Fallece Atsushi Sakurai, vocalista del grupo jrock Buck-Tick

Atsushi Sakurai, el vocalista del grupo visual y rock japonés Buck-Tick, falleció a los 57 años tras una hemorragia cerebral. 

Su muerte ocurrió el 19 de octubre, después de que sufrió un desmayo durante un concierto en el recinto KT Zepp Yokohama, por lo cual fue trasladado a un hospital donde horas más tarde perdería la vida. El anuncio oficial fue hoy, luego de realizar un funeral privado con la presencia de familiares.

Sakurai, cuya voz grave matizaba los acordes musicales del estilo de la banda creada en 1983 (bajo el nombre Hinan Go-Go, el cual sería cambiado al nombre actual en 1984), que variaba entre rock alternativo, rock gótico, post-punk británico, entre otros, fue uno de los artistas que influyó en otros de su generación como Kiyoharu, MUCC o Dir en Grey. 

Canciones emblemáticas de la agrupación como “Kuchizuke”, “Taboo”, “Ai no uta” o “Aku no hana” los pusieron en el foco de la atención del público japonés y de personas de otras partes del mundo, por la melancolía, la expresión de sentimientos y emociones profundas y dolorosas que se expresaban en sus letras, aunado al poder vocal de Atsushi, quien además era compositor. Además, su vestimenta, ligada a la corriente nipona denominada visual kei, hicieron que se volviera una de las mejores y legendarias bandas de su género.

“Gessekai” (Nightwalker), “Dress” (Trinity Blood), “Kagerou” (xxxHolic), la ya mencionada “Kuchizuke” y “Gekka Reijin” (Shiki) y “RONDO” (GeGeGe no Kitarou) fueron algunos de sus temas que sirvieron para openings y endings de varios animes de género de misterio y terror, muy apegado a lo que Buck-Tick representaba en sus melodías.

Su partida quedó enmarcada en el 35 aniversario de Buck-Tick y con 23 álbumes. En 2004, Atsushi emprendió una carrera en solitario, siempre en paralelo con su banda principal, en la cual canciones como "SACRIFICE", "Wakusei -Rebirth-" reafirmaron su talento. Incursionó también en la actuación.

Un hombre que hizo lo que más amaba hasta su último día en este lado terrenal se fue con un gran legado musical.

@YukiVongola

Anuncian Dragon Ball Daima: el regreso de Goku niño

Goku regresa cinco años de su última aparición en la pantalla chica con Dragon Ball: Daima, el nuevo anime de la franquicia que lo traerá de nuevo en su forma de niño mientras recorre el espacio en busca de una solución para volver a ser adulto, en el marco de los festejos por el 40 aniversario del manga.

Con esta idea que recuerda sobremanera a Dragon Ball GT, odiada por muchos y amada por otros tantos, el saiyajin, así como el resto de los personajes, es convertido en su versión de niños por el deseo a las esferas del dragón de un ser maligno, que parece que usa magia. Tras esto, Goku y el Supremo Kaiosama tendrán la misión de buscarlo en los confines del universo para que los regrese a la normalidad. Como dato curioso, "Daima" hace alusión a lo malvado y demoniaco, tal como se le conocía antes a Piccoro Daimaku.

Akira Toriyama está involucrado por completo en el proyecto, por lo que, a diferencia de GT en que reconoció el trabajo pero nunca participó en él, sí se puede considerar que Daima es una obra canon. De hecho, se espera que el nuevo anime converja en algún punto con la historia de Dragon Ball Super (DBS), de la cual Toriyama colabora en el guión junto con Toyotaro, quien se dedica en mayor parte al dibujo.

Muchos esperábamos que la nueva animación fuera la continuación de la saga del Torneo de Poder de DBS (capítulo que incluso fue proyectado en plazas públicas de México ante la expectación de la pelea de Goku y Jiren por la sobrevivencia de su universo). Éste se enfoca en personajes nuevos como Granola, Moro y en el regreso del planeta Namek y de sus habitantes; es uno de los arcos argumentales que retoma la violencia que se veía en Dragon Ball Z. al menos se está retomando esta importante figura del estudio de animación Toei.

De hecho, al ser Dragon Ball uno de sus pilares, es posible que el próximo año se anuncie algo más relativo a DBS, en especial por el importante año que representa 2024. 

Se espera que haya más noticias sobre el estreno Dragon Ball: Daima en enero del próximo año, para ser lanzada en la televisión japonesa en otoño. 

En definitiva, el ver el cómo se desarrolla la trama para que la serie no tenga los desatinos de GT será interesante, así como la conexión que pueda tener con el manga actual que narra las historias de Goku. 

@YukiVongola

Arde el cosmos en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience II"

El cosmos de unos 14 mil guerreros de la diosa Atena ardió como uno solo en el concierto "Pegasus Fantasy: A Symphonic Experience" que recopiló temas icónicos de la exitosa y legendaria obra de Masami Kurumada, Los Caballeros del Zodiaco, en la Arena Ciudad de México, el sábado 23 de septiembre. 

La segunda edición de este proyecto musical contó con dos de los cantantes originales de los openings y endings del anime ochentero, Nobuo Yamada y Yumi Matsuzawa. Yamada abrió la noche orquestal con la inconfundible "Pegasus Fantasy", la cual fue coreada en japonés por los fans.

Acto seguido, la Sincrophonia Orquesta, dirigida por Rodrigo Cadet, y la soprano Irma Flores, quien volvió a cautivar al público con su talento vocal, sumergieron al público en una serie de melodías representativas de las primeras sagas del anime (El torneo Galáctico, Las 12 Casas y Asgaard), tales como "Revenger Phoenix", "Pegasus Ryu Sei Ken", "Beautiful Gold Saints", "Sad Brothers", las cuales tuvieron presencia en el evento musical del año pasado.

El vaivén melódico, que podía transportar a las escenas de batalla y transmitir desesperación, así como de pronto llevarnos a la esperanza y al triunfo sobre las fuerzas del mal, es algo que únicamente composiciones tan bien pensadas y ejecutadas en una joya de la animación, creadas por Seiji Yokoyama, podían transmitir y seguir provocando en la gente a 37 años de que la serie se estrenó en Japón y a 31 años de su emisión en México.

Antes del intermedio, el artista japonés regresó para interpretar "Blue Dream", el segundo ending, la cual fue acompañada por el movimiento de las luces de los celulares de los asistentes. Tras escuchar algunos temas de las películas Los Caballeros del Zodiaco: Contraatacan como "Deucalion's Big Flood" y de la cinta La Gran batalla de los dioses como "God Warrior vs Saint", Matsuzawa apareció en escena junto a Maureen Mendo, quien es el cantante oficial en América Latina de Saint Seiya, y ambos unieron sus voces en "You are my reason to be".

La otra mitad del concierto abarcó las sagas de Poseidón, de Hades y la película Los Caballeros del Zodiaco contra Lucifer, que en la presentación de 2022 quedaron fuera por falta de tiempo. Así, esta parte inició con Yamada y el segundo opening "Soldier Dream", seguido de otras piezas como "Undersea temple", "Shining! Bronze Cloth", "Child of Dawn, Lucifer" y "Fallen Angel vs Saint". 

Matsuzawa volvió al escenario para dar inicio al tan esperado arco de Hades, con el opening "Chikyuugi". "108 evil stars", "Elysium" y "Greatest eclipse", que llegan a ser tan impactantes por la historia detrás de las melodías, como lo es la aparente traición de los guerreros fallecidos de la diosa Atena, la muerte de ésta y la batalla en el Inframundo, fueron de las últimas en resonar en el recinto. 

Sin lugar a dudas, las canciones más esperadas eran aquellas que los mismos personajes del anime tocan: la melancólica "Decision of destiny" del dios Abel, la triste "Mime's harp" del guerrero asgardiano, la estridente "Dead end symphony" del general marino de Sorrento de Sirena, la trágica y conmovedora historia de amor del caballero Orfeo de Lira con "Death trip serenade" y la nostálgica "Pandora's harp" de la hermana mayor del dios del Inframundo. Todas ellas, con solos de instrumento de arpa y flauta, se llevaron las palmas y aclamaciones de pie del público. 

La artista japonesa interpretó el tercer y cuarto tema de cierre de la saga de Hades, "Kimi to onaji aozora" y "Takusu mono e ～My Dear~", la primera de éstas, acompañada a dueto en español y japonés por Maggie Vera, cantante oficial en nuestro idioma de estas piezas.

"Can't say goodbye my friend" y "Never", con la fuerza rockera de Nobuo Yamada, dieron por terminado un concierto del cual los fans salieron complacidos con 42 melodías de una de las mejores bandas sonoras existentes y a uno de los anime más influyentes de la historia. El ardiente cosmos de los músicos, coristas, cantantes y soprano al dejarlo todo en su presentación se tradujo en largos aplausos y ovaciones que no pararon en ningún momento. 

Un espectáculo visual y auditivo que hacía que uno se involucrara en las mismas situaciones que los caballeros de Pegaso, Dragón, Fénix, Cisne y Andrómeda. En efecto, el poder del cosmos sigue brillando con fuerza sin importar las décadas que pasen.

@YukiVongola

The First Slam Dunk: un viaje nostálgico y renovado del doblaje mexicano

Sentados en la banca, bajo un tablero de basketball, aguardaban el inicio del partido cinematográfico llamado The First Slam Dunk los actores de voz René García, Ferso Velázquez, Héctor Estrada y Óscar López, quienes dieron un golpe fresco y de nostalgia al anime noventero Slam Dunk que ha cautivado e inspirado generaciones en México.

La premier del evento, realizada la noche del 24 de julio, demostró la importancia de traer la cinta que se estrena en México el 27 de julio con un estilo de animación llamativo en 2.5D que adapta el mejor partido de basketball  ficcional bajo un doblaje bien elaborado y pensado en los fans de antaño y en aquellos que apenas se acercan a esta obra original de Takehiko Inoue (quien en la cinta debutó como director y se encargó del guión), que tiene 33 años de existencia en papel y casi tres décadas en animación. 

René García es uno de los dos actores de voz veteranos que participó en el doblaje original de la serie en 1998, junto con Sergio Bonilla (Kaede Rukawa), y que protagoniza el filme al retomar su papel del pelirrojo, problemático y terco jugador de la preparatoria Shohoku, Hanamichi Sakuragi. 

Señaló en entrevista, al preguntarle sobre cómo se preparó para volver a ponerse bajo la piel de Sakuragi más de dos décadas después, que lo más difícil para él fue que el personaje sonara igual como cuando lo dobló por primera vez. “Creo que lo interesante del trabajo es poder conservar la frescura que tenía Hanamichi, porque además tenía una energía de alguien de 18 años. Eso es lo más difícil del proceso, pero creo que la esencia estaba ahí, entonces yo de alguna manera la saqué del cajón de los recuerdos, y lo hicimos con mucho cariño. Por supuesto, con toda la pasión y profesionalidad de siempre."

Ferso Velázquez, quien es la nueva voz de Ryota Miyagi, señaló que “es complicado cuando te integras a un proyecto que ya tiene voces definidas y que ha tenido una presencia muy fuerte en una generación en específico. Acercarse a Ryota es complicado para mí que, además, yo no era tan conocedor de la serie, sin embargo, al final de cuentas, tienes que preparar al tipo de personaje antes de entrar a grabar y para mí fue muy interesante conocer la historia de Ryota, y más porque en la película vamos a explorar una parte muy diferente de él, una parte que tal vez no estaba tan expuesta originalmente". 

Añadió que "en la serie siempre fue más la presencia del señor García y de Sergio. Aquí Ryota toma un papel importante. Vamos a conocer la historia de él, entonces es un acercamiento diferente al personaje, incluso me atrevería a decir que la misma película ya no es de un corte tan cómico como la misma serie en sí, y esperemos que de esa forma es como nos acerquemos a lo que era la esencia de Ryota originalmente”.

Óscar López, al cuestionarle sobre su acercamiento a su rol como Hisashi Mitsui, explicó que influyó el factor nostálgico. "O sea, desde que me invitaron a hacer la prueba fue mucha nostalgia identificar de inmediato los personajes, para mí fue un shock. Y también fue una gran, tal vez, presión, al principio, sobre la responsabilidad que tenía que tomar sobre este proyecto sabiendo que venía interpretado por otras personas, otros compañeros, y tenía que tomarlo con el mayor profesionalismo y responsabilidad posible para, por así decirlo, llenar los zapatos del personaje o de lo que lo habían hecho antes. Claro, después llega un momento en que uno mete su esencia, y siempre pensando en dar lo máximo posible."

Por su parte, Héctor Estrada, quien da vida al capitán del equipo, Takenori Akagi, se sinceró al decir que él no conocía la obra, lo que le ayudó para que no sintiera presión en la prueba de cast y lo hiciera de la forma más natural que pudiera. "Acatar las órdenes de la directora (Lourdes Arruti) me ayudó para quedarme con el personaje y, ya una vez tomando conciencia de lo que significaba tanto el anime como el personaje y el doblaje, pues es una responsabilidad muy grande."

Los actores apuntaron que la dirección de Lourdes fue esencial para la preparación de sus caracterizaciones de voz, debido a su investigación del contexto de las escenas. así como del anime noventero, del cual tuvo que ver los 101 episodios para brindarles herramientas a los dobladores para ejecutar de manera adecuada sus papeles. 

La película, en efecto, logra transmitir las emociones y sentimientos que vemos experimentar a los personajes mientras viven los momentos más importantes de su vida. Un partido del campeonato nacional que definirá su futuro, visto también a través de su pasado, de sus decisiones, de sus heridas.

The First Slam Dunk se estrenó en Japón el 3 de diciembre de 2022 y, que tras siete meses de su estreno sigue en cartelera, ha conseguido ser la 14° película con más recaudación en su historia. En nuestro país, donde Slam Dunk fue transmitido hace 25 años a través de la televisión abierta, se espera que sea un éxito también de taquilla.

La animación 2.5D, que se caracteriza por usar CGI (imágenes generadas por computadora) y animación 3D que emula el dibujo tradicional en 2D, es tan detallado que se pueden ver a la perfección las venas en los brazos y piernas de los personajes. De acuerdo con el equipo creativo del estudio Toei, la decisión de este estilo fue para conservar el trazado y detalles del manga de Inoue y darle dinamismo natural a las escenas de los partidos, lo cual se logra y da un aire renovado a lo que vimos en la pantalla chica. El perfeccionar la animación y la pandemia de covid-19 causaron que la culminación de la cinta tardara cuatro años. Y valió la larga espera para ver por fin la conclusión del manga animado, bajo otra perspectiva, de una pieza de culto entre los otakus.

El manga se convirtió en un hit desde que se publicó en 1990 y la emisión en 1993 del anime en Japón sólo ayudó a hacer crecer su popularidad. Slam Dunk logró que en su país de origen, cuyo interés en el basketball era nulo hasta entonces, se volviera un referente en el deporte, al grado de incentivar ligas juveniles y la profesional con el apoyo gráfico del autor. 

El carisma de sus personajes hace que Slam Dunk siga estando en la lista de los 10 mangas más vendidos en la historia. De hecho, al corte de junio de 2023, se encontraba en el tercer lugar con cuatro millones 199 mil 966 copias, superando a otros icónos dentro de la industria.

Sin duda, es un buen regreso para esta obra, que celebra por lo alto su conquista de los corazones de los fans del basketball y de las grandes historias narrativas.

@YukiVongola

Fallece Rubén Moya, legendario actor de voz que dio vida a He-Man

"¡Por el poder de Grayskull, yo tengo el poder!" Cómo no gritar esta frase con la voz de Rubén Moya en mente. Él, un veterano actor de doblaje mexicano reconocido por ser la voz recurrente de Morgan Freeman, He-Man o Amidamaru en Shaman King, falleció hoy a causa de cáncer de garganta, en el Día Internacional dedicado a esta profesión, según informó la Asociación Nacional de Intérpretes y sus familiares en sus redes sociales.

El guerrerense, de 62 años, trabajó en el medio durante 40 años, en los cuales se desempeñó también como locutor de radio y director de doblaje. Su tan característica voz, tan grave y profunda, era fácil de identificar. Cómo olvidar su narración al inicio y final de la película La guerra de los mundos, que llegaba a sobrecoger cuando vaticiniba el caos en la humanidad ante la llegada de los extraterrestres.

Mentor y amigo de otros actores, es ahora llorado por el gremio ante la gran pérdida humana y de talento en un mundo en el que pareciera que cualquiera puede darle vida a personajes que ya son parte de nuestra cultura, de nuestra vida.

Entre otros de sus papeles más icónicos está el de He-man, Gray en Blood +, Porunga en Dragon Ball Z Kai, el narrador en Dragon Ball Super, Padre en Full Metal Alchemist (versión de Funimation), Apollo en Los Caballeros del Zodiaco: Obertura del Cielo y el Gran Árbol Deku en los últimos dos videojuegos de The Legend of Zelda.

Sin duda, una luz más del doblaje mexicano que se va, pero se mantiene ardiendo en nuestros recuerdos.

@YukiVongola

Fascinación en el mundo por la arqueología mexicana

El interés por las civilizaciones antiguas ha sido una constante en el pensamiento humano. El origen de nuestro presente y cómo aquellas comunidades lograron un increíble avance científico y cultural siguen sorprendiéndonos miles de años después de que éstas desaparecieran. La fascinación por el México prehispánico ha renacido en los recientes años debido a los hallazgos y salvamento de piezas y zonas arqueológicas en la región sureste del país, con motivo de la construcción del Tren Maya que recorre los vestigios del pueblo maya.

Al 11 de mayo de 2023, en la totalidad de los siete tramos que comprenderán este transporte ferroviario que atraviesa Chiapas, Tabasco, Campeche, Yucatán y Quintana Roo, se han asegurado y preservado 53 mil 34 bienes inmuebles (edificaciones) y mil 817 bienes muebles (objetos), 927 mil 162 artículos de cerámica han sido analizados, 741 vasijas están en restauración, 527 osamentas fueron descubiertas y mil 307 cuevas y cenotes fueron hallados.

El rescate de estos restos materiales, muchos de los cuales pasaron desapercibidos durante años o que ni siquiera se conocían, ha atraído de nuevo la mirada a una de las culturas antiguas más místicas y desarrolladas, debido a sus grandes conocimientos en Astronomía, Medicina, Matemáticas, Arquitectura y a su literatura de tradición oral, mediante la cual se transmitieron de generación en generación sus saberes y mitología.

Lo anterior, combinado con la repatriación de piezas robadas o compradas por coleccionistas en diversas partes del mundo, han elevado esa curiosidad que hace años no se sentía, como el revuelo por el regreso a México desde Denver, Estados Unidos, el próximo 19 de mayo, del monumento olmeca denominado "Monstruo de la Tierra", que data de al menos dos mil 500 años y es originario de Chalcatzingo, Morelos, que fue hurtada por traficantes de este tipo de objetos a mediados del siglo pasado.

Si en nuestro país causa mucha expectación e interés lo que se sigue descubriendo, en otras partes del mundo es mayor la atracción. Por ello, en el Museo Nacional de Tokyo se están preparando para introducir al pueblo japonés en las culturas mesoamericanas con la exposición "México Antiguo - Maya, Azteca, Teotihuacán"  (特別展「古代メキシコ ―マヤ、アステカ、テオティワカン」), abierta del 16 de junio al 3 de septiembre.

Esta exhibición especial consistirá de cuatro bloques con 140 tesoros recogidos de nuestra nación: la civilización olmeca, que surgió en el Golfo de México alrededor del año 1500 a.C., que es la raíz de las diversas culturas que se desarrollaron en Mesoamérica; la teotihuacana, en la que se enfoca en las pirámides y en los resultados de estudios de excavaciones recientes para ofrecer una imagen completa de la "ciudad de los dioses"; la maya, cuya mayor pieza de interés será la "Máscara de la Reina Roja" de Palenque, considerada una obra maestra, y que se exhibirá por primera vez en Japón; y la azteca, centrada en una serie de objetos de oro descubiertos en los últimos años en el Templo Mayor, junto con esculturas.

La muestra ayudará para cambiar la percepción, generalmente negativa, que se tiene de México, debido a las noticias que salen del país, como temas de violencia. Me pasó que, en un viaje a allá, un par de chicas niponas, incluso otros extranjeros, se sorprendían cuando les contaba que aquí tenemos pirámides. Su expresión al saber que no sólo en Egipto tienen tales construcciones era seguida por una curiosidad a tal grado de buscar fotos en internet en ese instante y cultivarse más en ese sentido. Otros, llegaron a relacionar estas edificaciones y a la cultura azteca con la escena del sacrificio y la máscara de piedra que se observa en el manga/anime Jojo no Kimyō na Bōken (Jojo´s Bizarre Adventure), una de las obras más populares e influyentes en Japón.

Esto es lo que debemos dar a conocer de nuestras raíces que han influido en lo que actualmente es nuestro pueblo, porque México es mucho más de lo que nosotros mismos creemos.

@YukiVongola

Así se disfrutó la premier de Kimetsu no Yaiba: To the Swordsmith Village en la CDMX

Cientos de fans de Kimetsu no Yaiba (Demon Slayer) de diversas edades se dieron cita desde las ocho de la mañana para la premier en cines de su especial titulado To the Swordsmith Village en Plaza Oasis Coyoacán, que formó parte de una gira mundial que recorrió días antes Tokio, Los Ángeles, París, Berlín, Seúl, Taipei, con una última parada en la Ciudad de México.

La mayoría de los seguidores de este popular manga/anime, creado por Koyoharu Gotouge, acudió con cosplay muy elaborados y creativos o con ropa y accesorios alusivos a los personajes. Una verdadera fiesta hacia esta obra que es la responsable de que en los últimos años el anime se haya popularizado a tal nivel en Latinoamérica, y por supuesto, en México, que ya es común ver a los niños y jóvenes disfrazados caminando en el Centro Histórico capitalino, algo que hasta hace cinco años aún era bastante estigmatizado. 

El evento consistió en una exhibición de figuras y katanas, una tienda oficial y contó con la presencia de los actores de voz latinos: Iván Bastidas (Tanjiro Kamado), José Luis Piedra (Zenitsu Agatsuma), Annie Rojas (Nezuko Kamado), Uraz Huerta (Inosuke Hashibira), y Marc Winslow (director de doblaje y voz de Tomioka Giyu), todos jóvenes promesas en este mundo. Sin embargo, la aparición que el público esperaba desde horas fue la del actor japonés que da vida al protagonista, Natsuki Hanae.

Con 31 años, ha interpretado a varios personajes estelares como a Ken Kaneki (Tokyo Ghoul), Kousei Arima (Shigatsu wa Kimi no Uso), Taichi Yagami (Digimon Adventure Tri), Falco Grice (Shingeki no Kyojin), por lo que su presencia en el evento fue muy ansiada por los asistentes. El japonés pasó por la alfombra roja entre gritos y aplausos mientras una botarga de Tanjiro caminaba a su lado.

Apoyado por un traductor, comentó al público lo feliz que estaba por encontrarse en México y de promover este proyecto, del cual se han desprendido dos temporadas de anime y una película que el año pasado también se estrenó en cines mexicanos. Como buen visitante a nuestro país, señaló que había comido tacos y que había ido a otros lugares, entre ellos, a la Biblioteca Vasconcelos. 

El director de ceremonia, Héctor Trejo, sugirió una actividad entre las dos voces del protagonista: una lectura de un guión. Sin duda, el mejor momento del evento, que dejó en claro el talento de ambos jóvenes, el cual fue ovacionado por las decenas de personas que rodeaban el escenario. Seguido de ello, un regalo que no puede faltar ahora cuando llegan artistas extranjeros se le dio a Hanae: un peluche del Dr. Simi vestido como Tanjiro.

Sobre este especial de Kimetsu no Yaiba podemos ver los últimos dos capítulos de la temporada anterior que anima el arco del "Distrito Rojo", remasterizados para 4K, con material inédito, y podemos degustar el primer episodio de la adaptación que abarca el arco de la Villa de los Herreros, donde se le da juego a otros personajes, denominados en la obra como "Pilares", que son cazadores de demonios cuyas habilidades son extraordinarias. De igual manera, se empiezan a dar más detalles sobre el pasado de Tanjiro.

De esta manera, lo que veremos en cines a partir del 9 de marzo es un previo de la tercera temporada que se estrena en Japón el próximo 9 de abril. Sin duda, la animación, que es de las mejores que se ha visto en los últimos tiempos, es su punto fuerte, con esa mezcla de dinamismo, realismo y profundidad en escenarios, la intensidad de colores y esa forma de dar movimiento a los ataques que realizan los personajes, que recuerdan al estilo de pintura japonesa ukiyo-e.

@YukiVongola

Fallece el mangaka Leiji Matsumoto: buen viaje en las estrellas, capitán

 Leiji Matsumoto, uno de los mangakas y animadores más icónicos y que marcó diversas generaciones con Space Battleship Yamato, Pirata Espacial Capitán Harlock o esa legendaria película Interstella 5555 con Daft Punk, falleció en Japón a la edad de 85 años por una insuficiencia cardíaca aguda. 

El lamentable hecho ocurrió el pasado 13 de febrero, pero apenas el Studio Leijisha, estudio de animación fundado por el mangaka, lo dio a conocer hoy (ayer, en Japón). La hija de Matsumoto y directora de la empresa, Makiko Matsumoto, señaló que su padre (de nombre original, Akira Matsumoto) "se embarcó en un viaje al mar de las estrellas. Creo que vivió una vida feliz, pensando en seguir dibujando historias como artista de manga". 

Sus decenas de obras se caracterizaron por ser una crítica a los conflictos bélicos, lo cual en gran medida se debe a que él fue uno de los sobrevivientes de la bomba atómica que diezmó a la ciudad japonesa de Nagasaki el 9 de agosto de 1945. 

Con un trasfondo psicológico en sus personajes, con tramas oscuras y que exploraban el lado oscuro del ser humano, con mucha tragedia, drama y a veces con toques de humor y sátira, Matsumoto fue el padre del subgénero de ciencia ficción denominado space opera en el manga, que se enfoca en narraciones desarrolladas en el espacio, por lo general con una guerra siendo el detonante del actuar de los personajes, y con algún intererés amoroso.

Sus personajes, idealistas y en busca de un lugar al cual pertenecer en un mundo convulso, fueron un ejemplo a seguir en las décadas de 1970 y 1980, cuando la sociedad nipona buscaba otro tipo de figuras que rompiera con la concepción de que la guerra era el único medio para tener paz. Estas creaciones suyas, que en ocasiones podemos verlos en otras historias del autor, forman parte de lo que los fans llamaron Leijiverso. 

Su importancia en la industria fue tal en diseño de personajes y en las tramas de sus relatos que sirvió de inspiración para futuros y consagrados mangakas, tales como Osamu Tezuka (el padre del manga), Naoko Takeuchi (cuya obra cumbre es Sailor Moon), las franquicias de Macross y Gundam, el anime de Cowboy Bebop y Gintama de Hideaki Sorachi.

De igual manera, en especial en mangas de comedia y de slice of life (cosas de la vida) se le suele hacer homenaje a sus personajes y obras, siendo el más popular el Capitán Harlock, aquel romántico y anarquista héroe que viajaba a través del universo que decide ser un pirata para vivir tal como desea, ha aparecido en obras de otros mangakas, como la ya mencionada Gintama o Excel Saga, inclusive la caricatura estadounidense Steven Universe o en Los Simpson.

La fama de Matsumoto lo llevó a trabajar con el dúo francés de la música electrónica, Daft Punk, para encargarse del diseño de personajes de la película animada Interstella The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem, la cual tuvo como base el álbum "Discovery". La cinta de 2001 inicia con el mangaka diciendo unas breves frases: "Siempre he dicho que los músicos son magos, desde que era un niño siempre tuve un sueño o esperanza, y ahora siento que el sueño viene hacia mí. ¿Cómo podría explicarlo? La música se convierte en miles de luces brillantes en mi cabeza".

Este éxito lo puso en la mira de nada más que Queen, que lo buscaron para que se encargara de la animación de un video de la canción Bohemian Rhapsody, en homenaje al 18 aniversario de la muerte de Freddy Mercury. Esta creación de 2009, que posee imágenes del manga de Matsumoto titulado Gin no Koshika, fue exclusivo para un concierto de la agrupación inglesa en Tokio y en el Reino Unido.

Sin duda, fue un hombre que cautivó a millones de personas por sus mensajes de paz a través de su arte y que, tal como sus personajes, sobrepasó fronteras, galaxias. Y, tal como comentó su hija, ahora navega en aquel mar estrellado con el que tanto soñó en sus mangas.

@YukiVongola

El problema de las adaptaciones: el caso de los mangas de Junji Ito

Es complicado pasar de la literatura al cine. ¿Quién no recuerda ese bodrio del live-action que hicieron de Dragon Ball? O lo que piensan hacer con One Piece. Adaptar una obra literaria, llámese libro, manga o novela gráfica, sin tener un buen guión, comprender la complejidad de la trama y entender los motivos de los personajes, es la receta perfecta para el caos. 

La saga de Harry Potter contó con la guía de J.K. Rowling, razón por la cual las adaptaciones cinematográficas lograron transportar a los espectadores a ese mundo mágico. Claro, la producción en estos casos es relevante, ya que sin un buen vestuario, locaciones, fotografía y música, parte de la esencia desaparece. 

En el mundo del anime, cuando se adaptó X a la pantalla grande, fue un fracaso por la trama y el desenvolvimiento de los personajes que para nada le llegó a los talones al manga. El que las CLAMP, las autoras, estuvieran involucradas en el guión, terminó por sepultar la película animada porque evidenció lo poco que sabían de su misma obra. Tal vez por eso no se han atrevido a darle un cierre argumental. 

Uno de los problemas para las adaptaciones del manga o anime es, además de los ya mencionados, es que con sólo el nombre o la reputación de sus creadores será un éxito inmediato. El arriesgarse con actores para una cinta con Dragon Ball o One Piece, dos obras que son extremadamente populares y son todo un ícono que han sobrepasado generaciones y fronteras, es de principio una mala idea. Transmitir el carisma de los personajes y sentir esa emoción con cada batalla, y que los efectos especiales puedan producir lo mismo que tinta y papel, pocas veces se logra. 

Eso, con aquellas historias de acción. Ahora, cuando se refiere a trasladar emociones tan intensas como el terror, que suele acompañarse de inquietud y paranoia, el resultado de una adaptación al cine o a televisión tampoco es tan sencilla. Menos, cuando nos referimos al horror cósmico. Por ello, pocos libros de H.P. Lovecraft se han realizado con éxito en el séptimo arte. No por nada, no tenemos una digna versión en el cine de La llamada de Cthulhu, aunque, por el lado de los videojuegos sí ha habido buenas ideas.  

Lo mismo ocurre con los mangas de Junji Ito, el maestro del terror japonés, a quien se equipara con el escritor estadounidense, que tampoco han recibido merecidas adaptaciones. Como dato curioso, Ito fue convocado por el director cinematográfico mexicano Guillermo del Toro y el productor legendario japonés de los videojuegos, Hideo Kojima, para que colaborara en el juego de terror Silent Hills (2014), conocido más como P.T., de la saga Silent Hill de la desarrolladora Konami. Sin embargo, tras la presentación del muy terrorífico demo, el proyecto fue cancelado por problemas entre Konami y Kojima, por lo que nunca se llegó a la realización de bocetos de los personajes. 

La más reciente, estrenada en enero de este año vía streaming, se titula Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro. En éste, a través de 20 historias cortas se intentó dar una muestra de la genialidad del maestro del terror japonés. Así es, sólo quedó en un mal intento. Ni el miedo ni la zozobra que se expone en sus lecturas en el manga se hallaron en sus 13 capítulos. Los globos colgantes, Intrusos, La cosa que apareció en la orilla o Esculturas sin cabeza son algunos de los títulos que tuvieron una versión animada por primera vez y que se quedaron cortos y dejaron un trago amargo a quienes conocemos la fuente original. En cambio, aquellos espectadores casuales sólo la consideraron entretenida, pero coincidieron en que el terror era escaso en estas narraciones que pertenecen a dicho género. 

La animación, que tampoco es buena, podría obviarse si la calidad de la adaptación fuera mejor. Una antología decepcionante como la que hubo en 2018 con Junji Ito Collection. 

Otra mala versión al anime de las creaciones de Ito, Gyo (2012), tiene varios cambios narrativos respecto al manga publicado diez años antes. Eso sí, la animación, en comparación con las dos ya mencionadas, sí es dinámica y causa desagrado el ver a peces y demás criaturas marinas con patas mecánicas, que terminan por contagiar y transformar a los humanos en seres aberrantes con su hedor. 

Uzumaki, obra cumbre del japonés que denota el horror cósmico, por fin tendrá este año vida en una serie animada de cuatro capítulos. Las expectativas con ésta son muy altas, debido a que, a diferencia de las anteriores obras, tiene un gran presupuesto y su animación será a blanco y negro para mantener fiel el estilo de dibujo original y parecerá que será como ver el manga con movimiento.  

Esto ayudará porque la paleta de colores que tienen las antologías y Gyo evita que uno sienta ese desasosiego que deberíamos de sentir al estar frente a una trama de terror, más si es del tipo lovecraftiano. El blanco y negro, acentuado con su estilo realista y con un énfasis en el sombreado, nos hacen sentir o muy perdidos al punto de perder la cordura o muy sabedores de los horrores que acechan que, inigualablemente, nos hace descender a la locura. 

@YukiVongola