Hyde revive su leyenda entre rock y nostalgia en la CDMX

Una de las leyendas japonesas del jrock, Hyde, regresó tras casi nueve años a la Ciudad de México con un concierto que electrizó a su público. Apoyándose en la propuesta más rockera y metalera de su último álbum en solitario, y sorprendiendo con joyas de antaño de sus agrupaciones L'Arc-en-Ciel y Vamps, el artista elevó este evento a la categoría de uno de los mejores que ha ofrecido en el país, tanto por su impecable producción como por la ola de nostalgia que provocó.

México tuvo el honor de ser la primera parada del tour mundial "HYDE [INSIDE]" de Hideto Takarai. La devoción de sus fans, muchos de los cuales lo han seguido desde los inicios de L'Arc-en-Ciel, en 1991, y luego con Vamps, en 2008, se hizo palpable desde dos horas antes del show, vitoreando su nombre en la atmósfera cargada de expectación del Circo Volador.

El escenario, una réplica exacta del usado en Japón, estaba dominado por una imponente cruz con una serpiente enroscada, un símbolo que habla de inmortalidad y regeneración, un mensaje perfecto para este artista de 56 años que constantemente se reinventa. En el centro, una escalera que semejaba una lápida funeraria fue el lugar de donde, minutos después de las 8 de la noche, emergió el cantante con una potente interpretación de "Let it out", acompañado de sus cinco músicos, cuyos inquietantes antifaces con luces LED en los ojos creaban una atmósfera siniestra y misteriosa.

La euforia no dejó de crecer con temas como "After Light"; el visceral "Defeat" (banda sonora de Devil May Cry 5); el oscuro mantra de "Devil Side" (de su época en Vamps); "Take them down"; y la emotiva "On my own" (ending del anime Mars Red). La fuerza vocal de Hyde, inalterablemente poderosa, y su energía frenética conquistaron el escenario por completo.

Con la balada "Tokoshie", la magia se intensificó. El canto al unísono de miles de voces y la aproximación de Hyde hacia el público de las primeras filas convirtieron la pieza en un momento íntimo y colectivo. Acto seguido, descargó toda su furia con un cover impecable y potente de "Faint", original de Linkin Park, que hizo temblar el recinto.

Con la caída de la noche, llegaron los acordes más ásperos y metaleros de su más reciente álbum, “Inside” (2024). Los temas "6or9", "MadQualia", "Social Virus", "Midnight Celebration II" y "Last Song" sonaron con una intensidad cruda, demostrando la evolución del artista hacia territorios del rock pesado.

Pero entonces, ocurrieron dos momentos que dejaron atónitos a todos. Durante "Pandora", Hyde apareció de repente en el pasillo central que dividía al público. Con una pistola de agua, roció a la multitud que enloqueció al verlo a escasos centímetros. En dos ocasiones, fue cargado en hombros por su staff mientras cantaba inmerso en un mar de fans eufóricos, en una conexión tan visceral como inesperada.

Al regresar al escenario, entregó el regalo más dulce: "Honey", la emblemática canción de L'Arc-en-Ciel lanzada en 1998. Fue la maravilla de la velada, una puerta directa al pasado que provocó lágrimas y éxtasis entre sus seguidores más antiguos, quienes nunca imaginaron presenciar en vivo un tema de una de las bandas japonesas que acercó a muchos extranjeros al rock nipón.

Tras esta descarga emocional y un breve intervalo con solos instrumentales, Hyde cerró la velada con tres piezas finales arrolladoras: "Mugen" (opening de Kimetsu no Yaiba: Hashira Training Arc), "Glamorous Sky" y el himno por excelencia de Vamps, "Sex Blood Rock n' Roll". La noche culminó en un clímax de puro rock pesado enmarcado por la voz grave y penetrante de Hyde.

Más que un simple concierto, fue una celebración que recorrió más de 30 años de una carrera legendaria. Hyde no solo demostró una vitalidad en escena que desafía el tiempo, sino que tejió un puente sonoro entre su pasado y su presente más oscuro, entre la melancolía de L'Arc-en-Ciel y la energía vampírica de Vamps con la crudeza de su trabajo musical como solista. Fue una reafirmación de su inmortalidad artística en la que probó que su leyenda, lejos de apagarse, sigue rockeando con más fuerza que nunca. 

@YukiVongola

Muere Nobuo Yamada, cantante del opening "Pegasus Fantasy", tras lucha contra el cáncer

El mundo del jrock y del anime perdió a una de sus voces más emblemáticas. Nobuo Yamada, conocido como NoB, célebre por interpretar el opening "Pegasus Fantasy" de Los Caballeros del Zodiaco, falleció el 9 de agosto de 2025 a los 61 años, víctima de cáncer de riñón. Desde su debut en 1984 como vocalista de la banda MAKE-UP, se convirtió en un referente del rock japonés y en un símbolo para los fans del anime, llevando su voz a series y héroes que marcaron generaciones.

Con MAKE-UP, dio vida a "Pegasus Fantasy", "Blue Forever", canciones que se convirtieron en auténticos himnos para la comunidad otaku. Su voz potente, cargada de fuerza y emoción, encarnó el espíritu de lucha y amistad que caracteriza a esta obra, marcando a toda una generación de seguidores en Japón y el mundo.

Además de Saint Seiya, colaboró en numerosas producciones de anime y tokusatsu. Como solista, interpretó openings para GoGo Sentai Boukenger y Tensou Sentai Goseiger, y formó parte de Project., la unidad musical oficial de Super Sentai. En 1998 fundó P.A.F. junto al guitarrista Pata (X Japan), y en 2019 prestó su voz al tema de Super Sentai Strongest Battle. En 2020 colaboró con la banda Mary’s Blood en una versión heavy metal de "Pegasus Fantasy", cantando junto a Eye, vocalista a quien él mismo entrenó durante una década.

Su relación con México fue especial: en 2023 participó en "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience", donde emocionó al público con su inconfundible energía. En 2025, aunque estaba programado para cantar en "Pegasus Fantasy III: Grand Finale" en la Ciudad de México, tuvo que cancelar debido a problemas de salud.

Diagnosticado con cáncer de riñón en 2017 y con un pronóstico inicial de cinco años de vida, NoB desafió las expectativas, continuando con giras, grabaciones y presentaciones hasta que su salud ya no se lo permitió. El funeral se realizó de manera privada, y próximamente se celebrará un evento de despedida para los fans, cuyos detalles se anunciarán más adelante.

Con una carrera que trascendió fronteras y géneros, NoB mantuvo su espíritu de rockero hasta el final. 

¡Que la fuerza de Pegaso te acompañe en el cosmos!

@YukiVongola

SCANDAL vuelve a la CDMX: riffs, nostalgia de anime y la chispa intacta del jrock

Pocas bandas pueden presumir que pasaron de ponerle música a animes inolvidables a llenar recintos en todo el mundo sin perder frescura ni fuerza. SCANDAL lo logró, y su regreso a la Ciudad de México la noche del 8 de julio con el tour “Love, spark, joy” fue un reencuentro entre presente y pasado, donde cuatro amigas que empezaron su vida musical en Osaka demostraron por qué siguen siendo un nombre imprescindible del jrock.

Pasaron siete años desde que Haruna (voz y guitarra), Mami (voz, guitarra), Rina (batería, teclado, voz) y Tomomi (bajo y voz) visitaron por última vez México con su gira “HONEY” en 2018. Antes, en 2015, debutaron en la capital del país con el "Hello World Tour", dejando una huella que convirtió a la CDMX en una parada obligada de sus giras mundiales. Este 2025, revivieron esa complicidad con su público mexicano, reafirmando su conexión musical.

El show arrancó con fuerza: “Terra Boy”, un tema reciente que combinó riffs brillantes con un ritmo contagioso. Siguieron otros de su nueva etapa como “Soundly”, en la que se notó el giro más melódico y maduro que la banda ha trabajado en sus últimos discos. La energía siguió subiendo con “Yoake no Ryuseigun”, mostrando la cara actual de SCANDAL: letras introspectivas, pero con la misma vitalidad rockera que las define desde sus inicios.

Uno de los momentos más inesperados fue cuando interpretaron su versión de “Oh, Pretty Woman”, el clásico de Roy Orbison. Con guitarras más densas y la voz rasposa de Haruna, la transformaron en un homenaje lleno de personalidad, demostrando que pueden apropiarse de un hit global sin sacrificar su esencia.

Pero fueron los temas ligados al anime los que despertaron la nostalgia más fuerte: “Shunkan Sentimental”, que muchos conocieron gracias a Fullmetal Alchemist Brotherhood, así como “Harukaze” y "Shoujo S", recordadas por Bleach, encendieron al público, que coreó cada canción con fervor.

A medida que avanzaba la noche, SCANDAL equilibró los momentos electrizantes con otros más íntimos, como “eternal” y “Highlight no Naka de Bokura Zutto”, baladas que resaltaron emociones universales como la melancolía y la resiliencia.

Mami y Haruna intercambiaban solos de guitarra con complicidad, Tomomi destacaba con su bajo mientras interactuaba con el público, y Rina, desde la batería, mantenía un ritmo impecable que hacía vibrar a todos. Era evidente que, con los años, se han consolidado no sólo como músicos excepcionales, sino también como un grupo más unido que nunca.

Haruna agradeció repetidamente al público mexicano, conmovida por el cariño recibido tras siete años de ausencia. Destacó la energía con la que los fans cantan sus composiciones y sonrió ante las ovaciones dedicadas a cada integrante. "Aunque somos una banda japonesa, es increíble ver cómo nuestra música conecta con gente de otros países", dijo antes de anunciar que en 2026 celebrarán 20 años de carrera.

El ambiente recuperó su intensidad con “LOVE SURVIVE” y “Take Me Out”, demostrando que, aunque el grupo ha explorado sonidos más suaves o electrónicos, su esencia rockera sigue intacta. Incluso temas como “Saishuheiki, Kimi”, “Image” y "Taiyou to Kimi ga Egaku Story" reflejaron su evolución con arreglos más elaborados y letras más porfundas.

Tras hora y media de concierto, llegó el encore. Coreadas por el público, las integrantes volvieron al escenario ondeando una bandera mexicana y mostrando una manta firmada por los fans. Haruna confesó que le encantaba cómo, a pesar de que la mayoría de sus palabras eran en japonés, el público siempre respondía con entusiasmo. "¡Que la 'SCANDALmanía' haya llegado tan lejos es increíble! México, ¡los amamos!", exclamó antes del cierre.

Con “A.M.D.K.J.” (tema de GeGeGe no Kitarō) y “SCANDAL BABY”, un clásico que las acompaña desde sus inicios y se ha convertido en su ritual de despedida, las artistas dejaron el alma en el escenario, recibiendo a cambio la misma devoción de sus seguidores.

Más que un simple concierto, la noche reafirmó el legado de SCANDAL: una banda que ha crecido, evolucionado y mantenido su capacidad para emocionar y reinventarse con sus casi dos décadas de carrera. No por nada, en 2023 obtuvieron el Récord Guinness como "La banda de rock femenina más longeva con las mismas integrantes".

@YukiVongola

Amores tóxicos: cuando el romance en el anime se torna oscuro

El 14 de febrero, Día de San Valentín, suele asociarse con el romanticismo, los corazones y los finales felices. Sin embargo, el mundo del anime tiene una fascinación peculiar por explorar las sombras del amor, aquellas relaciones que se sumergen en la obsesión, la locura y la perturbación. Lejos de los clichés de parejas ideales, estas obras nos muestran que este cariño no siempre es color de rosa, sino que puede ser un laberinto oscuro de emociones retorcidas.

Uno de los ejemplos más icónicos es Mirai Nikki. La historia sigue a Yukiteru, un joven solitario, quien descubre que su diario puede predecir el futuro. Pronto se ve envuelto en un juego mortal donde debe competir con otros poseedores de libros similares. A su lado está Yuno Gasai, una chica aparentemente dulce pero con una fijación enfermiza por protegerlo a toda costa.

La chica es el epítome del amor obsesivo. Su devoción por el chico no conoce límites, y el sentido de posesión que ejerce sobre él llega a niveles aterradores.  Ella está dispuesta a matar por él,  así como a manipular, mentir y destruir todo a su paso para asegurarse de que su relación perdure. Es una representación cruda de cómo el afecto puede convertirse en una fuerza desoladora cuando se mezcla con la inestabilidad emocional.

En el anime School Days, Makoto Itou, un estudiante común, se encuentra en el centro de un triángulo amoroso entre dos chicas: Kotonoha, tímida y reservada, y Sekai, extrovertida y decidida. 

El descenso a la locura inicia cuando Makoto, incapaz de manejar sus emociones y decisiones, se enreda en una red de infidelidades mientras que las jóvenes que lo aman se vuelven cada vez más celosas y vengativas. El final, impactante y controvertido, es un recordatorio de que el cariño mal entendido puede llevar a consecuencias devastadoras.

En tanto, en Nana, dos mujeres que comparten el mismo nombre que da título a la obra, con personalidades y sueños muy diferentes, se cruzan en un viaje en tren y terminan compartiendo apartamento en Tokio. Mientras Nana Komatsu busca estabilidad emocional en sus relaciones, Nana Osaki lucha por mantener su independencia mientras navega sus sentimientos por Ren, un músico con problemas de adicción.

Aunque no llega a los extremos de los anteriores, sí explora relaciones tóxicas y dependientes. La dinámica entre Komatsu y su novio Shoji, así como los vínculos tempestuosos entre Osaki y Ren, muestran cómo el amor puede ser una fuente de dolor y autodestrucción. La trama aborda temas como la infidelidad, la codependencia y la pérdida de identidad en nombre del amor.

Por último, no podemos olvidar Amnesia, basado en la novela visual homónima. La protagonista, una joven sin nombre (a quien el jugador o espectador "encarna"), pierde la memoria después de un accidente. A medida que intenta recuperar sus recuerdos, descubre que está rodeada de varios hombres, cada uno conectado a fragmentos de su pasado. 

Todos los chicos representan de diferente forma la obsesión que cada uno de ellos tiene con ella.  Entre ellos está Toma, un amigo de la infancia que parece velar por su bienestar y es cariñoso, pero cuyo apego se torna en una posesión enfermiza. En una de las rutas del juego (y adaptado en la serie), Toma llega a encerrar a la protagonista en una jaula, al justificar sus acciones como una forma de "protegerla" del mundo exterior.

Estos animes nos recuerdan que el amor, en su forma más oscura, puede ser una fuerza peligrosa. Lejos de idealizarlo, nos muestran cómo la obsesión, los celos y la posesión pueden convertir el sentimiento más puro en una pesadilla. En este Día del Amor, no está de más reflexionar sobre estos retratos perversos que nos advierten de los peligros de perdernos en el abismo de las emociones descontroladas. Después de todo, esta pasión no siempre es dulce; a veces, es amarga, retorcida y profundamente perturbadora.

@YukiVongola

Cierra sus puertas Etcétera Group, uno de los estudios de doblaje más emblemáticos de Latinoamérica

Tras cinco décadas de historia en la industria del doblaje y el entretenimiento, el estudio venezolano Etcétera Group anunció el viernes 31 de enero de 2025 el cierre oficial de sus instalaciones en Caracas, lo que pone fin a una era en la que se consolidó como uno de los más longevos y reconocidos de América Latina al trabajar en producciones como Bob Esponja, Thundercats o Beyblade.

Durante los años 90, vivió su época dorada, al doblar caricaturas clásicas de Warner Bros como Animaniacs, Tiny Toons y Batman: la serie animada. Además, dejó su huella en películas como Beetlejuice y Dinosaurios, y en series icónicas como Thundercats (la versión original de los 80 y el reboot de 2011).

La noticia fue confirmada por actores de doblaje venezolanos, como Juan Marcano (Simon Ecks / Arion en Justicia Joven) y Lidya Abboud (Sakura Matou en Fate/stay Night), quienes compartieron en redes sociales sus recuerdos y despedidas. Muchos evocaron los icónicos pasillos de ladrillos rojos del estudio, testigos de innumerables horas de grabación y momentos memorables. 

Aunque la clausura afecta únicamente al estudio en la capital del país sudamericano, la marca seguirá activa bajo la dirección de Zasha Robles, quien continuará colaborando con estudios aliados como DAT Doblaje Audio Traducción en México, encargado de producciones recientes como Ninja Kamui, Luchadora Invencible y Comando de Criaturas.

Fundado en 1975 por Mario Robles Godoy, Mario Abate Liotti y Nuria Malla, Etcétera Group inició como una productora cinematográfica, pero en la década de 1980 se adentró de lleno en el mundo del doblaje. Fue pionero en la implementación del sistema de grabación por canales separados, una innovación que revolucionó la industria. 

En los 2000, consolidó alianzas con cadenas como Cartoon Network y Nickelodeon, produciendo doblajes emblemáticos de series como Bob Esponja, Samurai Jack y Steven Universe. También incursionó en el anime, aunque en menor medida, destacándose con Beyblade, El príncipe del tenis (Tennis no ouji-sama), Medabots, Súper Cerdita y Mujercitas.

Etcétera Group no estuvo exento de polémicas, como el veto a actores que intentaron formar un sindicato para mejorar las condiciones laborales, lo que derivó en una reducción de su plantilla y la pérdida de algunas alianzas.

La crisis política y económica de Venezuela también impactó, especialmente durante la década de 2010, cuando la inflación y las dificultades financieras afectaron los pagos y la estabilidad laboral. Aunque en años recientes el estudio amplió sus operaciones a Miami y Brasil, la incertidumbre económica y la tercerización de proyectos a México marcaron el declive de su sede en Caracas.

El fin de Etcétera deja en el aire el futuro de franquicias en desarrollo, como Bob Esponja, Los Jóvenes Titanes en Acción, Harley Quinn y Mis Aventuras con Superman. Aunque se especula que algunos doblajes podrían trasladarse a otras agencias o realizarse de manera remota con DAT.

Con este acontecimiento, se apaga una parte fundamental de la historia del doblaje latinoamericano, pero su legado perdurará en las voces que dieron vida a personajes inolvidables y en las producciones que marcaron la infancia de millones. Pasando por animes y series animadas, Etcétera Group dejó una huella imborrable en el corazón de los espectadores.

@YukiVongola

FLOW regresa a la CDMX con concierto cargado de vibra animesca

La fiesta de anime a cargo de FLOW puso en alto las expectativas de los fans que deseaban cantar y bailar algunos de los mayores éxitos de la banda que han servido como openings de Naruto, Dragon Ball Super, Code Geass o Eureka Seven. Así, la Carpa del Velódromo de la Ciudad de México se llenó de toda una vibra animesca en la noche del 21 de noviembre de 2024.

En esta segunda parada de la agrupación japonesa en México, tras su concierto en Monterrey del día 19 de noviembre, y como parte de su gira mundial "Anime Shibari" por su veinte aniversario, toda su presentación estuvo dedicada a la animación nipona. Tanto fue así que el evento inició con una serie de diálogos de los personajes de estas historias ficticias mencionadas. Entre ellas, se distinguía la voz del ninja Naruto Uzumaki o de Lelouch vi Brittania, lo cual comenzó a emocionar al público, quienes en su mayoría lucían playeras, chaquetas o gorros relativos a estas obras.

En cuanto sus voces dejaron de sonar, Keigo y Kohshi (vocalistas), Take (guitarrista), Got's (bajista) e Iwasaki (baterista) entraron al escenario en medio de los gritos de los asistentes, los cuales aumentaron cuando abrieron la velada con "Re:member" (octavo opening de Naruto) y "Kaze no Uta" (tema de entrada de Tales of Zestiria).

Keigo fue el primero, y principal orador durante el evento. En español, presentó a FLOW y comentó que estaban felices de ver a sus fans mexicanos y resaltó que es la cuarta ocasión que visitan el país (2016, 2018, 2022). Preguntó al público por su gusto al anime, lo cual fue respondido con un "¡Sí!" que resonó en todo el lugar.

La afirmación fue contestada por los rockeros con "LOVE & JUSTICE", su canción más reciente y que fue usada en julio como opening de la secuela del clásico sobre lucha libre Kinnikuman, titulada Kinnikuman Perfect Origin Arc. Le siguió "Steppin' out", opening de Durarara!!!x2 Ketsu, la cual no habían interpretado desde su gira de 2018.

Después de este aperitivo, comenzó la cena con su poderosísimo cover de "CHA-LA HEAD-CHA-LA", uno de los openings más conocidos en el mundo por pertenecer a Dragon Ball Z. Curioso fue que durante su interpretación, los otakus la cantaron en español, salvo por unas partes en japonés o inglés de la versión original. "HERO - Kibou no Uta", tema principal de la película Dragon Ball Super: La batalla de los dioses, mantuvo el ambiente festivo.

El vocalista Keigo volvió a tomar la palabra. Mencionó el largo camino que les tomó llegar a México, ya que visitaron gran parte de Estados Unidos. Ya en español, contó sobre las veces pasadas que estuvieron en tierra azteca. "Tengo tantos recuerdos. Celebramos con tequila. ¡Salud! El mariachi fue divertido, subir la pirámide del Sol y que Iwasaki se desmayó por la falta de oxígeno", dijo entre risas del público. "Y hoy es su cumpleaños", informó. Acto seguido, "Las mañanitas", cantadas por sus fans, simbró el lugar e hizo que el baterista, conmovido, agradeciera en español por el cálido gesto.

La emoción y el baile aumentó con la rítmica y siempre tan esperada "DAYS", seguida de "Bravelue" (ambas de Eureka Seven). Otras de las melodías que siempre se disfrutan de la banda, y que al igual que las dos anteriores canciones fueron presididas por las voces de los personajes de estos animes, fueron las dos pertenecientes a Code Geass, con "COLORS", una de las favoritas en las que nadie se quedó sin brincar ni cantar, y "WORLD END".

Keigo retomó el micrófono y dijo en nuestra lengua "Pasemos una noche increíble. Muchas gracias por apoyar el anime y la música japonesa y por su amor por FLOW". En inglés, resaltó que no importa la distancia que separan a México y a Japón porque "estamos conectados por la música y el anime y esta conexión es eterna." La idea fue enfatizada con "United Sparrows" (ending de Back Arrow). 

Luego de esto, vino la bomba, algo que nadie esperaba tras escuchar de fondo las voces de Naruto, Sakura y Sasuke, protagonistas de ya saben qué anime sobre ninjas. Keigo dijo que tocarían el tema "Haruka Kanata" (segundo opening), lo cual provocó mucho asombro entre los otakus, ya que ésta es original de la banda de jrock Asian Kung Fu Generation y es todo un referente en este mundo. Aquí, nadie se quedó callado, el coro resonó más que, me atrevería a decir, en el resto de las canciones del concierto por el gran impacto que tiene. Una increíble sorpresa muy bien interpretada.

Tras ello, Iwasaki, Got's y Take tuvieron su solo en el escenario y, como es tradición en sus actuaciones en vivo, el guitarrista se vistió con un traje de foquitos e hizo bailar a la audiencia con sus pasos. En un momento, frente a frente con sus seguidores, exclamó "Usted chingón... Yo soy chingón. Take chingón. Yo soy picante, picante caliente, bueno, buenísimo. Bailemos juntos." Seguido de un "Are you ready? Uno, dos tres...", el bailongo continuó con su música ambiental, en lo que los vocalistas Keigo y Kohshi se tomaban un descanso.

Como debía ser para culminar la noche de fiesta con lo mejor de la música de anime, Naruto regresó con "GO!!!", que terminó por descontrolar todo, "Sign" (cuarto y sexto opening, respectivamente) y "GOLD" (décimo tema de entrada de Boruto). Con una bandera de México en mano, los miembros se despidieron y agradecieron en español por acudir al evento y por su apoyo. Prometieron regresar mientras sonreían y saludaban a sus fans que dieron todo de sí también para demostrar la pasión por la cultura japonesa.

 @YukiVongola

Asian Kung-Fu Generation rockea de nuevo en la CDMX

La banda de rock japonesa Asian Kung-Fu Generation regresó este domingo 26 de mayo a la Ciudad de México para poner a sus fans a bailar y cantar las canciones de una de las agrupaciones más famosas del país asiático, debido a sus aportaciones en el mundo del anime con openings para Naruto, Full Metal Alchemist y Bleach.

Por tercera ocasión (2015, 2017), el llamado de Masafumi Goto (líder y guitarrista), Kensuke Kita, (guitarrista principal), Takahiro Yamada (bajista) e Ijichi Kiyoshi (baterista), logró un lleno total, de un estimado de tres mil. Esta vez, el lugar escogido fue el Circo Volador, ubicado al sur de la capital, donde ni la lluvia y el viento que arreció previo al inicio del ingreso de los asistentes disminuyó los ánimos por ver de nuevo, o por vez primera, a los nipones.

Ataviados con playeras referentes a los animes en los que el grupo ha participado con su música y al grito de "olé, olé, olé, olé, Ajikan", como se les conoce también, el público estaba ansioso por verlos. Minutos después de las siete de la noche, salieron al escenario, en el cual, al fondo, se observaba una gran imagen que reunía las portadas de sus álbumes, las cuales tienen un diseño indistinguible del ilustrador japonés Yusuke Nakamura. La noche de rock indie y alternativo dio comienzo con "Shinseiki no Love Song".

Para encender de entrada a sus seguidores, "Re:Re" y "Rewrite" (openings de Boku dake ga inai machi y Full Metal Alchemist, respectivamente) resonaron en este recinto, siendo cantada con mucha energía por los asistentes.

Los arreglos musicales y el juego de luces, en particular, resaltaron los acordes musicales, lo cual fue un gusto para los asistentes que gritaban entusiasmados, en especial en temas como "Solanin", Korogaru iwa, Kimi ga asa ga furu" o "Aru Machi no Gunjou".

Entre las intervenciones de Ajikan, Goto pronunció en español su agradecimiento a sus fans, diciendo "Son los mejores" y presentando un par de canciones, para emoción del público de escucharlos hablar en nuestro idioma para conectar con los mexicanos, más allá de la música.

Los brazos moviéndose al son de las guitarras y la batería continúo con "Blue Train", "Marching Band", "Siren" y "Blood Circulator" (19° opening de Naruto Shippuden). Entre los segundos en los que los integrantes descansaban, se escuchaban a los fans pedir "After Dark" (7° tema de entrada de Bleach), lo cual aconteció unas canciones después.

La que parecía ser la última interpretación de la banda sólo hizo que todo se descontrolara con "Kimi to Iu Hana", una de las favoritas debido a su ritmo. Tras los saltos y exaltación de ésta, los chicos se fueron, Sin embargo, los continuos aplausos y llamados hicieron que regresaran, ahora con la bandera de México, firmada por los fans, y que fue colocada sobre el sintetizador. 

"Loop & Loop" y la que no podía faltar por ser la más famosa y de las que en cada convención de anime es imprescindible, "Haruka Kanata" (segundo opening de Naruto), fue el broche de oro para que todos los fans se unieran en una sola voz para cantarla por completo mientras la gente bailaba esta pieza icónica musical dentro del mundo de la animación japonesa.

Con la bandera mexicana ya entre ellos, los integrantes se despidieron de un público que dio todo de sí durante veinte canciones para que el concierto fuera inolvidable para ambas partes.

La presentación se realizó en el marco del 28 aniversario de la formación de la agrupación, el 25 de la incorporación de Kiyoshi como baterista y el 20 por su debut.

 @YukiVongola

Entrenadores pokémon compiten por ser el mejor en el Special Event en la CDMX

Alrededor de 700 jugadores del Trading Card Game (TCG), Go y de los videojuegos de Pokémon compitieron en el torneo Special Event durante varias horas, en busca de conseguir la mayor cantidad de puntos para poder clasificarse al Campeonato Mundial que se realizará en Honolulu, Hawaii, del 16 al 18 de agosto.

Esta concentración, realizada en un hotel de la Ciudad de México, no se efectuaba desde hace más de siete años, por lo que fue una oportunidad para los entrenadores pokémon provenientes de todo el país para pulir sus habilidades y prepararse para un futuro enfrentamiento con competidores internacionales.

Niños, jóvenes y adultos le pusieron color al evento al vestir prendas alusivas a la franquicia japonesa de monstruos de bolsillo mientras que, en el caso de las mesas donde se jugó el TCG, los peluches de los competidores adornaron y animaron a los participantes, a falta de la presencia de público, quien pudo ver el torneo a través de las redes sociales de The Nest.

Entre las pausas de los duelos en el TCG, cronometrado en 45 minutos cada uno, los jugadores exclamaron su alegría, otros, frustración, por su desempeño en las rondas, en las que una buena barajeada, la suerte y el uso de determinadas cartas hicieron que todo fuera más complicado o fácil para ellos. Unos, ya resignados, decidieron continuar en el torneo por diversión, otros, con mejores resultados, jugaron con más fiereza con miras al Campeonato Mundial.

La participación de mujeres en el evento fue muy menor en comparación con los varones, aunque en el juego de cartas sí había mayor presencia de niñas, lo cual significa que los estigmas sobre este juego en las chicas va disminuyendo poco a poco. 

La jornada de dos días culminará el domingo 26 de mayo en la división de videojuegos, con las últimas versiones Violeta y Escarlata. 

 @YukiVongola

La cantante virtual Hatsune Miku enloquece a sus fans en la CDMX

La ídolo virtual japonesa, Hatsune Miku, regresó este 21 de mayo a la Ciudad de México con su Miku Expo, ocho años después de su último concierto, que dejó en claro la vigente popularidad de esta cantante que nació como parte del software de sintetizador de voz llamado Vocaloid en 2007.

El show se vio plagado de polémicas desde el inicio de la gira por Norteamérica en abril, cuando los asistentes en Canadá, y posteriormente en Estados Unidos, se percataron del uso de una enorme pantalla LED en vez de un proyector holográfico, que es como Miku suele aparecer en sus eventos en Japón y como lo hizo en su gira mundial del 2016.

El cambio en la calidad, a pesar de que se fue mejorando conforme las quejas de los fans escaló, no impidió que los miles de fanáticos que acudieron a esta cita en uno de los recintos de la zona céntrica de la capital, hicieran una fiesta mientras esperaban ingresar al lugar y el comienzo de la presentación. Una gran cantidad de cosplayers imitaron la gran variedad de vestuarios de los que Miku hace gala en sus incontables videos musicales. Muchos más personificaron a otros de los cantantes de Vocaloid, quienes participaron en la escena musical. 

Pese a que faltaban dos horas, los fans animaron el ambiente al aventar y rolar entre sí peluches de los personajes, con exclamaciones de parte del público. Otros, mostraban desde sus celulares algunos de los videos de la ídolo para pasar el tiempo.

A las ocho, apareció. Con música en vivo, la banda de rock acompañó a la cantante con el tema "Miku", cuya presencia enloqueció al público. La sala se tiñó del color azul turquesa que emanaba de los lightsticks que sostenían sus seguidores. "Vampire" y "Uknown Mother-Goose", ésta última con una Hatsune tocando la guitarra, abrieron esta velada singular.

Tras éstas, el resto de los Vocaloids, Rin y Len Kagamine, Kaito, Meiko, y más tarde, Megurine Luka, provocaron el cambio de luces en el oscuro recinto y los fans gritando sus nombres resonaron en el lugar. Temas como "Tensai Rock", "Gedo", "Literacy", "Fräulein = Biblioteca", "on the rocks" y "Even If It´s Your Happiness" sacaron lo mejor de estos otros cantantes.

El regreso de la protagonista quedó enmarcado con las canciones "Sharing the World" y "Miku Fiesta", las cuales interpretó en español para beneplácito y locura de los asistentes. Así mismo, la chica virtual expresó algunas frases en nuestro idioma, como el gusto que le daba volver a México y que daría a sus fanáticos una experiencia única.

La agrupación de rock se lució al hacer más vívida e irreal la presentación al tocar para un ente ficticio que llena estadios en Japón. Con el ambiente a todo lo que da, el coro de "World is Mine", una de sus melodías más famosas, fue coreada a todo pulmón. "M@GICAL☆CURE! LOVE ♥ SHOT!", que fue ganadora de un concurso para crear una canción para Miku y que se estrenó en este tour, fue también de las más movidas.

"Intergalactic Bound", "imaginary love story" y HIGHLIGHT" fueron las últimas composiciones de las 23 que extasiaron a sus fans. En verdad es curioso cómo una figura reflejada en una pantalla provoca tal entusiasmo en los jóvenes. Al ser un sintetizador de voz, las diferencias idiomáticas desaparecen, cada persona puede modificar las canciones en su lengua. Son letras que gente común y corriente crea. Son melodías que los fans quieren escuchar. 

Y Hatsune Miku cerró su concierto denotando este poder que la gente tiene con su música y prometiendo volver al país.

@YukiVongola

Gurren Lagann aterrizará en dos películas en cines mexicanos

Tengen Toppa Gurren Lagann, un clásico de la ciencia ficción japonesa, llega a cines mexicanos este 16 y 23 de mayo con dos películas en los que la guerra, la supervivencia humana, los mechas (robots) y una buena dosis de humor nos recordarán porque este género es tan popular hoy en día.

Realizadas bajo el formato de dos películas recopilatorias del anime de 2007 que consta de 27 capítulos, Gurren Lagann The Movie: Childhood's End y Gurren Lagann The Movie: The Lights in the Sky are Stars', se exhibirán en el marco del 15 aniversario de la obra original con guión del estudio Gainax (conocido por Neon Genesis Evangelion) y con diseños de Kotaro Misaki.

La historia nos ubica miles de años en el futuro de la Tierra. Una guerra desatada por el tirano Rey Espiral y sus ganmen, robots con forma de caras, diezmó la vida de los humanos y, tras incontables pérdidas, los sobrevivientes se vieron obligados a vivir en ciudades subterráneas.

Un tiempo después de estos hechos, aparece Simon, un chico tímido que se dedica a excavar túneles para agrandar la urbe bajo tierra llamada Giha, y Kamina, un joven rebelde que sueña con una vida en la superficie. 

Un día, se colapsa su pequeño mundo a manos de uno de estos robots. El encuentro con Yoko, una chica aguerrida del exterior, y el descubrimiento de un ganmen oculto altera la aparente normalidad en los dos jóvenes, quienes deberán afrontar lo desconocido para derrocar al Rey Espiral y sus esbirros, para traer esperanza a los humanos.

La primera película abarca hasta el capítulo 13 del anime, por lo que algunas escenas suceden rápidamente, pero son completamente entendibles para el público que no conoce nada sobre esta obra. La segunda cinta ahonda en la mitad restante de la animación del 2007, con más escenas inéditas y con un final más "digno" de aquel mostrado originalmente en la esta historia lanzada hace 15 años.

La música es uno de los grandes aspectos del filme y que acentúa bastante las emociones ante el desarrollo de los personajes principales y de la intensidad narrativa.

Gurren Lagann es, sin discusión, un referente dentro de la ciencia ficción y del subgénero de los robots gigantes, con personajes carismáticos que permanecen en la memoria de quienes se acercan a ellos, con una trama que puede ser tan desalentadora como dar un poco de fe ante situaciones límite y una fluidez animada que hace que no quites los ojos de la pantalla.

@YukiVongola

¡Fin del partido! Manga de Los supercampeones acaba tras 43 años

Captain Tsubasa, mejor conocido en Latinoamérica como Los Supercampeones, dio su silbatazo final este 4 de abril en la publicación de su historia en el formato de manga, del cual llevaba 43 años de contarnos las andanzas de Tsubasa Ozora (Oliver Atom), desde niño hasta adulto, en su sueño de convertirse en el mejor jugador de futbol del mundo.

Esta decisión la tomó el creador, Yoichi Takahashi, tras anunciar su retiro como mangaka. Los factores, algunos problemas de salud, aunado al estrés de la industria actual en las historietas japonesas, en el que el ritmo de trabajo es muy exigente con fechas de entrega muy cercanas entre sí y con cierto número de páginas por entregar, socavaron parte de su lado creativo. 

Sin embargo, no todo está perdido en el campo de juego, ya que Takahashi señaló que seguirá dibujando a su manera, a su tiempo, lo que falta de la historia por contar de Tsubasa y el equipo japonés en los ficticios Juegos Olímpicos de Madrid, donde se enfrentan en semifinales contra la favorita España. ¿Pero de qué manera continuará el partido?

El mangaka, mediante una carta, contó que planea relatar lo siguiente al último capítulo publicado en el volumen 20 del manga Captain Tsubasa: Rising Sun. Finals en el sitio web captain-tsubasa.world, en el que subirá sus bocetos, hechos a lápiz, cuando él quiera y como quiera, sin estar sometido a presiones editoriales. 

Claro, los dibujos son básicos, sin diseños de personajes o escenarios elaborados, sin entintados, sin nada más que la pura esencia, tal como él mismo señala en su misiva que fue así como Captain Tsubasa empezó, antes de que tuviera asistentes y la industria del manga también usara mucho de su tecnología para dar más realce visual. Sólo un lápiz y hojas.

Es admirable que el artista de 63 años, cuya obra puso al futbol en el foco de atención de los japoneses en un país en que éste era sumamente impopular y se volviera un hit mundial, optara por este rumbo por el simple hecho de hacer lo que le gusta sin importar si deja de tener fans por este cambio.

Este último arco argumental de Captain Tsubasa aún tendrá vida, aunque de manera muy diferente, y lo llamativo de dejar el formato del manga es igualmente algo inesperado en un mundo de tinta y papel que va evolucionando para atraer más público. Sin embargo, una leyenda así puede sobrevivir sin importar el medio de difusión.

@YukiVongola

Fallece Akira Toriyama, creador del legendario Dragon Ball

Un gran mangaka falleció: Akira Toriyama. Su creatividad se extinguió a sus 68 años, a causa de un hematoma subdural agudo, el pasado 1 de marzo, sin embargo, apenas hoy, 7 de marzo (8 de marzo en Japón), se dio a conocer la lamentable noticia a través de las redes sociales de la franquicia que lo hizo mundialmente famoso, Dragon Ball.

Esta obra se ganó el corazón de todos aquellos que leímos el manga y quienes vimos su adaptación al anime. Goku, el personaje más icónico dentro de Dragon Ball y de los más representativos en la industria, le valió que fuera uno de los embajadores de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020. 

¡Quién en México no conocía el legado de Akira Toriyama? Muchos crecimos viendo a Goku chiquito, verlo convertirse en joven, adulto, padre, abuelo. ¿Quién no recuerda que en las escuelas e iglesias, durante los años 90 Dragon Ball Z llegó a ser satinizada por su violencia? ¿Quién no, en esos años, coleccionó los álbumes y quería que sus fiestas de cumpleaños fuera temática de esta serie?

No sólo decimos adiós a un artista, decimos adiós a alguien quien, sin darnos cuenta, formó parte importante de nuestra niñez, juventud y adultez a través de su máxima obra, la cual rompió las barreras japonesas para asentarse con mucha fuerza en México.

Tan importante fue la franquicia de Toriyama que inspiró a muchos nipones a convertirse en autores de manga, tales como Eiichiro Oda, (One Piece), Masashi Kishimoto (Naruto), Tite Kubo (Bleach), Yoshihiro Togashi (Yu yu Hakusho), entre otros,

Toriyama no sólo dejó su huella en la historia por Dragon Ball, también fue muy reconocido por su trabajo en otros mangas como Dr. Slump o Sand land, y al ser el encargado del diseño de personajes de la famosa franquicia de videojuegos Chrono Trigger y actualmente se encargaba del guión del manga de Dragon Ball Super.

Curiosamente, este año, el 20 de noviembre, se celebraría el 40 aniversario de la primera publicación del manga de Dragon Ball, razón por la cual, la reedición de los volúmenes cuentan con portadas dibujadas por diferentes mangakas para homenajear a Toriyama y el impacto que su trabajo ha dejado en millones de personas.

Hasta siempre, Akira Toriyama, tu legado sigue más vivo que nunca. 

@YukiVongola

'Godzilla Minus One' y 'El niño y la garza', sobrevivientes japoneses a los Premios Oscar

Godzilla Minus One y El niño y la garza son las dos películas japonesas que se encuentran nominadas a Mejores Efectos Visuales y Mejor Película Animada, respectivamente, de los Premios Oscar. Tienen todo para ganar, pero ¿creen que lo consigan o que pudieron competir en más categorías?

La película del monstruo del estudio Toho sorprendió más allá de sus efectos especiales. Regresar al origen mítico de Godzilla (desvirtuado en las obras estadounidenses), esa metáfora del horror del pueblo japonés hacia el poder destructivo de las bombas atómicas, en el contexto de la posguerra en la que el país no contaba con un ejército ni con armas, fue un gran acierto de la película. Aunado a ello, el drama humano sobre el impacto y las reminiscencias de la Segunda Guerra Mundial, el vivir con la deshonra de la rendición y el miedo a los fantasmas de la guerra enriquecen el relato de los protagonistas y dan más fuerza al significado real de Godzilla.

Con estas variables, me parece que bien la cinta nipona pudo contender por Mejor Película de Lengua Extranjera en este certamen, como sí sucedió en la entrega de los Critics Choice Awards, el pasado 14 de enero. Sí, es de ciencia ficción y podría entrar en el terror, pero ya hemos visto que filmes de este corte como Todo en todas partes al mismo tiempo (2022) o de origen asiático como la coreana Parásitos (2019) lograron alzarse con la estatuilla.

Lo mismo sucede con El niño y la garza, lo nuevo del director Hayao Miyazaki. La obra (que se alzó con los Globos de Oro, premios que suelen pronosticar a los vencedores en los Oscar), que representa el duelo y los miedos en la infancia sobre este tema, maneja un tono más maduro y de reflexión que otras películas enlistadas para los Premios de la Academia, tales como Elementos o Spider-man: a través del spider-verso. 

¿Pero qué sucede? Por más que la creación del Estudio Ghibli defienda la animación tradicional, dibujada y coloreada a mano (a diferencia de otras películas mencionadas a que apuestan por el diseño por computadora) y la trama vaya más allá de sólo entretener, las cintas que suelen ganar son aquellas que, por la campaña de publicidad de las empresas de animación y de distribución, alcanzan a un mayor número de asistentes en el cine. 

Por ejemplo, no es lo mismo Disney, cuyas películas tienen mayor difusión en diversos medios, y que puede tener más proyecciones en un solo complejo cinematográfico, a una película japonesa, sea o no de anime, que muchas veces son vistas únicamente por los fans, o por un público más particular, y que no siempre los filmes se encuentran en los horarios más accesibles, están en cines remotos, sólo se exhiben en una sala, y el conocimiento de su existencia por parte de la gente es por chiripa debido a la falta de propaganda. 

Para las empresas multimillonarias y multinacionales, cuyos productos no garantizan la calidad sólo por el renombre de la marca, este tipo de nominaciones afianzan su posición en el mercado. Para empresas más bien nacionales, como Ghibli o Toho, realmente no les importa si ganan un premio de acuerdo a los estándares estadounidenses. Los japoneses consumen más lo propio, sea cine o música, y su cultura, cerrada en ese sentido, hace que les dé un tanto igual. Sí, el equipo de Godzilla celebró la noticia, pero no es que sea su máximo ganar. Ellos, con obtener el reconocimiento de la industria de su país, se afianzan el éxito. 

Aunque Godzilla Minus One y El niño y la garza no triunfen en la noche del 10 de marzo, eso no restará puntos a lo que aportan en el mundo cinematográfico, como el hecho de que la primera se haya convertido en la cinta live-action de origen japonés que más dinero ha recaudado en la historia, con más de 80 millones de pesos y con más de un millón de espectadores.

Lo mejor no siempre obtiene un título ostentoso y eso lo recordamos en cada edición de este concurso fílmico que, en especial en el apartado de Mejor Película Animada, hay muchas obras de Ghibli opacadas. Menos mal, los japoneses no necesitan la aprobación de Occidente para hacer lo que mejor hacen.

@YukiVongola 

Arde el cosmos en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience II"

El cosmos de unos 14 mil guerreros de la diosa Atena ardió como uno solo en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience" que recopiló temas icónicos de la exitosa y legendaria obra de Masami Kurumada, Los Caballeros del Zodiaco, en la Arena Ciudad de México, el sábado 23 de septiembre. 

La segunda edición de este proyecto musical contó con dos de los cantantes originales de los openings y endings del anime ochentero, Nobuo Yamada y Yumi Matsuzawa. Yamada abrió la noche orquestal con la inconfundible "Pegasus Fantasy", la cual fue coreada en japonés por los fans.

Acto seguido, la Sincrophonia Orquesta, dirigida por Rodrigo Cadet, y la soprano Irma Flores, quien volvió a cautivar al público con su talento vocal, sumergieron al público en una serie de melodías representativas de las primeras sagas del anime (El torneo Galáctico, Las 12 Casas y Asgaard), tales como "Revenger Phoenix", "Pegasus Ryu Sei Ken", "Beautiful Gold Saints", "Sad Brothers", las cuales tuvieron presencia en el evento musical del año pasado.

El vaivén melódico, que podía transportar a las escenas de batalla y transmitir desesperación, así como de pronto llevarnos a la esperanza y al triunfo sobre las fuerzas del mal, es algo que únicamente composiciones tan bien pensadas y ejecutadas en una joya de la animación, creadas por Seiji Yokoyama, podían transmitir y seguir provocando en la gente a 37 años de que la serie se estrenó en Japón y a 31 años de su emisión en México.

Antes del intermedio, el artista japonés regresó para interpretar "Blue Dream", el segundo ending, la cual fue acompañada por el movimiento de las luces de los celulares de los asistentes. Tras escuchar algunos temas de las películas Los Caballeros del Zodiaco: Contraatacan como "Deucalion's Big Flood" y de la cinta La Gran batalla de los dioses como "God Warrior vs Saint", Matsuzawa apareció en escena junto a Maureen Mendo, quien es el cantante oficial en América Latina de Saint Seiya, y ambos unieron sus voces en "You are my reason to be".

La otra mitad del concierto abarcó las sagas de Poseidón, de Hades y la película Los Caballeros del Zodiaco contra Lucifer, que en la presentación de 2022 quedaron fuera por falta de tiempo. Así, esta parte inició con Yamada y el segundo opening "Soldier Dream", seguido de otras piezas como "Undersea temple", "Shining! Bronze Cloth", "Child of Dawn, Lucifer" y "Fallen Angel vs Saint". 

Matsuzawa volvió al escenario para dar inicio al tan esperado arco de Hades, con el opening "Chikyuugi". "108 evil stars", "Elysium" y "Greatest eclipse", que llegan a ser tan impactantes por la historia detrás de las melodías, como lo es la aparente traición de los guerreros fallecidos de la diosa Atena, la muerte de ésta y la batalla en el Inframundo, fueron de las últimas en resonar en el recinto. 

Sin lugar a dudas, las canciones más esperadas eran aquellas que los mismos personajes del anime tocan: la melancólica "Decision of destiny" del dios Abel, la triste "Mime's harp" del guerrero asgardiano, la estridente "Dead end symphony" del general marino de Sorrento de Sirena, la trágica y conmovedora historia de amor del caballero Orfeo de Lira con "Death trip serenade" y la nostálgica "Pandora's harp" de la hermana mayor del dios del Inframundo. Todas ellas, con solos de instrumento de arpa y flauta, se llevaron las palmas y aclamaciones de pie del público. 

La artista japonesa interpretó el tercer y cuarto tema de cierre de la saga de Hades, "Kimi to onaji aozora" y "Takusu mono e ～My Dear~", la primera de éstas, acompañada a dueto en español y japonés por Maggie Vera, cantante oficial en nuestro idioma de estas piezas.

"Can't say goodbye my friend" y "Never", con la fuerza rockera de Nobuo Yamada, dieron por terminado un concierto del cual los fans salieron complacidos con 42 melodías de una de las mejores bandas sonoras existentes y a uno de los anime más influyentes de la historia. El ardiente cosmos de los músicos, coristas, cantantes y soprano al dejarlo todo en su presentación se tradujo en largos aplausos y ovaciones que no pararon en ningún momento. 

Un espectáculo visual y auditivo que hacía que uno se involucrara en las mismas situaciones que los caballeros de Pegaso, Dragón, Fénix, Cisne y Andrómeda. En efecto, el poder del cosmos sigue brillando con fuerza sin importar las décadas que pasen.

@YukiVongola

El problema de las adaptaciones: el caso de los mangas de Junji Ito

Es complicado pasar de la literatura al cine. ¿Quién no recuerda ese bodrio del live-action que hicieron de Dragon Ball? O lo que piensan hacer con One Piece. Adaptar una obra literaria, llámese libro, manga o novela gráfica, sin tener un buen guión, comprender la complejidad de la trama y entender los motivos de los personajes, es la receta perfecta para el caos. 

La saga de Harry Potter contó con la guía de J.K. Rowling, razón por la cual las adaptaciones cinematográficas lograron transportar a los espectadores a ese mundo mágico. Claro, la producción en estos casos es relevante, ya que sin un buen vestuario, locaciones, fotografía y música, parte de la esencia desaparece. 

En el mundo del anime, cuando se adaptó X a la pantalla grande, fue un fracaso por la trama y el desenvolvimiento de los personajes que para nada le llegó a los talones al manga. El que las CLAMP, las autoras, estuvieran involucradas en el guión, terminó por sepultar la película animada porque evidenció lo poco que sabían de su misma obra. Tal vez por eso no se han atrevido a darle un cierre argumental. 

Uno de los problemas para las adaptaciones del manga o anime es, además de los ya mencionados, es que con sólo el nombre o la reputación de sus creadores será un éxito inmediato. El arriesgarse con actores para una cinta con Dragon Ball o One Piece, dos obras que son extremadamente populares y son todo un ícono que han sobrepasado generaciones y fronteras, es de principio una mala idea. Transmitir el carisma de los personajes y sentir esa emoción con cada batalla, y que los efectos especiales puedan producir lo mismo que tinta y papel, pocas veces se logra. 

Eso, con aquellas historias de acción. Ahora, cuando se refiere a trasladar emociones tan intensas como el terror, que suele acompañarse de inquietud y paranoia, el resultado de una adaptación al cine o a televisión tampoco es tan sencilla. Menos, cuando nos referimos al horror cósmico. Por ello, pocos libros de H.P. Lovecraft se han realizado con éxito en el séptimo arte. No por nada, no tenemos una digna versión en el cine de La llamada de Cthulhu, aunque, por el lado de los videojuegos sí ha habido buenas ideas.  

Lo mismo ocurre con los mangas de Junji Ito, el maestro del terror japonés, a quien se equipara con el escritor estadounidense, que tampoco han recibido merecidas adaptaciones. Como dato curioso, Ito fue convocado por el director cinematográfico mexicano Guillermo del Toro y el productor legendario japonés de los videojuegos, Hideo Kojima, para que colaborara en el juego de terror Silent Hills (2014), conocido más como P.T., de la saga Silent Hill de la desarrolladora Konami. Sin embargo, tras la presentación del muy terrorífico demo, el proyecto fue cancelado por problemas entre Konami y Kojima, por lo que nunca se llegó a la realización de bocetos de los personajes. 

La más reciente, estrenada en enero de este año vía streaming, se titula Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro. En éste, a través de 20 historias cortas se intentó dar una muestra de la genialidad del maestro del terror japonés. Así es, sólo quedó en un mal intento. Ni el miedo ni la zozobra que se expone en sus lecturas en el manga se hallaron en sus 13 capítulos. Los globos colgantes, Intrusos, La cosa que apareció en la orilla o Esculturas sin cabeza son algunos de los títulos que tuvieron una versión animada por primera vez y que se quedaron cortos y dejaron un trago amargo a quienes conocemos la fuente original. En cambio, aquellos espectadores casuales sólo la consideraron entretenida, pero coincidieron en que el terror era escaso en estas narraciones que pertenecen a dicho género. 

La animación, que tampoco es buena, podría obviarse si la calidad de la adaptación fuera mejor. Una antología decepcionante como la que hubo en 2018 con Junji Ito Collection. 

Otra mala versión al anime de las creaciones de Ito, Gyo (2012), tiene varios cambios narrativos respecto al manga publicado diez años antes. Eso sí, la animación, en comparación con las dos ya mencionadas, sí es dinámica y causa desagrado el ver a peces y demás criaturas marinas con patas mecánicas, que terminan por contagiar y transformar a los humanos en seres aberrantes con su hedor. 

Uzumaki, obra cumbre del japonés que denota el horror cósmico, por fin tendrá este año vida en una serie animada de cuatro capítulos. Las expectativas con ésta son muy altas, debido a que, a diferencia de las anteriores obras, tiene un gran presupuesto y su animación será a blanco y negro para mantener fiel el estilo de dibujo original y parecerá que será como ver el manga con movimiento.  

Esto ayudará porque la paleta de colores que tienen las antologías y Gyo evita que uno sienta ese desasosiego que deberíamos de sentir al estar frente a una trama de terror, más si es del tipo lovecraftiano. El blanco y negro, acentuado con su estilo realista y con un énfasis en el sombreado, nos hacen sentir o muy perdidos al punto de perder la cordura o muy sabedores de los horrores que acechan que, inigualablemente, nos hace descender a la locura. 

@YukiVongola