FLOW regresa a la CDMX con concierto cargado de vibra animesca

La fiesta de anime a cargo de FLOW puso en alto las expectativas de los fans que deseaban cantar y bailar algunos de los mayores éxitos de la banda que han servido como openings de Naruto, Dragon Ball Super, Code Geass o Eureka Seven. Así, la Carpa del Velódromo de la Ciudad de México se llenó de toda una vibra animesca en la noche del 21 de noviembre de 2024.

En esta segunda parada de la agrupación japonesa en México, tras su concierto en Monterrey del día 19 de noviembre, y como parte de su gira mundial "Anime Shibari" por su veinte aniversario, toda su presentación estuvo dedicada a la animación nipona. Tanto fue así que el evento inició con una serie de diálogos de los personajes de estas historias ficticias mencionadas. Entre ellas, se distinguía la voz del ninja Naruto Uzumaki o de Lelouch vi Brittania, lo cual comenzó a emocionar al público, quienes en su mayoría lucían playeras, chaquetas o gorros relativos a estas obras.

En cuanto sus voces dejaron de sonar, Keigo y Kohshi (vocalistas), Take (guitarrista), Got's (bajista) e Iwasaki (baterista) entraron al escenario en medio de los gritos de los asistentes, los cuales aumentaron cuando abrieron la velada con "Re:member" (octavo opening de Naruto) y "Kaze no Uta" (tema de entrada de Tales of Zestiria).

Keigo fue el primero, y principal orador durante el evento. En español, presentó a FLOW y comentó que estaban felices de ver a sus fans mexicanos y resaltó que es la cuarta ocasión que visitan el país (2016, 2018, 2022). Preguntó al público por su gusto al anime, lo cual fue respondido con un "¡Sí!" que resonó en todo el lugar.

La afirmación fue contestada por los rockeros con "LOVE & JUSTICE", su canción más reciente y que fue usada en julio como opening de la secuela del clásico sobre lucha libre Kinnikuman, titulada Kinnikuman Perfect Origin Arc. Le siguió "Steppin' out", opening de Durarara!!!x2 Ketsu, la cual no habían interpretado desde su gira de 2018.

Después de este aperitivo, comenzó la cena con su poderosísimo cover de "CHA-LA HEAD-CHA-LA", uno de los openings más conocidos en el mundo por pertenecer a Dragon Ball Z. Curioso fue que durante su interpretación, los otakus la cantaron en español, salvo por unas partes en japonés o inglés de la versión original. "HERO - Kibou no Uta", tema principal de la película Dragon Ball Super: La batalla de los dioses, mantuvo el ambiente festivo.

El vocalista Keigo volvió a tomar la palabra. Mencionó el largo camino que les tomó llegar a México, ya que visitaron gran parte de Estados Unidos. Ya en español, contó sobre las veces pasadas que estuvieron en tierra azteca. "Tengo tantos recuerdos. Celebramos con tequila. ¡Salud! El mariachi fue divertido, subir la pirámide del Sol y que Iwasaki se desmayó por la falta de oxígeno", dijo entre risas del público. "Y hoy es su cumpleaños", informó. Acto seguido, "Las mañanitas", cantadas por sus fans, simbró el lugar e hizo que el baterista, conmovido, agradeciera en español por el cálido gesto.

La emoción y el baile aumentó con la rítmica y siempre tan esperada "DAYS", seguida de "Bravelue" (ambas de Eureka Seven). Otras de las melodías que siempre se disfrutan de la banda, y que al igual que las dos anteriores canciones fueron presididas por las voces de los personajes de estos animes, fueron las dos pertenecientes a Code Geass, con "COLORS", una de las favoritas en las que nadie se quedó sin brincar ni cantar, y "WORLD END".

Keigo retomó el micrófono y dijo en nuestra lengua "Pasemos una noche increíble. Muchas gracias por apoyar el anime y la música japonesa y por su amor por FLOW". En inglés, resaltó que no importa la distancia que separan a México y a Japón porque "estamos conectados por la música y el anime y esta conexión es eterna." La idea fue enfatizada con "United Sparrows" (ending de Back Arrow). 

Luego de esto, vino la bomba, algo que nadie esperaba tras escuchar de fondo las voces de Naruto, Sakura y Sasuke, protagonistas de ya saben qué anime sobre ninjas. Keigo dijo que tocarían el tema "Haruka Kanata" (segundo opening), lo cual provocó mucho asombro entre los otakus, ya que ésta es original de la banda de jrock Asian Kung Fu Generation y es todo un referente en este mundo. Aquí, nadie se quedó callado, el coro resonó más que, me atrevería a decir, en el resto de las canciones del concierto por el gran impacto que tiene. Una increíble sorpresa muy bien interpretada.

Tras ello, Iwasaki, Got's y Take tuvieron su solo en el escenario y, como es tradición en sus actuaciones en vivo, el guitarrista se vistió con un traje de foquitos e hizo bailar a la audiencia con sus pasos. En un momento, frente a frente con sus seguidores, exclamó "Usted chingón... Yo soy chingón. Take chingón. Yo soy picante, picante caliente, bueno, buenísimo. Bailemos juntos." Seguido de un "Are you ready? Uno, dos tres...", el bailongo continuó con su música ambiental, en lo que los vocalistas Keigo y Kohshi se tomaban un descanso.

Como debía ser para culminar la noche de fiesta con lo mejor de la música de anime, Naruto regresó con "GO!!!", que terminó por descontrolar todo, "Sign" (cuarto y sexto opening, respectivamente) y "GOLD" (décimo tema de entrada de Boruto). Con una bandera de México en mano, los miembros se despidieron y agradecieron en español por acudir al evento y por su apoyo. Prometieron regresar mientras sonreían y saludaban a sus fans que dieron todo de sí también para demostrar la pasión por la cultura japonesa.

 @YukiVongola

Sarazanmai: kappas, traseros y el poder de estar conectados con otros

Los japoneses suelen tomar las ideas más surrealistas y absurdas de su folklore para crear un anime o un manga, pero lo mejor de todo es cómo logran con premisas aparentemente ridículas una profundidad psicológica de los personajes y tratan temas delicados que nos ponen a reflexionar sobre nuestra vida y uno de los mayores temores del hombre: la soledad.

 

Imaginen la trama del anime Sarazanmai: un trío de chicos de secundaria viven su vida relativamente normal hasta que un día, por accidente, rompen una estatua de un kappa que se encuentra en el barrio tokiota de Asakusa. Los kappa son seres que habitan dentro de cuerpos acuosos que se asemejan a tortugas antropomorfas, pertenecen al folklore japonés, y su papel llega a ser tan opuesto como un malhechor que puede ahogar a sus víctimas y comer niños hasta ayudar a los humanos con sus místicos poderes, como la curación. Ojo con lo de "comer niños". Debido a la percepción que se tiene de los kappa, son respetados en varios templos sintoístas.

Cuando los jóvenes destruyen el monumento, son transformados en kappa por el guardián del lugar, llamado Keppi. Éste le ordena a los niños que cada vez que aparezcan por la ciudad kappa zombies, o sea personas que se han dejado llevar por sus bajos instintos del deseo, ellos adoptarán su nueva forma para pelear contra esos seres y mantener el orden en la ciudad.

El trío deberá unirse como uno al realizar una especie de ritual llamado sarazanmai, con el cual tendrán que extraerle al kappa zombie su shirikodama, un tipo de energía que se encuentra dentro del trasero en el cual reside el deseo, para que el monstruo vuelva a ser humano. Una vez Keppi se la coma, aparecerá un plato de los deseos y, si se juntan cinco de ellos, se podrá pedir cualquier petición. Los platos, dentro de la mitología de estas criaturas, sirven para tapar sus cabezas, las cuales tienen una cavidad llena de agua, misma en donde residen sus poderes, y si alguna vez toda el agua se les cae, morirán.

Ya con esto suena que es una historia absurda y rara, en especial por todo el ritual de convertirse en kappa y la cuestión de esa bola de energía que, en el folklore, se dice que su sabor supera al de la carne de infantes. Por tanto, si ligamos todos estos datos, resulta algo perturbador todo este asunto de los kappa y de los niños.

Sin embargo, este sin sentido empieza a cobrarlo cuando nos enteramos a través de los secretos que los adolescentes comparten al  realizar el sarazanmai: sus vidas están llenas de sentir miedo de estar solos, de rencor hacia ellos mismos, de egoísmo por sólo querer que su persona amada los vea, de sufrimiento por estar o sentirse separados de otros, razones que, por una u otra cuestión, no les permite estar conectados con sus seres queridos tal como ellos quisieran. Así llegamos al tema central de Sarazanmai: las conexiones.

Tanto los chicos como una pareja de policías, que desde el inicio se observa que tienen una relación amorosa y están del bando enemigo que lidera una nutria que se la pasa diciendo "mentira", luchan por conseguir sus deseos, los cuales se resumen en querer conservar una conexión inquebrantable con otras personas.

No importa qué tan lejos estés, o si no te sabes expresar, o si no puedes perdonar o crees que puedas traicionar a tus seres queridos, o si eres del tipo que no se rinde o si no puedes encontrarte a ti mismo, lo que todos desean es estar conectado con un lugar, con un objeto, con una persona, con un sentimiento, con algo que atestigüe que nuestra vida ha tenido un poco de impacto y memoria en otros. 

La manera en que se mezcla algo tan antiguo, como lo es la criatura kappa y sus connotaciones, y sirva de inusual pretexto para introducir personajes y temas importantes que rondan las cabezas de los jóvenes en la actualidad, tales como la identidad, la amistad, la familia, el amor, la violencia y temas de droga, la soledad, la muerte, la homosexualidad, el miedo al fracaso, entre otros, es algo que sólo ellos saben hacer para producir una obra fresca y profunda de la cual podamos aprender algo más sobre el mundo que nos rodea y sobre nosotros mismos.

La animación oscila entre surrealista y realista, lo que genera efectos risibles, irónicos y cautivadores, mismo contraste que realza la belleza de la fragilidad de nuestras relaciones con otros. Es mediante esas escenas en que la realidad y un mundo colorido y fantástico se entrelazan, cuando literalmente nos adentramos en la psique de los personajes y observamos cómo cada uno de ellos, siempre tras una sonrisa fingida o una actitud aparentemente rebelde, intentan afrontar sus temores.

El factor simbólico y mágico de los kappa libera a los protagonistas para que puedan ser honestos con ellos mismos. Lo realista, por otro lado, lo apreciamos en los paisajes de Asakusa mostrados como fotografías (tal como se ve en el ending), dándonos un bello recorrido turístico por ese barrio de Tokyo.

Uno de los mejores anime de la temporada de primavera de 2019 (abril-junio) por ser más de lo que podría haberse esperado (al mirar el primer capítulo me quedé con expresión de "¿qué rayos acabo de ver?") y con una evolución tal de los personajes que nos deja reflexionar sobre la idea de que las conexiones que tengamos con el mundo pueden cortarse en cualquier momento, sea por circunstancias ajenas o no, y que por ello se debe luchar por conservarlas lo más que se pueda, porque la vida da muchas vueltas y, pese el resultado final, siempre, siempre, tendremos una conexión que dé sentido, al menos, un momento de nuestra efímera existencia.

 Les comparto el opening y ending de Sarazanmai:

@YukiVongola

Manga sobre niños que no son para niños y otros que sí lo son: Yakusoku no Neverland y otros manga

Ahora que pasó el día del niño (celebrado en México el 30 de abril, mientras que en Japón es el 5 de mayo) es inevitable pensar en el papel que juegan los pequeños dentro del manga y el anime, así como aquellas obras que están enfocadas justamente a un público infantil, el cual recibe el nombre de kodomo.

En esta ocasión hablaré sobre algunas historias cuyos protagonistas son niños, quienes se desenvuelven en distintos escenarios y nos dejan ver el punto de vista de ellos frente a su realidad. 

La primera obra es Yakusoku no Neverland, traducida como La Prometida Tierra de Nunca Jamás, que nos presenta a un grupo de niños que vive en el orfanato Grace Field. Los niños de 11 años, Emma, Ray y Norman, protegen y son guías de los más pequeños. Su llamada "mamá" es la única adulta del lugar que está rodeada de muros altos y de la cual tienen prohibida su salida hasta que los niños sean "adoptados". 

Quitando los exámenes de conocimientos que todas las mañanas se les hacen a los niños, pareciera que todo en Grace Field es de ensueño... Hasta que el trío de amigos descubre que cada niño que es "adoptado" es asesinado por demonios que, posteriormente, se los comen. El querido orfanato de los niños es en realidad una plantación, una granja, en que el producto son los niños, las "mamás" son las encargadas de su "calidad", los adultos son los vendedores y los clientes son los demonios, que parecen ser los conquistadores de la Tierra. Es decir, los niños son ganado que sirven para una sola cosa: ser comidos.

Con la idea de un escape de ese destino, los niños empiezan a idear cómo salir de ese lugar, antes de que sean devorados.

A lo largo de las capítulos del manga, seguro el lector sentirá estremecido su corazón: la situación de ser criados para alimentar demonios en un mundo en que los adultos los sacrifican para mantener el "equilibrio" entre humanos y demonios, y que a cada paso que ellos dan hacia una posible libertad sean detenidos por estos monstruos que sólo los ven como pedazos de carne y por humanos que los asesinan a sangre fría. ¿Dónde está el valor de los niños? También son humanos, merecen vivir, tener libertad, entonces, ¿por qué los cazan?, ¿por qué son amados en un mundo supuestamente utópico cuando fuera de los orfanatos les depara un destino horrible?, ¿por qué los adultos, quienes deberían de cuidarlos, prefieren darlos como ofrenda?, ¿por qué hay niños ganados que son engordados cual cerdos, que ni desarrollan lenguaje, en esas plantaciones de producción en masa? 

Es una constante de la historia el ver a los niños como los revolucionarios que pueden derrocar el sistema que ha sido tan cruel con ellos. Son la esperanza de la humanidad, quienes pueden hacer más de lo que los adultos creen.

Yakusoku no Neverland es peculiar por varios factores. Primero, los niños son protagonistas (cuyos rangos de edad van desde los dos hasta los doce), pero no es un manga de género kodomo que esté dirigido al público infantil debido a la violencia, muertes y el entorno tan macabro y deprimente que nos presenta.

Segundo, su género es shounen, es decir, está destinado a los jóvenes entre 12 a 18 años, lo cual llega a resultar extraño porque por lo general los manga de esta clasificación tienen como protagonistas a chicos de entre 15 a 18 años. 

Tercero, que en una historia de acción, fantasía oscura, terror y drama enfocado a varones, si bien hay varios personajes principales y con suma importancia en la trama, el personaje estelar es una niña, Emma, quien es apoyada por sus dos mejores amigos para idear el plan de escape hacia la libertad que les quitaron desde su nacimiento, siendo inteligente, amable, fiel a sus principios y decisiones, valiéndose por sí misma para ayudar a sus hermanos y de carácter fuerte  (ella es todo lo que las feministas desean de personajes femeninos ficcionales).

Esta obra, como pueden notar por lo mencionado sobre ella, nos muestra infantes en una posición sobrecogedora, recordándonos a aquellos pequeños en nuestra realidad que han sido y son víctimas de horrores indescriptibles. La forma de hablar y pensar del "ganado", tan verosímil, perturba más porque parecieran reales los gritos de desesperación de los niños. Un manga que les recomiendo demasiado.

Saliendo un poco de tono, tenemos los manga kodomo, cuya creación está basada en dar a los niños historias desenfadadas, personajes alegres  (sean niños o animales) y escenarios coloridos, y que curiosamente son muy leídos también por adultos. 

Entre ellos, tenemos sus versiones animadas que durante la década de los noventa pudimos ver en televisión abierta, como Hamtaro, un hámster que, cuando su dueña se iba a la escuela, se reunía con otros de su especie a jugar; o Doraemon, un gato robot que proviene del futuro y que está decidido en ayudar a un niño, Nobita, mediante inventos futuristas, para que él sea cada vez mejor como persona, pero no siempre usa bien lo que su amigo gatuno le da, creando problemas (como sucede con Timmy de los Padrinos Mágicos al pedir deseos y que después debe encontrar la forma de revertir sus malas decisiones.)

Otros kodomo muy reconocidos son Pokémon y Digimon, ambas con monstruos que formaron parte de la infancia de muchos, y Yokai Watch, que es la más "reciente" para los que hace pocos años empezaron a gustarle o adentrarse más en el mundo del manga y del anime, cuyos protagonistas son monstruos que representan el folklore japonés, así como del budismo y del sintoísmo,

Hay demasiadas obras en que los niños son protagonistas, pero eso no significa que deban ser leídos o vistos por ellos, como el caso de Yakusoku no Neverland o Crayon Shin-chan (que nos muestra a Shin, un pequeño de 5 años pervertido, desvergonzado con sus padres y... como sea, no es para nada un ejemplo a seguir, y la trama tiene un humor negro y mucha sátira hacia la sociedad japonesa), que son destinados a un público un poco más adulto por la complejidad y el impacto que produce en los lectores con un poco más de edad el ver infantes bajo ciertos contextos. En cambio, tenemos los manga que sí son para niños con personajes adorables y que disfrutan de aventuras y batallas, pero todo bien cuidado para evitarles traumas. 

La visión que nos da el manga y el anime sobre un individuo, en este caso los niños, puede ser tan vasta y diversa y esto es justo lo que convierte a estas expresiones artísticas en una paleta de colores infinitos que nos sorprende cada día.

Les comparto el opening de Yakusoku no Neverland:

@YukiVongola

Banana Fish: pandillas de NY y amor ágape

¿Qué es lo primero que piensan al oír la palabra "banana fish"? Lean y lo averiguarán.

Banana Fish, de la mangaka Akimi Yoshida, nos muestra un mundo podrido en que los poderosos, mafiosos, políticos, mercenarios y el ejército manipulan a las masas mediante experimentos sociales y bioquímicos, además del control de los medios de comunicación, y obtienen lo que quieren sin importar a quienes dañan en el proceso. Pese que este manga aborda crudos temas tenemos a Ash (juguete sexual del hampa neoyorquino) y a Eiji (un japonés ingenuo y de corazón puro), dos chicos que provienen de realidades diferentes, pero que se comprenden y apoyan al grado de construir una amistad sincera y profunda. Ambos luchan por alcanzar su libertad sin importar el camino tortuoso que deban recorrer.

Ambientada en los años ochenta, seguimos a Ash Lynx, un joven de diecisiete años que es líder de una pandilla en Nueva York, unida a la mafia. Debido a su apariencia llamativa, esos ojos color jade y esa figura y mirada tan elegante y peligrosa a la vez, fue lo que le interesó al jefe de la mafia Dino Golzine quien, cuando Ash era un niño de siete años, éste se lo lleva a su mansión y se convierte en su esclavo sexual, no sólo siendo abusado por él, sino por todo un desfile de personajes importantes dentro del gobierno estadounidense. Su inteligencia y habilidades innatas fueron aún más desarrolladas con la educación y entrenamiento en combate cuerpo a cuerpo y con armas que recibía por parte de su verdugo. Para él, ser un pandillero es sólo una forma desagradable para sobrevivir, puesto que escapar de las manos de Golzine, quien ve en Ash el heredero de su fortuna y negocios, le es imposible.

Otra de las penas con las que Ash tiene que vivir es que Griffin, su hermano, estando en la Guerra de Vietnam, es atacado por uno de sus compañeros, quien parece estar bajo el efecto de algún narcótico. De todos los compañeros, sólo Griffin y un amigo son los únicos que regresan a casa, mas el hermano de Ash queda en un estado casi vegetativo, traumado ante las escenas que vivió. La única respuesta que su cuerpo da es murmurar "banana fish". 

Así, un día que Ash va caminando por los callejones neoyorquinos, se encuentra con un tipo malherido que le da un frasco con una sustancia y un papel con una dirección en Los Ángeles y, antes de morir, dice "banana fish". El joven pandillero sabe que si va a ese lugar, descubrirá más sobre lo que le sucedió a su hermano, aún si eso significa ser perseguido por Golzine.

Por otro lado, Ibe, un periodista y fotógrafo japonés, va acompañado por un chico japonés, Eiji Okumura. Ambos van a un bar, donde Ibe había concertado una cita con Ash Lynx, ya que estaba trabajando en un reporte especial sobre las pandillas de New York. A pesar de que las personalidades de Ash y Eiji son distintas, desarrollaron una empatía especial, uno siempre lucha por sobrevivir, mientras que el nipón vive sumergido en su inocencia y desconoce por completo el mundo del pandillero.

Si continúo, les arruinaría la historia, sólo les diré que más personajes se unen a lo largo de los diecinueve tomos del manga, para averiguar los efectos de banana fish, una poderosa droga utilizada para el control mental de las altas esferas del gobierno estadounidense.

Esta obra ochentera revela cómo las acciones criminales de la mafia como la pornografía infantil, distribución de drogas y homicidios  repercuten en distintos niveles económicos, políticos y sociales.

A pesar del contenido violento, el manga se enfocó al publico femenino (shoujo), aunque por lo oscuro de la historia de Banana Fish rápidamente se volvió popular entre los hombres. 

Un aspecto importante de la trama es la relación que existe entre Ash y Eiji. El manga al no ser de género yaoi, no muestra una relación homosexual. Pese a tener experiencias totalmente opuestas, desarrollan una amistad verdadera, de esas que no todos son afortunados de tener en sus vidas. Sacrificarte por una persona de la que no se espera nada a cambio, sólo su compañía y comprensión, un simple abrazo cuando el mundo se desmorona. Ash, ante todo lo que ha pasado, ve en Eiji una fuerza que lo impulsa a querer su libertad, de aquella que Golzine le arrebató, y vivir como un simple chico de su edad.

Quizá más que amistad era amor, pero ese amor del tipo ágape, de aquel puro e inocente que espiritualmente tranquiliza tu alma. 

El año pasado, se adaptó al anime Banana Fish con veinticuatro episodios. Confesaré que los jueves en la noche tras observar los capítulos nuevos terminaba con un revoltijo de emociones, alegría, ternura, odio, tristeza e indignación. Así de intensa es su intriga narrativa. 

Para la adaptación, el estudio de animación optó por ambientar la historia en la época actual, por lo que la ropa y tecnología fueron modificadas. Hablando del diseño, Ash Lynx está basado en un principio en Stefan Edberg (tenista sueco famoso en los ochenta), pero la mayor inspiración está en River Phoenix, joven actor estadounidense que durante esos años fue una gran promesa en la actuación hasta que falleció a la corta edad de veintitrés años por una sobredosis ocurrida en The Viper Room, club nocturno hollywoodense del cual Johnny Depp era, y es, copropietario. Debido a la tormentosa infancia de River (hermano del también actor Joaquin Phoenix), podemos entender por qué Akimi Yoshida lo escogió como modelo de Ash.

Los openings y endings de la serie nos reflejan lo que Ash Lynx siente sobre su existencia y cómo quiere hacer aunque sea una cosa que vaya en contra de cómo el mundo ha decidido ver su vida, sin importar el final que él mismo pueda tener.

Como un homenaje a la literatura estadounidense, el anime introdujo easter eggs que hacen referencia a cuentos y novelas de escritores de la Generación Perdida. Entre estos, tenemos Un día perfecto para el pez banana, y El guardián entre el centeno, de J.D. Salinger;  Al otro lado del río, Las nieves del Kilimanjaro y El jardín del Edén, de Ernest Hemingway; A este lado del paraíso y Mi ciudad perdida, de F. Scott Fitzgerald; Mientras agonizo, de William Faulkner, y De la muerte a la mañana, de Thomas Wolfe. 

Uno creería que nada tiene que ver el título de una novela con el contenido del capítulo, pero si leemos estas obras literarias y vemos Banana Fish, encontraremos un significado más profundo y complejo de las acciones de los personajes y de la situación bajo la que son presas. Una segunda o tercera lectura interesante que nos ofrece esta obra de estos autores que reflejan los excesos, crueldad, desesperanza, existencialismo, así como una pequeña esperanza que reside en la maldad que el ser humano demuestra sin ningún reparo.

Es difícil superar la trama y la complejidad de los personajes, y tras verla, todos desearán tener una persona cuya alma esté siempre a nuestro lado, una amistad que nos motive y ayude a ser mejores y que perdure sin importar nada. 

Les comparto el tráiler del anime:

@YukiVongola  

Anime Music Live: Festival de anime en la CDMX

La primer edición del festival de música nipona, llamada Anime Music Live, reunió el pasado 13 de octubre a cuatro artistas que son reconocidos por interpretar los opening y ending de varios anime populares de los recientes años, tales como las sagas de Sword Art Online y Fate/Stay: Luna Haruna, Mashiro Ayano y el dúo Garnidelia.

A las siete de la noche, el recinto en que se llevó a cabo este evento se llenó de jóvenes seguidores del anime quienes esperaban con ansias la presencia de estas celebridades, sorprendiendo por cantar juntas la primera canción de la noche y acompañadas por una pantalla atrás de ellas que mostraba videos relacionados al anime cuyo tema estaban interpretando, siendo ésta Puella Magi Madoka Magi, la cual se volvió popular hace algunos años por mostrar una faceta más oscura en cuanto al género de chicas mágicas.

Una vez que terminó la canción, se quedó en el escenario Mashiro Ayano, quien deleitó a los fans con "Vanilla Sky", usada para la animación de Gunsliger Stratos (que trata sobre un grupo de amigos pistoleros que tienen misiones a través del universo), así como "Starry", de Grancrest Senki (que mezcla la magia con la caballería en un ambiente feudal). La cantante, tras saludar en japonés y agradecer en español, comentó que cantaría una de sus melodías favoritas: "Lotus Pain", que fue el ending de D.Gray-man Hollow, cuya historia se enfoca en exorcistas que buscan eliminar a los akuma, seres que se apoderan de la desesperación de las personas.

Al salir Mashiro, como posteriormente se haría con los otros artistas, la pantalla al fondo del recinto reproducía videos de eventos similares al Anime Music Live en Japón, dando a conocer al público asistente la popularidad que poseen estos eventos masivos en que varios grupos musicales interpretan aquellas canciones que, muchas veces, los pone en la mira de los fanáticos tras ver un anime. 

La siguiente artista fue la idol Luna Haruna. Cantó "Kimi-iro signal" y "Stella Breeze", ambos usados para Saekano. "Momoiro Typhoon", de la animación Yuragi-sō no Yūna-san, y "Sora wa takaku kaze wa utau", de Fate/Zero, fueron otras de las melodías que resonaron por todo el lugar.

El último en aparecer fue el dueto llamado Garnidelia, compuesto por Maria (vocalista) y Toku (compositor y arreglista). El ambiente cambió bastante con ellos, debido que sólo en este acto hubo presencia de instrumentos musicales con el sintetizador de Toku, así como la presencia de dos bailarinas que armonizaban el canto y movimientos de Maria. Debido a que tocan rock electrónico, el ritmo musical se modificó por completo con canciones como "Grilleto", del anime sobre estudiantes de la escuela de magia Mahōka Kōkō no Rettōsei; "Blazing", de la serie de mechas (robots piloteados) Gundam Reconguista in G; y "Desir", de la saga Fate/Apocrypha. El dueto dedicó más palabras en español al público, pero fue el compositor el que causó mucha emoción, ya que se trabó dos veces al querer decir: "¿Se están divirtiendo?", y  "¿se la están pasando chingón?".

Posterior a la presentación del dúo, varias colaboraciones musicales continuaron, siendo la más especial la realizada entre las mujeres con "Overfly", originaria de Luna, y que fue el segundo ending de Sword Art Online, serie popular por manejar el mundo de la realidad virtual. Al final del concierto, los cuatro artistas agradecieron sonrientes al público.

Esperemos que este festival tenga más ediciones en nuestro país y que incluya tanto a idols, como grupos de pop, rock y visual-kei que han tenido varios trabajos dentro de la industria del anime.

@YukiVongola

Scandal: rockanroleras japonesas en la CDMX

El grupo J-Rock femenino, Scandal, pisó por segunda vez nuestro país en su Special Thanks US & Mexico Tour 2018, siendo ésta la última fecha de su tour, ofreciendo un concierto inolvidable el 14 de septiembre en el Plaza Condesa, lugar que se llenó de luces y gritos que clamaban tan ansioso encuentro musical, como sucedió en su primera visita en el 2015. 

Minutos después de las ocho de la noche, Haruna (vocalista principal y guitarrista), Mami (guitarrista), Tomomi (bajo y vocalista), y Rina (baterista) aparecieron dando saltos en el escenario con banderas de México sobre sus hombros, encendiendo los ánimos de los fans. Tomaron sus instrumentos y tocaron las primeras notas musicales del concierto, prendieron aún más al público con la canción "Shunkan Sentimental", tema que fue el cuarto ending del anime Full Metal Alchemist Brotherhood y por el cual lograron que la gente volteara a oír su música. A ésta le siguió "Awanai Tsumori no, Genki de ne", manteniendo su ritmo de arranque al máximo.

Las cuatro chicas se consolidan como grandes exponentes del rock en Japón, por la calidad de sus letras y la armonía musical, en que todas contribuyen con sus instrumentos y voces. Además, el juego de tonos contrastantes que Haruna y Tomomi tienen en sus canciones logran que sus creaciones melódicas sean movidas, alegres y que resuenen al máximo el rock, con toques de punk y una pizca de pop. Sus temas se enfocan en la juventud (inseguridades, sueños a seguir, amor y amistad). En sus inicios, el grupo vestía uniformes escolares durante sus videos musicales y conciertos, lo que se volvió su distintivo, puesto que eran estudiantes de secundaria en ese entonces.

A propósito de este detalle, hay que mencionar de dónde proviene el nombre de la banda. En el 2006, año en que ésta se formó, las chicas grababan sus primeras canciones en un viejo estudio en la ciudad de Osaka, el cual estaba lleno de sex shops, entre los que se encontraba uno llamado "Scandal", cuyo nombre les gustó para denominar su naciente grupo. 

La melodía "Scandal baby" es prueba de este estilo que las ha hecho muy populares y uno de los grupos femeninos más reconocidos en Japón. "Platform Syndrome" y "Over", de su reciente álbum Honey, así como "Freedom Fighters" resonaron por todo el recinto, con sus fans moviendo sus brazos y cabezas al compás de éstas.

"Departure", es una canción que, al decir de ellas en el pasado concierto en México, es muy importante por su significado y lo que conllevó al momento de grabar el tema en estudio, puesto que se acompañó con violines. Trata sobre lo frágil y hermoso que son los pétalos de cerezo, los cuales sirven de analogía de las despedidas y encuentros entre las personas. Por ello, no era de extrañarse que sus seguidores corearan la canción y gritaran al escucharla una vez más en vivo.

Tras tocar "Morning Sun", hicieron una pausa. Haruna comentó en español que sabían que el día de mañana (15 de septiembre) se celebra el Día de la Independencia. Al decir esto, las luces que iluminaban el escenario se tornaron de colores verde, blanco y rojo. La vocalista gritó: "¡Viva México!", a lo que el público contestó con "¡Viva!". El coro se realizó tres veces. Luego, Haruna exclamó: "Viva, Scandal", lo que fue contestado de igual manera por sus seguidores. Tras esto, la joven dijo: "Disfruten de la vida", dedicándonos la canción "Sisters". 

Cuando parecía que "Take me out" y "Love Survive" serían las canciones que terminarían exitosamente la velada con Scandal, tras gritar a todo pulmón que regresaran de nuevo al escenario y se expresaba el amor de sus fans hacia ellas, por fin salieron, con un cambio de ropa que consistía en la playera oficial del tour.

La vocalista mencionó que cuando vinieron hace tres años, la energía de parte de sus seguidores era muy impresionante, pero que esta vez ese poder se había incrementado, lo cual les alegraba por el alcance que ha tenido su música en nuestro país. Una vez dicho eso, reventaron más burbujas rockeras con "Shoujo S", canción que se usó como el décimo opening de Bleach, la cual fue su primera participación en el ámbito del anime. La canción fue perfecta para que cada una de ellas hiciera un solo y se luciera más de lo que ya lo habían hecho en la velada. Su última interpretación fue "Doll", una de sus melodías más populares. 

Con estas interpretaciones Scandal (que, aunque no lo parezcan, las integrantes rondan los treinta años), la noche fue espectacular, llena de color, con los fans felices de que hayan vuelto a nuestro país y agradecieran por el apoyo recibido, prometiendo que regresarán para volver a rockear juntos.



Les comparto el video musical de "Shunkan Sentimental":

@YukiVongola

Tokyo Magnitud 8.0: el terror del terremoto

Han pasado algunos días desde que el sismo de magnitud 8.2, en escala de Richter, asustó al pueblo mexicano, sobre todo en los estados de Chiapas y Oaxaca, recordando la sombra de aquél que hubo en 1985, y con el temor de que un próximo terremoto vuelva a azotarnos en un tiempo próximo.

Con las muertes y daños que se han sufrido, sólo se puede pensar en algo, ¿no se pueden prevenir los embates de la naturaleza? Si bien hay expertos que afirman que hay señales de advertencia y otros niegan que se puedan evitar, lo cierto es que sí existen medidas que pueden reducir los estragos de estos desastres naturales.

Tokyo Magnitud 8.0, historia del 2009 original de los Estudios Bones y Kinema Citrus, fue realizada con el propósito de que los japoneses, aunque bien ahora podría sernos útil en México, tengan consciencia sobre el peligro que representan los sismos y qué hacer durante y después de que estos ocurran.

El anime está basado en estudios científicos sobre el fenómeno sismológico, el cual es muy recurrente en Japón, y tuvo como propósito dar a conocer a la población los resultados de una investigación que concluía que en dos años después de su estreno, para el 2011, un fuerte terremoto sacudiría a este país. Y, efectivamente, así sucedió, con una magnitud de 9.0 y un tsunami, además.

Regresando a la historia del anime, todo sucede un día de verano en que Miari, una adolescente hastiada por la mala relación con sus padres, se ve obligada a acompañar a su hermano menor, Yuuki, a una exposición de robots en Odaiba. Cuando a ella le da un brote de ira respecto a su propia vida, desea que ojalá el mundo se destruyera, y como lo desea así sucede.

El icónico Puente Arcoiris en Odaiba se derrumba bajo el mar, matando del impacto a los conductores; la Torre  de Tokyo cae sobre los turistas y trabajadores de cuello blanco que pasan por ahí, así como de los grandes edificios de la metrópolis; todo retumba, se mueve, es destruido y los gritos de dolor y confusión resuenan por todas partes. Estos momentos se ven bastante realistas gracias al trabajo en la animación, ya que, a momentos, pareciera que estamos presenciándolo.

Miari, al encontrarse frente la catástrofe, piensa sobre su deseo que, para ella, fue causante de todo lo que ve. Pierde de vista a su hermano, quien desaparece tras el pánico del movimiento agresivo de las placas tectónicas, y comienzan a vagar para regresar a su casa en Setagaya que, si bien está a tres horas caminando, las ruinas de la ciudad y las réplicas del sismo dificultan el camino.

Con la ayuda de Mari, una chica que está preocupada por su bebé y sus padres que están en otra ciudad, los dos niños ven un poco más de esperanza en su paisaje desolador, en que no sólo vasta el desastre de la naturaleza sino el egoísmo de los propios humanos por aprovecharse de la situación para dañar a otras personas, en vez de unirse ante tal crisis.

El anime tiene moralejas sobre lo que debe ser importante para nosotros: nos quejamos de asuntos superficiales y banales, pero en una situación de inestabilidad debemos revalorar nuestras vidas; los segundos son vitales en estas circunstancias, y tomar o no una decisión puede cambiar nuestra vida en un instante. Como podrán darse cuenta, la historia es trágica y muy triste, como pueden serlo estos eventos.

Los japoneses toman en serio los simulacros que se efectúan con regularidad y, pese su cultura en prevención de terremotos y tsunamis, la cifra en el 2011 de muertos superó los veinte mil, debido al poder destructivo del movimiento trepidatorio y las grandes olas de más de diez metros de altura; en el sismo de México en 1985, de 8.1 grados, se combinó éste con el tipo oscilatorio, teniendo como resultado doce mil muertos, aproximadamente. Hasta el momento de escribir esta columna, el terremoto registrado el primer jueves de septiembre del presente año, de tipo oscilatorio y con una fuerza de 8.2, ha dejado cerca de cien bajas humanas.

Creo que varias señales existieron sobre desastres y eventos naturales que ahora nos aquejan en varias partes del mundo (curiosamente la mayoría en América), y eso debería ser una alerta para tomar medidas adecuadas que logren evitar que más vidas perezcan ante la fuerza de la naturaleza, y Tokyo Magnitud 8.0 es una buena opción para dejar de tomar en broma los simulacros o de restarle importancia a lo sucedido en estos días e, incluso, al fantasma del ´85.

De verdad espero no tener que vivir una situación tan extrema como la representada en este anime, o la experiencia de lo ocurrido en el 2011, o la que vivieron nuestros padres y abuelos en nuestro país.

Les comparto el opening de la serie:

@YukiVongola

¡Ésa es mi voz!: Actores de doblaje

El doblaje para los amantes del anime, sobre todo en su boom durante las décadas de los ochenta y noventa en México, es motivo de culto y de gran nostalgia ahora que muchos son adultos.

Para aquellos que vimos anime en esos años, recordar las frases: "¡Dame tu fuerza, Pegaso!", con la voz de Jesús Barrero, u "¡Hola, soy Goku!", dicho por Mario Castañeda, o "¡Carta Clow, libérate!", gritado por Cristina Hernández, o "Pikachu, yo te elijo", de Gabriel Ramos, nos remontan a nuestra infancia y, con sólo escucharlas, ligamos más voces a más personajes que marcaron parte de nuestras vidas.

Su calidad es tal que, incluso, los actores de voz japoneses reconocen el trabajo de los mexicanos, tal como le sucedió a Enzo Fortuny al dar vida a Inuyasha, quien fue felicitado por Kappei Yamaguchi por darle más personalidad al personaje; pero, en algunos casos, la preferencia por los doblajes se da debido al timbre de la voz, tal como sucede con Goku, cuya voz japonesa no es del agrado de todos cuando tenemos más en nuestra mente la de Mario Castañeda.

Incluso, los opening y ending interpretados en español por Ricardo Silva, Adrián Barba, Mauren o César Franco, entre otros, eran realmente buenos, adaptando e interpretando las letras japonesas, y sus versiones en inglés, para tener como resultado canciones que, hoy en día, los fans de estos animes cantan a todo pulmón; si bien, cuando yo las escucho en japonés y subtitulada las letras son igual de hermosas, no me produce la misma sensación que oírlas en español, por ejemplo, "Butter-fly", de Digimon.

El impacto de estos actores y cantantes es tal que, cuando se presentan en convenciones de anime o dan conferencias, muchos fanáticos se reúnen a verlos y escucharlos, disfrutando pláticas de personas humildes y amables que aman su trabajo, que no siempre es muy bien remunerado.

Se cree que el ser actor de voz es algo fácil, que sólo hay que sincronizar la voz con el movimiento de las voces, pero va más allá: ellos estudian actuación y después se especializan en el doblaje; ellos se dedican a transmitir y producir sensaciones y emociones con su voz, además de ser diestros en los escenarios teatrales por sus gestos y fuerza vocal; esto no es sencillo, ya que la mayoría de actores hacen televisión o películas, trabajo que es diferente.

Por ello, me resulta molesto que actores famosillos que no tienen la preparación para hacer doblaje sean quienes últimamente se llevan estos papeles en películas animadas, dejando de lado a quienes sí lo saben hacer. Esta situación es diferente en los actores ingleses o estadounidenses, ya que, como comentó en una entrevista Rossy Aguirre (Akane Tendo en Ranma 1/2), su preparación en el arte de la actuación abarca todos sus tipos, por lo que tienen mayor idea al respecto; por tanto, oír a Tom Hanks dándole vida a Woody en Toy Story es excelente.

Si bien, últimamente hay muchas críticas al doblaje mexicano, hay que recordar que es un trabajo exigente y que los actores hacen lo mejor en la adaptación de las películas, series y anime en nuestra lengua; sobre todo, me quedo con aquellas voces que se grabaron en mi mente y en mi corazón por darle mayores matices a varios personajes, que en su idioma original no siempre se les da, y que son más entrañables para nosotros por el simple hecho de escucharlos con los actores de voz que son ya clásicos para los fans del anime en México.

Comparto con ustedes un video en que podemos ver a Mario Castañeda y René García doblando en vivo escenas de Dragon Ball Z, durante la Feria Internacional del Libro del Instituto Politécnico Nacional:

@YukiVongola

Full Metal Alchemist: "tienes piernas, así que camina"

Con el lamentable acontecimiento de la muerte de Jesús Aranda, mi padre, varias memorias flotan en mi mente para reconfortar un poco esa pérdida tan grande. Entre ellas, lo significativo y especial que es para mí Full Metal Alchemist, manga de Hiromu Arakawa, por lo que he aprendido de éste y empleado en situaciones difíciles en mi vida diaria.

Dos hermanos, Edward y Alphonse Elric, pierden a su madre. Interesados por la alquimia, ambos niños estudian mucho para tener el poder suficiente para romper el tabú dentro de ésta: la transmutación humana. Dejando de lado las enseñanzas de su maestra, ellos deciden revivir a su madre, sin saber que para obtener algo deben dar otra cosa a cambio de igual o mayor valor, siendo los sacrificios el brazo derecho y pierna izquierda de Edward y el cuerpo de Alphonse, del cual el hermano mayor logra atar su alma a una armadura.

De nada sirvió aquello, ya que lo que resultó de esa transmutación fue un ser amorfo que no tenía nada de parecido con su madre. Tras unos meses en que ambos niños tenían sus ojos sin brillo, Edward decide seguir adelante para encontrar una forma de regresarle el cuerpo a su hermano, para lo cual, su primer paso es someterse a una cirugía para que le pongan prótesis, y, segundo, convertirse en un alquimista estatal, ya que trabajar para el gobierno le facilitaría el acceso sobre diferentes tipos de alquimia que pudieran ayudar a que ambos recuperaran su cuerpo, incluso, poseer información valiosa sobre la mítica piedra filosofal.

No obstante, el tener acceso sobre archivos secretos complicaría los objetivos de los Elric, al descubrir un complot entre seres misteriosos, los homúnculos, y el mismo gobierno dictatorial del Führer King Bradley.

¿Cómo esta historia puede ayudarme a afrontar el difícil momento que estoy viviendo? Reconocer la pérdida de un ser amado puede llevar a pensamientos y acciones raras, y, aunque se cometan errores bajo la presión que la muerte nos deja a los vivos, hay que continuar nuestro camino, ya que somos herencia de aquellos que nos amaron y cuidaron, y no es una opción rendirse ante el dolor y la soledad.

Una frase que caló dentro de mí desde hace años es una que Edward repite, primero, cuando se recupera del shock de la transmutación humana y, después, con personajes que se encuentran desesperados, y que es muy cierta: "Tienes piernas, así que camina." Es decir, mientras tengas vida hay que seguir adelante, pese a los tropiezos y vuelcos en ese camino; podemos perder padres, amigos, brazos, piernas, pero siempre hay una forma de avanzar y tomar ese dolor como parte de la vida, sanando poco a poco.

Full Metal Alchemist (FMA), aparte de ser el mejor manga que he leído por su desarrollo de personajes e historia, significa para mí mucho más, porque vi la segunda adaptación del anime, Full Metal Alchemist Brotherhood, junto con mi papá, y él sabía que ciertas ideas y principios que actualmente tengo las asimilé de esta obra en una etapa anterior de mi vida que fue también difícil, por lo que, honestamente, no sería la misma persona hoy, puesto que se mezcló con la educación y sabiduría que mi padre me dio siempre.

Creo que este mensaje es de los más importantes que tiene FMA, afrontar y vivir, como recuerdo de aquellos seres queridos que perdimos, y no quedarnos inmóviles autocompadeciéndonos de nuestro sufrimiento, sino caminar apoyados de personas que nos mantengan a flote y buscar un nuevo sentido a la vida que, gracias a otros, conservamos.

Quizá pareciera que me explayo de más, pero no podría soportar lo que actualmente vivo de no ser por los pensamientos que FMA expresa en sus páginas, y seguir adelante con la frente en alto, y con el objetivo de seguir dando lo mejor de mí y cumplir mis sueños para que mi padre siga orgulloso de mí, donde quiera que esté.

Como dice Edward: "Una lección sin dolor no tiene sentido. Eso es porque no se puede ganar algo sin sacrificar algo a cambio. Sin embargo, una vez que hayas soportado el dolor y lo hayas superado, ganarás un corazón que es más fuerte que todo lo demás. Así es, un corazón de acero."

Les comparto el primer opening de Full Metal Alchemist Brotherhood:

@YukiVongola

Kuroshitsuji: el mayordomo que es un demonio

Las historias sobre pactos de humanos con seres sobrenaturales, como demonios, no son tan nuevas, pero es diferente cuando el involucrado es un niño; ya con la novela Fausto, de Goethe, se abre un camino sobre estos temas, cuyo resultado es la pérdida de algún anhelo o el alma. 

Yana Toboso, la mangaka responsable de Kuroshitsuji, retoma el pacto con el demonio pero, al contrario de otras historias donde una persona adulta que ha sufrido a lo largo de su vida es tentada a realizarlo, es Ciel, que contaba con doce años.

¿Qué puede motivar a un niño a vender su alma? La venganza, naturalmente. Los padres de Ciel eran aristócratas, con el título de condes, eran dueños de la Compañía Funtom, dedicada al público infantil, y cercanos a las grandes esferas de la Inglaterra victoriana. incluyendo a la misma reina. Ciel era un niño normal, muy alegre, hasta que sus padres mueren en un asesinato disfrazado de accidente incendiario en su mansión.

Como ésta queda reducida a nada, se da por sentado que toda la familia Phantomhive murió, pero sólo Ciel sobrevivió para después ser vendido en el mercado negro como esclavo en un culto satánico, donde le hacen una marca al rojo vivo, la marca de la bestia, que representaba al culto en cuestión. Tras meses de todo tipo de tortura, Ciel pierde toda esperanza y nace en él un gran odio hacia sus captores; es en ése momento en que una voz le ofrece un trato: si él le ayuda en su venganza sobre aquellos que lo lastimaron a él y a su familia, él le dará su alma.

Meses más tarde, el joven Ciel, con ya doce años, reaparece en la aristocracia, sorprendiendo a todos que lo daban por muerto, además que su apariencia es extraña: un parche en su ojo derecho cubre el sello del contrato hecho con el demonio. Acompañado de un mayordomo llamado Sebastian, que es la figura y nombre que adopta el demonio, y de otros sirvientes, escogidos por Sebastian, reconstruye su mansión y pone de nuevo en operación la compañía, ahora como el conde Ciel Phantomhive. El demonio es perfecto, no sólo por su bella apariencia, sino porque es un mayordomo excelente que hace las cosas al instante.

Ciel hereda el título de "el perro de la reina", de su padre, lo cual implica investigar misteriosos asesinatos y desapariciones, tales como el caso de Jack "El Destripador", en que aparecen personajes importantes: el oficial de Scotlan Yard Frederick Abberline, que en la vida real fue el detective a cargo del caso de Jack; y, la presencia de los shinigami, dioses de la muerte, cuyo término lo retoman del japonés, pero los métodos de tomar almas nos recuerdan a la Muerte con una guadaña.

La primera temporada introduce a los personajes importantes, como a la reina Victoria, y situaciones que nos dan más datos sobre Ciel y del mismo Sebastian; con un final alternativo, ya que el manga aún no termina, dejó gustosos a muchos, por lo que una segunda temporada salió, pero con una trama original, es decir, no se basaba en el manga.

En ésta, Alois Trancy, un chico de trece años, junto con su mayordomo también demonio, Claude, son los antagonistas. Alois no es muy diferente a Ciel: poco después de su nacimiento es robado y vendido como esclavo. Pocos años después, el conde Alois Trancy, un viejo raboverde, lleva a Jim (verdadero nombre del chico) a su mansión. Cuando Jim empieza a manipularlo, así como a otros más adultos, a través del deseo pederasta del tipo, lo asesina para quedarse con sus riquezas, y se queda con su nombre. El ahora Alois busca matar a Sebastian, y por consiguiente a Ciel, ya que piensa que él fue el responsable de la muerte de su familia.

Sin embargo, la mejor temporada es la tercera, denominada Book of circus, basada en ese arco argumental del manga. Aunque es otra temporada, ésta inicia sin tomar en cuenta, por lo menos, la primera, manifestándose desde cero los personajes; además que tiene escenas más explícitas y crueles.

La trama principal es la investigación que la reina le encarga a Ciel sobre desapariciones de niños y la sospecha de que los miembros de un circo son los responsables. Tras infiltrarse amo y mayordomo en él, descubren la verdad: un viejo amigo del padre de Ciel, obsesionado con él, raptaba niños a través de las habilidades de los cirqueros, estilo El Flautista de Hamelin, usándolos como esclavos y sujetos de torturas; pero lo peor del asunto está cuando nos damos cuenta de que las prótesis de los chicos del circo estaban hechos del polvo de los huesos de los niños raptados.

Tras una serie de hechos, Sebastian se sorprende de lo inhumano del ser humano, y cómo, aunque él sea un demonio que está en busca de almas por devorar, sus actos lo hacen menos demonio en comparación por lo hecho por los humanos entre ellos mismos, lleno de crueldad.

Si algo hace reflexionar la serie es sobre el verdadero mal, que siempre es humano, y si bien una fuerza mágica, mística o demoníaca puede ser una gran herramienta, el único que la emplea es el hombre con su raciocinio, con el objeto de hacer sufrir a otros para satisfacer sus instintos y su misma naturaleza destructiva. Y si eso lo hace un adulto, un niño que lo piense y lo haga nos dice mucho sobre su contexto que lo llevó a tal extremo, incluso en nuestra realidad esto sucede.

Como dice Sebastian al final de Book of circus:

 "Tienen una crueldad y una compleja maldad diferente a la de los demonios, mienten y se resisten con todas sus fuerzas. Pisotean a los demás, roban y les roban, no paran de repetir excusas y, aún así, intentan llegar más allá de la colina. Por eso los humanos... son tan interesantes."

Les comparto los tres openings de las tres temporadas:

@YukiVongola