuerza en México.

Tan importante fue la franquicia de Toriyama que inspiró a muchos nipones a convertirse en autores de manga, tales como Eiichiro Oda, (One Piece), Masashi Kishimoto (Naruto), Tite Kubo (Bleach), Yoshihiro Togashi (Yu yu Hakusho), entre otros,

Toriyama no sólo dejó su huella en la historia por Dragon Ball, también fue muy reconocido por su trabajo en otros mangas como Dr. Slump o Sand land, y al ser el encargado del diseño de personajes de la famosa franquicia de videojuegos Chrono Trigger y actualmente se encargaba del guión del manga de Dragon Ball Super.

Curiosamente, este año, el 20 de noviembre, se celebraría el 40 aniversario de la primera publicación del manga de Dragon Ball, razón por la cual, la reedición de los volúmenes cuentan con portadas dibujadas por diferentes mangakas para homenajear a Toriyama y el impacto que su trabajo ha dejado en millones de personas.

Hasta siempre, Akira Toriyama, tu legado sigue más vivo que nunca. 

@YukiVongola

Amor al estilo anime, entre ternura y parodia

En este Día del Amor y la Amistad es imposible no pensar en aquellas series que nos hacen creer en el amor montado en un blanco corcel y de modales caballerescos. Lo que provocan estas creaciones ficcionales es el buscar aquel ideal que no siempre se consigue en la realidad. Los animes de comedia romántica, conocidos como romakome, suelen ser como las telenovelas, un tanto frustrantes por cómo suele evolucionar la vida amorosa de la protagonista y que al final no logran una empatía hacia el público femenino por lo irreal que puede resultar la culminación de la historia.

La fórmula en este tipo de obras japonesas es la chica linda, que o es tímida o tiene temperamento fuerte, y cómo el chavo guapo y popular, completamente opuesto en carácter, es el que se enamora de ella. 

En el anime tenemos algunos ejemplos de historias que rompen con lo convencional o que muestran personajes fuera de lo común, de los cuales les contaré tres ejemplos.

El primero, y que actualmente se encuentra en emisión en Japón, se llama Yubisaki to renren (A sign of affection). Yuki es una joven, sorda de nacimiento, quien tras vivir gran parte de su vida en su limitante mundo se atreve a estudiar en una universidad y salir poco a poco de su zona de confort. Un día, de camino a su campus, un extranjero perdido se le acerca para pedirle indicaciones. Al verla conflictuada, un chico se aproxima y le ayuda al turista al hablarle en inglés. 

En ese momento, Yuki se muestra interesada en Itsuomi, quien habla y estudia varios idiomas y que constantemente viaja a otros países, paralelamente opuesto a las experiencias de ella. Sus intentos por transmitir sus mensajes a quienes no conocen la lengua de señas, el cual sólo practica con su amigo de la infancia, hacen que Itsuomi poco a poco intime con ella y le expanda sus horizontes.

La historia es muy tierna y nos pone a una protagonista fuera de lo común que trata de encajar en una realidad que no está hecha para ella. Además, el choque cultural y lingüístico que presenta la obra le da mayor peso a la situación que se quiere realzar en la obra. Cada capítulo es una bocanada de dulzura y de una madurez que puede esperarse de personajes que ya no son pubertos. Y por lo que cuentan en redes sociales personas sordomudas que siguen el anime, es que realmente se interpreta como debe de ser la lengua de señas, con su variación la cual es una variación japonesa, y que sí es incluyente para quienes tienen esta discapacidad.

El segundo es Ore monogatari. La mayoría de las series de este género están contadas por las chicas, sin embargo, este anime es narrado desde la perspectiva de un hombre. Regresamos a los encuentros en tren. Rinko, estudiante de preparatoria, es acosada por un sujeto mientras se dirigía a la escuela. Ella, sin saber qué hacer, es rescatada por Takeo, uno de sus compañeros cuya apariencia física no le da puntos de popularidad entre el sexo opuesto. 

Rinko comienza a enamorarse de él, lo que supone una gran sorpresa para todos, comenzando por Takeo, quien estaba acostumbrado a que las chicas que le gustaban terminaban prendadas de su mejor amigo. El cambio focal de la historia y ver en el papel sumiso al hombre en este tipo de situaciones, crea momentos cómicos y acentúa el amor estilo "la bella y la bestia". 

La tercera, que puede mostrar un poco más cómo se mueve el amor a diario, es Gekkan shoujo Nozaki-kun. La trama se centra en Sakura, también estudiante de preparatoria, quien en secreto le gusta Nozaki, un joven bastante reservado. Cuando ella descubre que él es un mangaka famoso de historias de amor, él deja ver sus verdaderos colores: su nulo interés personal en aquello que dibuja. Ello provoca situaciones chuscas que rompen con todo el sentido del romanticismo. Por tanto, los esfuerzos clichés de Sakura por hacerse notar ante él serán parodiados y mostrarán esa vergüenza que seguramente alguna vez hemos padecido al tratar de llamar la atención del otro.

Con estos breves animes tendrán para ilusionarse o para reírse, en fin, ¿qué es el amor sin un poco de ambas?

@YukiVongola

'Godzilla Minus One' y 'El niño y la garza', sobrevivientes japoneses a los Premios Oscar

Godzilla Minus One y El niño y la garza son las dos películas japonesas que se encuentran nominadas a Mejores Efectos Visuales y Mejor Película Animada, respectivamente, de los Premios Oscar. Tienen todo para ganar, pero ¿creen que lo consigan o que pudieron competir en más categorías?

La película del monstruo del estudio Toho sorprendió más allá de sus efectos especiales. Regresar al origen mítico de Godzilla (desvirtuado en las obras estadounidenses), esa metáfora del horror del pueblo japonés hacia el poder destructivo de las bombas atómicas, en el contexto de la posguerra en la que el país no contaba con un ejército ni con armas, fue un gran acierto de la película. Aunado a ello, el drama humano sobre el impacto y las reminiscencias de la Segunda Guerra Mundial, el vivir con la deshonra de la rendición y el miedo a los fantasmas de la guerra enriquecen el relato de los protagonistas y dan más fuerza al significado real de Godzilla.

Con estas variables, me parece que bien la cinta nipona pudo contender por Mejor Película de Lengua Extranjera en este certamen, como sí sucedió en la entrega de los Critics Choice Awards, el pasado 14 de enero. Sí, es de ciencia ficción y podría entrar en el terror, pero ya hemos visto que filmes de este corte como Todo en todas partes al mismo tiempo (2022) o de origen asiático como la coreana Parásitos (2019) lograron alzarse con la estatuilla.

Lo mismo sucede con El niño y la garza, lo nuevo del director Hayao Miyazaki. La obra (que se alzó con los Globos de Oro, premios que suelen pronosticar a los vencedores en los Oscar), que representa el duelo y los miedos en la infancia sobre este tema, maneja un tono más maduro y de reflexión que otras películas enlistadas para los Premios de la Academia, tales como Elementos o Spider-man: a través del spider-verso. 

¿Pero qué sucede? Por más que la creación del Estudio Ghibli defienda la animación tradicional, dibujada y coloreada a mano (a diferencia de otras películas mencionadas a que apuestan por el diseño por computadora) y la trama vaya más allá de sólo entretener, las cintas que suelen ganar son aquellas que, por la campaña de publicidad de las empresas de animación y de distribución, alcanzan a un mayor número de asistentes en el cine. 

Por ejemplo, no es lo mismo Disney, cuyas películas tienen mayor difusión en diversos medios, y que puede tener más proyecciones en un solo complejo cinematográfico, a una película japonesa, sea o no de anime, que muchas veces son vistas únicamente por los fans, o por un público más particular, y que no siempre los filmes se encuentran en los horarios más accesibles, están en cines remotos, sólo se exhiben en una sala, y el conocimiento de su existencia por parte de la gente es por chiripa debido a la falta de propaganda. 

Para las empresas multimillonarias y multinacionales, cuyos productos no garantizan la calidad sólo por el renombre de la marca, este tipo de nominaciones afianzan su posición en el mercado. Para empresas más bien nacionales, como Ghibli o Toho, realmente no les importa si ganan un premio de acuerdo a los estándares estadounidenses. Los japoneses consumen más lo propio, sea cine o música, y su cultura, cerrada en ese sentido, hace que les dé un tanto igual. Sí, el equipo de Godzilla celebró la noticia, pero no es que sea su máximo ganar. Ellos, con obtener el reconocimiento de la industria de su país, se afianzan el éxito. 

Aunque Godzilla Minus One y El niño y la garza no triunfen en la noche del 10 de marzo, eso no restará puntos a lo que aportan en el mundo cinematográfico, como el hecho de que la primera se haya convertido en la cinta live-action de origen japonés que más dinero ha recaudado en la historia, con más de 80 millones de pesos y con más de un millón de espectadores.

Lo mejor no siempre obtiene un título ostentoso y eso lo recordamos en cada edición de este concurso fílmico que, en especial en el apartado de Mejor Película Animada, hay muchas obras de Ghibli opacadas. Menos mal, los japoneses no necesitan la aprobación de Occidente para hacer lo que mejor hacen.

@YukiVongola 

Fallece Atsushi Sakurai, vocalista del grupo jrock Buck-Tick

Atsushi Sakurai, el vocalista del grupo visual y rock japonés Buck-Tick, falleció a los 57 años tras una hemorragia cerebral. 

Su muerte ocurrió el 19 de octubre, después de que sufrió un desmayo durante un concierto en el recinto KT Zepp Yokohama, por lo cual fue trasladado a un hospital donde horas más tarde perdería la vida. El anuncio oficial fue hoy, luego de realizar un funeral privado con la presencia de familiares.

Sakurai, cuya voz grave matizaba los acordes musicales del estilo de la banda creada en 1983 (bajo el nombre Hinan Go-Go, el cual sería cambiado al nombre actual en 1984), que variaba entre rock alternativo, rock gótico, post-punk británico, entre otros, fue uno de los artistas que influyó en otros de su generación como Kiyoharu, MUCC o Dir en Grey. 

Canciones emblemáticas de la agrupación como “Kuchizuke”, “Taboo”, “Ai no uta” o “Aku no hana” los pusieron en el foco de la atención del público japonés y de personas de otras partes del mundo, por la melancolía, la expresión de sentimientos y emociones profundas y dolorosas que se expresaban en sus letras, aunado al poder vocal de Atsushi, quien además era compositor. Además, su vestimenta, ligada a la corriente nipona denominada visual kei, hicieron que se volviera una de las mejores y legendarias bandas de su género.

“Gessekai” (Nightwalker), “Dress” (Trinity Blood), “Kagerou” (xxxHolic), la ya mencionada “Kuchizuke” y “Gekka Reijin” (Shiki) y “RONDO” (GeGeGe no Kitarou) fueron algunos de sus temas que sirvieron para openings y endings de varios animes de género de misterio y terror, muy apegado a lo que Buck-Tick representaba en sus melodías.

Su partida quedó enmarcada en el 35 aniversario de Buck-Tick y con 23 álbumes. En 2004, Atsushi emprendió una carrera en solitario, siempre en paralelo con su banda principal, en la cual canciones como "SACRIFICE", "Wakusei -Rebirth-" reafirmaron su talento. Incursionó también en la actuación.

Un hombre que hizo lo que más amaba hasta su último día en este lado terrenal se fue con un gran legado musical.

@YukiVongola

Anuncian Dragon Ball Daima: el regreso de Goku niño

Goku regresa cinco años de su última aparición en la pantalla chica con Dragon Ball: Daima, el nuevo anime de la franquicia que lo traerá de nuevo en su forma de niño mientras recorre el espacio en busca de una solución para volver a ser adulto, en el marco de los festejos por el 40 aniversario del manga.

Con esta idea que recuerda sobremanera a Dragon Ball GT, odiada por muchos y amada por otros tantos, el saiyajin, así como el resto de los personajes, es convertido en su versión de niños por el deseo a las esferas del dragón de un ser maligno, que parece que usa magia. Tras esto, Goku y el Supremo Kaiosama tendrán la misión de buscarlo en los confines del universo para que los regrese a la normalidad. Como dato curioso, "Daima" hace alusión a lo malvado y demoniaco, tal como se le conocía antes a Piccoro Daimaku.

Akira Toriyama está involucrado por completo en el proyecto, por lo que, a diferencia de GT en que reconoció el trabajo pero nunca participó en él, sí se puede considerar que Daima es una obra canon. De hecho, se espera que el nuevo anime converja en algún punto con la historia de Dragon Ball Super (DBS), de la cual Toriyama colabora en el guión junto con Toyotaro, quien se dedica en mayor parte al dibujo.

Muchos esperábamos que la nueva animación fuera la continuación de la saga del Torneo de Poder de DBS (capítulo que incluso fue proyectado en plazas públicas de México ante la expectación de la pelea de Goku y Jiren por la sobrevivencia de su universo). Éste se enfoca en personajes nuevos como Granola, Moro y en el regreso del planeta Namek y de sus habitantes; es uno de los arcos argumentales que retoma la violencia que se veía en Dragon Ball Z. al menos se está retomando esta importante figura del estudio de animación Toei.

De hecho, al ser Dragon Ball uno de sus pilares, es posible que el próximo año se anuncie algo más relativo a DBS, en especial por el importante año que representa 2024. 

Se espera que haya más noticias sobre el estreno Dragon Ball: Daima en enero del próximo año, para ser lanzada en la televisión japonesa en otoño. 

En definitiva, el ver el cómo se desarrolla la trama para que la serie no tenga los desatinos de GT será interesante, así como la conexión que pueda tener con el manga actual que narra las historias de Goku. 

@YukiVongola

Arde el cosmos en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience II"

El cosmos de unos 14 mil guerreros de la diosa Atena ardió como uno solo en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience" que recopiló temas icónicos de la exitosa y legendaria obra de Masami Kurumada, Los Caballeros del Zodiaco, en la Arena Ciudad de México, el sábado 23 de septiembre. 

La segunda edición de este proyecto musical contó con dos de los cantantes originales de los openings y endings del anime ochentero, Nobuo Yamada y Yumi Matsuzawa. Yamada abrió la noche orquestal con la inconfundible "Pegasus Fantasy", la cual fue coreada en japonés por los fans.

Acto seguido, la Sincrophonia Orquesta, dirigida por Rodrigo Cadet, y la soprano Irma Flores, quien volvió a cautivar al público con su talento vocal, sumergieron al público en una serie de melodías representativas de las primeras sagas del anime (El torneo Galáctico, Las 12 Casas y Asgaard), tales como "Revenger Phoenix", "Pegasus Ryu Sei Ken", "Beautiful Gold Saints", "Sad Brothers", las cuales tuvieron presencia en el evento musical del año pasado.

El vaivén melódico, que podía transportar a las escenas de batalla y transmitir desesperación, así como de pronto llevarnos a la esperanza y al triunfo sobre las fuerzas del mal, es algo que únicamente composiciones tan bien pensadas y ejecutadas en una joya de la animación, creadas por Seiji Yokoyama, podían transmitir y seguir provocando en la gente a 37 años de que la serie se estrenó en Japón y a 31 años de su emisión en México.

Antes del intermedio, el artista japonés regresó para interpretar "Blue Dream", el segundo ending, la cual fue acompañada por el movimiento de las luces de los celulares de los asistentes. Tras escuchar algunos temas de las películas Los Caballeros del Zodiaco: Contraatacan como "Deucalion's Big Flood" y de la cinta La Gran batalla de los dioses como "God Warrior vs Saint", Matsuzawa apareció en escena junto a Maureen Mendo, quien es el cantante oficial en América Latina de Saint Seiya, y ambos unieron sus voces en "You are my reason to be".

La otra mitad del concierto abarcó las sagas de Poseidón, de Hades y la película Los Caballeros del Zodiaco contra Lucifer, que en la presentación de 2022 quedaron fuera por falta de tiempo. Así, esta parte inició con Yamada y el segundo opening "Soldier Dream", seguido de otras piezas como "Undersea temple", "Shining! Bronze Cloth", "Child of Dawn, Lucifer" y "Fallen Angel vs Saint". 

Matsuzawa volvió al escenario para dar inicio al tan esperado arco de Hades, con el opening "Chikyuugi". "108 evil stars", "Elysium" y "Greatest eclipse", que llegan a ser tan impactantes por la historia detrás de las melodías, como lo es la aparente traición de los guerreros fallecidos de la diosa Atena, la muerte de ésta y la batalla en el Inframundo, fueron de las últimas en resonar en el recinto. 

Sin lugar a dudas, las canciones más esperadas eran aquellas que los mismos personajes del anime tocan: la melancólica "Decision of destiny" del dios Abel, la triste "Mime's harp" del guerrero asgardiano, la estridente "Dead end symphony" del general marino de Sorrento de Sirena, la trágica y conmovedora historia de amor del caballero Orfeo de Lira con "Death trip serenade" y la nostálgica "Pandora's harp" de la hermana mayor del dios del Inframundo. Todas ellas, con solos de instrumento de arpa y flauta, se llevaron las palmas y aclamaciones de pie del público. 

La artista japonesa interpretó el tercer y cuarto tema de cierre de la saga de Hades, "Kimi to onaji aozora" y "Takusu mono e ～My Dear~", la primera de éstas, acompañada a dueto en español y japonés por Maggie Vera, cantante oficial en nuestro idioma de estas piezas.

"Can't say goodbye my friend" y "Never", con la fuerza rockera de Nobuo Yamada, dieron por terminado un concierto del cual los fans salieron complacidos con 42 melodías de una de las mejores bandas sonoras existentes y a uno de los anime más influyentes de la historia. El ardiente cosmos de los músicos, coristas, cantantes y soprano al dejarlo todo en su presentación se tradujo en largos aplausos y ovaciones que no pararon en ningún momento. 

Un espectáculo visual y auditivo que hacía que uno se involucrara en las mismas situaciones que los caballeros de Pegaso, Dragón, Fénix, Cisne y Andrómeda. En efecto, el poder del cosmos sigue brillando con fuerza sin importar las décadas que pasen.

@YukiVongola

The First Slam Dunk: un viaje nostálgico y renovado del doblaje mexicano

Sentados en la banca, bajo un tablero de basketball, aguardaban el inicio del partido cinematográfico llamado The First Slam Dunk los actores de voz René García, Ferso Velázquez, Héctor Estrada y Óscar López, quienes dieron un golpe fresco y de nostalgia al anime noventero Slam Dunk que ha cautivado e inspirado generaciones en México.

La premier del evento, realizada la noche del 24 de julio, demostró la importancia de traer la cinta que se estrena en México el 27 de julio con un estilo de animación llamativo en 2.5D que adapta el mejor partido de basketball  ficcional bajo un doblaje bien elaborado y pensado en los fans de antaño y en aquellos que apenas se acercan a esta obra original de Takehiko Inoue (quien en la cinta debutó como director y se encargó del guión), que tiene 33 años de existencia en papel y casi tres décadas en animación. 

René García es uno de los dos actores de voz veteranos que participó en el doblaje original de la serie en 1998, junto con Sergio Bonilla (Kaede Rukawa), y que protagoniza el filme al retomar su papel del pelirrojo, problemático y terco jugador de la preparatoria Shohoku, Hanamichi Sakuragi. 

Señaló en entrevista, al preguntarle sobre cómo se preparó para volver a ponerse bajo la piel de Sakuragi más de dos décadas después, que lo más difícil para él fue que el personaje sonara igual como cuando lo dobló por primera vez. “Creo que lo interesante del trabajo es poder conservar la frescura que tenía Hanamichi, porque además tenía una energía de alguien de 18 años. Eso es lo más difícil del proceso, pero creo que la esencia estaba ahí, entonces yo de alguna manera la saqué del cajón de los recuerdos, y lo hicimos con mucho cariño. Por supuesto, con toda la pasión y profesionalidad de siempre."

Ferso Velázquez, quien es la nueva voz de Ryota Miyagi, señaló que “es complicado cuando te integras a un proyecto que ya tiene voces definidas y que ha tenido una presencia muy fuerte en una generación en específico. Acercarse a Ryota es complicado para mí que, además, yo no era tan conocedor de la serie, sin embargo, al final de cuentas, tienes que preparar al tipo de personaje antes de entrar a grabar y para mí fue muy interesante conocer la historia de Ryota, y más porque en la película vamos a explorar una parte muy diferente de él, una parte que tal vez no estaba tan expuesta originalmente". 

Añadió que "en la serie siempre fue más la presencia del señor García y de Sergio. Aquí Ryota toma un papel importante. Vamos a conocer la historia de él, entonces es un acercamiento diferente al personaje, incluso me atrevería a decir que la misma película ya no es de un corte tan cómico como la misma serie en sí, y esperemos que de esa forma es como nos acerquemos a lo que era la esencia de Ryota originalmente”.

Óscar López, al cuestionarle sobre su acercamiento a su rol como Hisashi Mitsui, explicó que influyó el factor nostálgico. "O sea, desde que me invitaron a hacer la prueba fue mucha nostalgia identificar de inmediato los personajes, para mí fue un shock. Y también fue una gran, tal vez, presión, al principio, sobre la responsabilidad que tenía que tomar sobre este proyecto sabiendo que venía interpretado por otras personas, otros compañeros, y tenía que tomarlo con el mayor profesionalismo y responsabilidad posible para, por así decirlo, llenar los zapatos del personaje o de lo que lo habían hecho antes. Claro, después llega un momento en que uno mete su esencia, y siempre pensando en dar lo máximo posible."

Por su parte, Héctor Estrada, quien da vida al capitán del equipo, Takenori Akagi, se sinceró al decir que él no conocía la obra, lo que le ayudó para que no sintiera presión en la prueba de cast y lo hiciera de la forma más natural que pudiera. "Acatar las órdenes de la directora (Lourdes Arruti) me ayudó para quedarme con el personaje y, ya una vez tomando conciencia de lo que significaba tanto el anime como el personaje y el doblaje, pues es una responsabilidad muy grande."

Los actores apuntaron que la dirección de Lourdes fue esencial para la preparación de sus caracterizaciones de voz, debido a su investigación del contexto de las escenas. así como del anime noventero, del cual tuvo que ver los 101 episodios para brindarles herramientas a los dobladores para ejecutar de manera adecuada sus papeles. 

La película, en efecto, logra transmitir las emociones y sentimientos que vemos experimentar a los personajes mientras viven los momentos más importantes de su vida. Un partido del campeonato nacional que definirá su futuro, visto también a través de su pasado, de sus decisiones, de sus heridas.

The First Slam Dunk se estrenó en Japón el 3 de diciembre de 2022 y, que tras siete meses de su estreno sigue en cartelera, ha conseguido ser la 14° película con más recaudación en su historia. En nuestro país, donde Slam Dunk fue transmitido hace 25 años a través de la televisión abierta, se espera que sea un éxito también de taquilla.

La animación 2.5D, que se caracteriza por usar CGI (imágenes generadas por computadora) y animación 3D que emula el dibujo tradicional en 2D, es tan detallado que se pueden ver a la perfección las venas en los brazos y piernas de los personajes. De acuerdo con el equipo creativo del estudio Toei, la decisión de este estilo fue para conservar el trazado y detalles del manga de Inoue y darle dinamismo natural a las escenas de los partidos, lo cual se logra y da un aire renovado a lo que vimos en la pantalla chica. El perfeccionar la animación y la pandemia de covid-19 causaron que la culminación de la cinta tardara cuatro años. Y valió la larga espera para ver por fin la conclusión del manga animado, bajo otra perspectiva, de una pieza de culto entre los otakus.

El manga se convirtió en un hit desde que se publicó en 1990 y la emisión en 1993 del anime en Japón sólo ayudó a hacer crecer su popularidad. Slam Dunk logró que en su país de origen, cuyo interés en el basketball era nulo hasta entonces, se volviera un referente en el deporte, al grado de incentivar ligas juveniles y la profesional con el apoyo gráfico del autor. 

El carisma de sus personajes hace que Slam Dunk siga estando en la lista de los 10 mangas más vendidos en la historia. De hecho, al corte de junio de 2023, se encontraba en el tercer lugar con cuatro millones 199 mil 966 copias, superando a otros icónos dentro de la industria.

Sin duda, es un buen regreso para esta obra, que celebra por lo alto su conquista de los corazones de los fans del basketball y de las grandes historias narrativas.

@YukiVongola