Se despide Ash Ketchum del anime de 'Pokémon' tras 25 años

Ash Ketchum de Pueblo Paleta, el eterno niño de 10 años, se despedirá de Pokémon tras 25 años de protagonizar el anime.

En la actual temporada de la serie, el amigo inseparable de Pikachu obtuvo la mayor de sus victorias y logros en tantos años de perseguir su sueño de convertirse en Maestro Pokémon: ser el campeón mundial en las peleas de estos monstruos de bolsillo, luego de varios capítulos en los que vimos su ingeniosa, y a veces difícil, enfrentamiento contra el monarca invicto Dande.

Su emotiva despedida comenzó en el reciente episodio de Pokémon 2019, emitido en Japón el 16 de diciembre de 2022, con una batalla conjunta con Go, el coprotagonista en esta temporada, contra Lugia, uno de los pokémon legendarios clave en esta etapa del anime. Tras el encuentro, ambos viajan sobre Lugia mientras observan a diversos pokémon de la primera generación conviviendo en bosques, mares, océanos y en la ciudad.

El recorrido culmina con la vista de Ho-Oh, otro legendario que suele aparecer en la serie en aquellos momentos en que Ash crece como personaje, que crea un arcoíris. Este encuentro fue un símil a cuando Goku, en Dragon Ball GT, ve a Shenlong, dando a entender el final de la historia del saiyajin. La aparición de Ho-Oh confirma la decisión de ambos niños de emprender, por separado, una nueva aventura para conocer mejor el mundo a través de los pokémon.

El resto del capítulo contiene guiños a viejos compañeros de Ash, el más emotivo el de Butterfree, el primer pokémon que capturó (cuando era un Caterpie) y el primero al que dejó ir al enamorarse de una Butterfree shiny. 

Así mismo, otros personajes se despiden y hallan un nuevo camino, motivado en parte a su relación con Ash.

Con el capítulo 139 de esta temporada, se cierra, en parte, la historia de Ash, conocido por los fans como "El Mostaza" o "El Pierde Ligas", con más de 1200 episodios y 22 películas. Ah, pero aún tendremos algo más de Ash y Pikachu, ya que se estrenarán 11 especiales que servirán como epílogo, desde la perspectiva de otros personajes como Misty y Brock, en los que nos darán pistas del destino de Ash. Igualmente será una despedida al eterno Equipo Rocket, con Jesse, James y Meowth, quienes en el doblaje latino nos dieron muchas risas. 

Así mismo, en abril, iniciara otra fase en Pokémon, de cierta forma, para ser un parteaguas con lo que se ha hecho en los últimos videojuegos de la franquicia con Legends Arceus y las recién estrenadas versiones Escarlata y Violeta, es decir, darle otro aire a lo que es Pokémon para las generaciones más jóvenes. La historia seguirá a Liko y a Roy, quienes tienen algo de similitud con Ash y Go, y se ubicará en Paldea, la región donde transcurren los últimos juegos. El que Liko sea el personaje principal, y no sólo la acompañante de aventuras, también será un giro a la historia. 

Sin dudas, este cambio será todo un suceso, más cuando, como en mi caso, crecí mientras lo veía atrapando y luchando contra otros entrenadores, todo para lograr su sueño. Creo que refleja que, cuando estás persiguiendo algo, sales de tu casa, quizá no a los años 10 como él, te enfrentas al mundo, conoces gente, tienes experiencia, en algún punto te quedas solo y sigues tu camino elegido. 

En definitiva, Ash nos enseñó que "Tengo que ser siempre el mejor, mejor que nadie más", una lección que nos cumplió. 

@YukiVongola

FLOW vuelve a rockear en la CDMX

La banda japonesa de rock, FLOW, volvió a México por tercera ocasión este 4 de diciembre, para dar un concierto inolvidable a sus seguidores en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, con motivo de su gira mundial por su 20 aniversario. 

La agrupación, conformada por los hermanos Kohshi (segundo vocalista) y Take (guitarrista), Keigo (vocalista principal), Iwasaki (baterista) y Got's (bajista), prendió al público a las 7 pm con "Sign" (Naruto Shippuden), seguido de "Dice" (Code Geass) y "Ai ai ai ni Utarete bye bye bye" (Samurai Flamenco).

Posterior al trío de canciones, Keigo tomó la palabra al decir en español "Tengo mi acordeón" y expresó en nuestra lengua su felicidad de volver a México y ver a sus fans.

"Colors" y "World End" (ambas de Code Geass), "Days" (Eureka Seven) fueron otros temas ya clásicos de anime que fueron cantadas a todo pulmón por los otakus mexicanos, pertenecientes a la vieja escuela (25-35 años, que eran su mayoría en el recinto) que comenzaron a seguirlos debido a sus varias composiciones en historias tan icónocas dentro de la industria de la animación japonesa. 

"Ryuusei" (que significa meteoro), fue presidida por las palabras de Keigo, quien comentó que esta canción la dedicaba a sus fans, ya que, a pesar de que México y Japón están lejos, comparten el mismo cielo y eso hace que estén conectados, justo como dice su canción. La música y el anime nos relacionan de esa manera, apuntó. Eso es cierto, pese al idioma, el querer comunicar y conmover a otros mediante notas musicales y una voz sincera hace que cualquiera quiera escuchar y se embargue de los sentimientos del otro.

Luego fue el turno de Kohshi de hablar. Él, en inglés, comentó que tras cuatro pudieron volver a visitarnos y lamentó que su gira mundial "Sign" tuviera que cancelarse en 2020 debido a la pandemia. Comentó que este año cumplieron 26 años desde su formación, pero que están en el marco de su vigésimo aniversario desde su "major debut", y le daba gusto venir de nuevo a México, el único país de América Latina y el segundo del continente, en el que estuvieron durante este tour. Añadió que ahora que estaban aquí iba a tomar tequila, ya que es raro que en Japón se haga, pero que iba a aprovechar y a emborracharse, en alusión un tanto a letra de "Go! Go! Drinkers", que tiene palabras en español como "señorita", "tequila" y la frase "hola, ¿cómo estás, amigo?". 

Tras ello, "United Sparrows" (Black Arrow) resonó en el recinto. Durante la posterior presentación del grupo, en el que Iwasaki y Got's realizaron increíbles solos de sus respectivos instrumentos, siguió un momento de lo más curioso. 

Keigo, así como el resto de los fans, buscábamos a Take, pero no se encontraba. El escenario se apagó y de pronto apareció el guitarrista con un suéter llenos de lucecitas, unos lentes igualmente brillantes y dos palitos luminosos, y comenzó a hacer pasos coreografiados como suelen hacer los grupos de fans en Japón para animar a sus bandas favoritas. Con la batería y el bajo de fondo, la fiesta colorida llevó a todos a seguir los pasos de Take al unísono. Al acabar con el baile, el músico expresó en español "¡Qué chingón! ¡Qué huevos! ¡Estoy que echo humo!", lo que causó mucha risa a los mexicanos.

Una de las canciones más esperadas, sin duda, era "Go" (Naruto), el cual terminó con varias "olas" motivadas por los vocalistas y seguida por sus seguidores. No podía faltar "Hero -Kibou No Uta" y su cover de "Cha-La Head-Cha-La", que fueron los temas centrales de la película de Dragon Ball Super: La Batalla de los Dioses. El concierto terminó con Gold (Boruto), uno de sus más recientes éxitos, que culminó con un salto al unísono de parte del público. 

Tras sacar una bandera mexicana, prometieron el regresar por cuarta ocasión a nuestro país. La energía que los miembros de FLOW le ponen a sus interpretaciones rock, con tintes punk y de hip hop, fue evidente durante todo el evento, y uno de los detalles que, a mí como fan me encantó de ellos, fue esa interacción sus fans, el hablar en nuestro idioma para estar un poco más cerca de nosotros. Ya que su gira por Japón por su aniversario inicia el siguiente año, puede que volvamos a verlos. 

@YukiVongola

Japón vence a otro grande; pasa a octavos de final del Mundial de Qatar

Japón lo hizo de nuevo. Derrotó a España, otra potencia del futbol, durante la primera fase del Mundial de Qatar. La victoria lo posicionó en el primer lugar del grupo E y, con ello, su pase para los octavos de final. La influencia que la obra Captain Tsubasa, conocido como Los Supercampeones en Latinoamérica, tiene sobre los jugadores nipones es evidente ante los resultados que el equipo del Sol Naciente ha logrado en los últimos años y, en especial, en el torneo máximo de este deporte.

Pese a su desventaja de 1-0, los jugadores asiáticos Ritsu Doan (8) y Ao Tanaka(17) le dieron la vuelta al marcador y dejaron estupefactos tanto a sus rivales como a sus connacionales que vivían con toda adrenalina el partido en el estadio Internacional Khalifa en Doha. 

Las lágrimas de alegría en los rostros de los japoneses fueron captadas por las cámaras de televisión. Momentos emotivos que continuaron con la anotación del segundo tanto. 

Curiosamente, en el manga Captain Tsubasa: Rising Sun, del creador original Yoichi Takahashi, también hay un enfrentamiento entre ambas selecciones. Sin embargo, éste no ocurre en una Copa del Mundo, sino en Los Juegos Olímpicos de Madrid. En los últimos capítulos de la obra, la cual se encuentra actualmente en publicación, ambos están empatados a 2-2 al final del primer medio tiempo, en el estadio Santiago Bernabéu. Debido al resultado de este partido, es muy seguro que el equipo liderado por Oliver Atom remonte.

No por algo, esta historia fue la responsable de que el futbol cobrara popularidad en Japón y que poco a poco se hayan colocado en el foco del futbol asiático y que algunos jugadores hayan pertenecido o pertenezcan a clubes europeos.

Veamos cómo le va al equipo nipón en esta nueva etapa del campeonato, ya que se medirá con Croacia el próximo 5 de diciembre. Esperemos no sea el final del sueño.

@YukiVongola

Japón sorprende al derrotar a Alemania en el Mundial de Qatar

Japón silenció a todos los que afirmaban que, al enfrentarse con Alemania en su primer partido de la etapa de grupos del Mundial de Qatar, perderían lamentablemente. Lo mismo creímos cuando la selección nipona se enfrenta a los germanos en el torneo máximo de futbol en el manga/anime de Los Supercampeones (Captain Tsubasa).

Justamente en este partido de la serie original de Yōichi Takahashi vemos cómo Oliver y el resto de los jugadores asiáticos sufren por el gol del astro alemán Karl-Heinz Schneider, pero son los jugadores Tom Misaki y Steve Hyuga quienes se encargan de remontar el partido 2-1, para posteriormente ganar 3-2 con una anotación de Oliver Atom.

Esta referencia no fue del todo acertada en el enfrentamiento en el estadio Internacional Khalifa, en Doha, ya que el marcador final fue de 2-1 con goles de Ritsu Doan y Takuma Asano. A pesar de ello, sí estos datos provenientes de anime o manga dan cierta aura de clarividencia y expectación sobre el destino de los jugadores japoneses en el campeonato, quienes por el momento se encuentran en segunda posición del grupo E.

Además de este detalle con Los Supercampeones, en redes sociales se viralizó una foto en la que se ve a una fan japonesa entre la porra de Alemania. Ah, pero no era cualquier chica, sino que estaba cosplayeada como el personaje Anya Forger, de la obra FamilyxSpy, quien es una telépata, por lo que los memes sobre que Japón ganó por tener a una espía en el bando rival no se hicieron esperar.

El evento, por supuesto, fue un hito en el país del Sol Naciente, donde los aficionados celebraron en diversos puntos de la capital, Tokio, así como en la bulliciosa calle de Shibuya. Los festejos no pararon, y es que el ganarle a uno de los equipos favoritos a llevarse el trofeo no es fácil, menos cuando el Japón, aunque es potencia en su continente, no siempre le va bien al enfrentarse a los europeos. 

También, como suele pasar en competencias mundiales, causó sorpresa el que los nipones se quedaran al término del encuentro para limpiar el estadio. No sólo su basura, sino los del resto de los asistentes. Alguien les preguntó que por qué lo hacían, a lo que contestaron “por respeto al lugar”.

Los japoneses siempre dando el ejemplo. Esperemos qué nuevas inéditas situaciones nos presenta en su próximo partido contra Costa Rica (27 de noviembre) y con España (1 de diciembre).

@YukiVongola

¡¿El nombre de mi papá en una sala de prensa?! Jesús Aranda revive en la SCJN

En esta ocasión escribiré algo diferente al tema usual en este espacio, ya que me llena de orgullo una noticia relacionada con mi papá, quien falleció hace un lustro: la sala de prensa de la Suprema Corte de Justicia de la Nación llevará el nombre de Jesús Aranda, que ejerció su labor periodística en este diario durante 25 años, al cubrir, como nadie, esta fuente tan compleja. 

Este reconocimiento póstumo fue propuesto por otros reporteros a los que mi papá estimaba y de los cuales él fue un decano, mentor, a los que les enseñó a cómo manejar los temas  discutidos en el máximo recinto judicial. Saber que fueron ellos y el ministro presidente quienes estuvieron detrás de esto, significa que se distingue el valor del trabajo que mi papá realizó a lo largo de su carrera y que, pese a cinco años de su partida, se le sigue recordando como base y fomentor en el periodismo de esta rama. 

Una inmortalización más que merecida para alguien que escribió hasta en el último momento de su existencia. Y ese legado, que perdurará en una placa, es una extensión de su vida vista a través de sus compañeros y de su familia y, obvio, también de mí como su hija. 

A mí me presumía ante sus colegas y amigos del gremio, a quienes conocí y pudimos convivir en algunos eventos, y siempre contaba lo interesada que estaba en la cultura japonesa y en los proyectos relacionados en los que participaba.

Poder trabajar en la que consideraba su segunda casa, lo cual fue mi sueño desde que era una niñita, y continuar a mi modo honrando su memoria y lo que él me enseñó, que me ha mantenido en flote en los peores días que he vivido, es mi lucha diaria y más ahora con este homenaje en su memoria.

¿Por qué? Quizá nunca supere su historia, sus anécdotas estudiantiles en la URSS, su reconocimiento ante su gremio y de autoridades, pero el simple y sencillo hecho de que para tan magnífico periodista y ser humano yo fuera su orgullo y motivo de presumir y contar a sus amistades, es ya un honor. 

Este gran acontecimiento, que pareciera para otros un acto sin mucha trascendencia, sí lo es para sus seres queridos que sólo deseamos que siga entre nosotros, de una forma u otra.

@YukiVongola 

Evangelion:3.0 + 1.01 Thrice Upon a Time llega a cines de México

El fin de la tetralogía y de la franquicia de Neon Genesis Evangelion, Evangelion:3.0 + 1.01 Thrice Upon a Time, llegó a las salas de cine en México este 29 de septiembre para culminar esta era de uno de los anime más emblemáticos e innovadores en la industria.

La cinta, dirigida y con guión de Hideaki Anno, fue esperada por los fans por años. En un principio, su estreno se anunció para 2013. Sin embargo, meses después, la fecha fue cambiada a 2015, debido a que Anno se encontraba en otro proyecto, Shin Godzilla, como director y guionista, en el cual, por cierto, se notan varios guiños e inspiración de su obra cumbre. Al año siguiente, uno de los animadores confirmó que el estudio Kara ya estaba trabajando en la película. Un año después, se reveló el póster oficial con 2020 como la fecha en que se sería proyectada en los cines nipones. 

Pero, como recordarán, ese fue el año en que la pandemia de covid-19 arrasó con todo el mundo y afectó, por supuesto, la producción en el mundo del entretenimiento, incluyendo esta obra. Finalmente, su estreno fue el 8 de marzo e 2021 en Japón. Se convirtió en la más taquillera de la franquicia y, con su duración de 2:35 horas, en la película animada de mayor duración.

¿Pero qué ofrece el largometraje en 155 minutos? Que el personaje principal, Shinji Ikari, odiado por muchos desde su primera aparición en el anime de 1995, madure y decida tomar responsabilidad de sus acciones, sin esperar que el mundo le deba algo por su sufrimiento. Esto de por sí ya es relevante en esta trama inundada de traumas psicológicos en adolescentes. 

Parte de este entendimiento ocurre en la parte tranquila de la cinta, que dura alrededor de 40 minutos y hace que el ritmo sea un poco lento, en contraste con el comienzo intenso que ocurre en una París devastada y teñida de rojo a causa de un casi fin del mundo, denominado en la obra como el Casi Tercer Impacto. 

Posteriormente, en la pelea final, el ritmo vuelve a ser ágil y dinámico, por lo que es un deleite ver a las unidades Eva (robots, o mechas, biológicos) enfrentándose contra sus semejantes.

Regresando a la psique de los personajes, no sólo Shinji crece, sino que el resto también evoluciona y afronta sus problemas más íntimos: el amor, el reconocimiento del otro, la identidad, la felicidad. Inclusive el mismo villano de la historia, Gendo Ikari, afronta su dolor que origina la trama de las tres obras de la franquicia: el anime Neon Genesis Evangelion, de 26 capítulos; Revival of Evangelion (tercera película que compila las dos cintas anteriores de la franquicia Death and Rebirth y The End of Evangelion, además de ofrecer escenas diferentes y el final que Anno deseaba en la serie); y The Rebuild of Evangelion, a la que pertenece la tetralogía iniciada en 2007.

Los últimos minutos del filme nos da pistas, nos hace filosofar y hasta nos revela directamente la conexión con todas las historias de Evangelion, y cómo se entrelazan y dan sentido al mensaje final de la cinta los títulos de la tetralogía (Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance, Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo y, claro, Evangelion:3.0 + 1.01 Thrice Upon a Time. Además, de explicar el origen del nombre del anime Neon Genesis Evangelion.

La simbología judeocristiana, en la que está fuertemente basada la trama, sigue siendo compleja y, si uno no comprende todos los elementos, es fácil dejar pasar por desapercibidos significados más profundos en las terminologías y explicaciones dadas por los personajes. Los que han visto de menos el anime saben que perderse entrelíneas es normal, más si se añaden los soliloquios existencialistas y filosóficos y las teorías psiconalíticas. Así que no se preocupen si salen del cine con expresiones estupefactas. 

Lo que sí recomiendo es que si no recuerdan bien la tercera entrega, véanla antes para no perderse tanto con los hechos y términos que van añadiéndose. Como sea, le entiendas por completo o no, es conmovedor el final por lo que representa para los personajes y la enseñanza de que, incluso si cometemos errores y dudamos, podemos seguir adelante con un poco de esperanza y reescribir nuestra vida, Ahora sí, éste es el adiós a Evangelion. 

@YukiVongola

Los Caballeros del Zodiaco encienden el cosmos con concierto sinfónico

Los Caballeros del Zodiaco es uno de los animes más importantes en México, debido a los personajes, historia y entramado mitológico que Masami Kurumada plasmó en su obra, y que marcaron a niños y jóvenes que lo vieron en 1992, ya hace 30 años. Su popularidad fue evidente en el concierto sinfónico realizado el 3 de septiembre en la Arena Ciudad de México, que elevó el cosmos de cientos de fanáticos.

La orquesta Sincrophonía, dirigida por Rodrigo Cadet y con más de 80 músicos, así como la soprano Irma Flores, Maureen Mendo (el cantante en América Latina de los openings y endings) y Naoko Kobayashi (que tocó el taiko, o tambor japonés) se encargaron de expresar esta oda titulada “Pegasus Fantasy - A Symphonic Experience”, en que las emociones y sentimientos que la música nos producía al ver las batallas de Seiya y de los demás caballeros para proteger a la diosa Atena y salvar al mundo nos volvieron a embargar.

El inicio del evento fue la introducción que veíamos al inicio de los capítulos, en los que se explicaba la función de los caballeros. Seguido de eso, los temas de batalla “Pegasus Ryū Sei Ken” y “Galaxian Wars” fueron de los primeros en escucharse.

Todas las 41 canciones estuvieron acompañadas de una acertada selección de videos que compenetraron a la perfección con los ritmos y cambios melódicos que posee la banda original compuesta por el japonés Seiji Yokoyama, la cual combina la marcha épica y el rock sinfónico. Ambos géneros enaltecen a los héroes y dioses, como se pudo observar y escuchar a lo largo de la serie. 

Las imágenes proyectadas fungieron como un puente narrativo en la historia de Los Caballeros del Zodiaco, empezando con el Torneo Galáctico (“Direction of Heated Fights”), la saga del Santuario (“Cosmo of Friendship”) y la de Asgard (“Gold Cloth, Descent”).

De manera intermedia, piezas musicales de las películas también fueron interpretadas, tales como “Evil Goddess Eris”, de la tercera película de la franquicia denominada La reencarnación de Eris, diosa de la guerra; “Saori’s Decision”, “Heated Saints” y “Underworld”, de Los Caballeros del Zodiaco contraatacan, antagonizada por el dios Abel (esta cinta fue la primera en estrenarse en cines mexicanos en 1996, a pesar de ser el tercer largometraje de la serie); y de La gran batalla de los dioses, "Northern Legend" y "Asgard's Brother and Sister".

Como mencioné anteriormente, Maureen Mendo interpretó los openings y endings "Pegasus Fantasy", "Blue Forever", "Soldier Dream" (cantada con la soprano) y "Blue Dream", lo que hizo que todo el público cantara al unísono.

Hay que destacar el talento vocal de Irma Flores, quien conmovió a los fanáticos con aquellos temas que expresaban tristeza y que servían como réquiem, tales como "Sad Brothers" e "Inside a dream", la cual fue enmarcada por un video del sacrificio de Shiryu en su lucha contra el caballero Dorado de Shura de Capricornio. Entre el público hubo quien gritó "¡Ya me hiciste llorar!" Esta presentación provocó que los asistentes ovacionaran de pie y dieran un largo aplauso a la soprano, quien a su vez comentó que la haríamos llorar.

El coro masculino también realizó un gran trabajo con piezas como "Save the Goddess", que nos transportó a los pasajes helados y desolados de Asgard, así como a la melancolía y respeto por los guerreros nórdicos. El tema "Gold Cloth, Descent" fue interpretado junto con Flores.

Los solos tocados con los distintos instrumentos, como violín, flauta y piano, fueron increíbles, pero especialmente lo fue el interpretado con el arpa, con la melodía "Mime´s Harp", que se llevó un largo y sonoro aplauso.

El evento finalizó con "Under the Wood of the World Tree", que dio fin al arco de Asgard. Ante los aplausos y el reconocimiento del trabajo musical y vocal, y de pedir una canción más, Irma Flores despidió a los fans con "Chikyuugi", el opening de la saga de Hades, lo cual abre la posibilidad de una segunda edición del concierto, pero esta vez abarcando las historias de Poseidón y Hades.

Ésta fue la mejor manera de celebrar el  próximo 37 aniversario de Los Caballeros del Zodiaco desde la primera publicación del manga en Japón (diciembre) y de los 30 años de su existencia en nuestro país. Los fans, de entre 25-35 años, fueron los predominantes en el espectáculo, ya que fueron quienes crecieron con el anime y, claro, también acudieron los padres que en los noventa la veían junto con sus hijos, como fue mi caso.

¿Y ustedes han sentido el poder del cosmos?

@YukiVongola

Dragon Ball Super: Super Hero llega a cines mexicanos

La nueva película de la franquicia de Dragon Ball, titulada Super Hero, por fin se estrenó el 18 de agosto en cines de México. Este capítulo, con guión y diseño de personajes del autor original, Akira Toriyama, cambia el enfoque de las películas y la serie en sí, al regresar a los orígenes de la serie con la Patrulla Roja y al enfocarse y obtener la reinvindicación de Gohan y regresarle a Piccoro su importancia en la historia.

La realización del filme tardó cinco años, y en especial los últimos meses fueron turbulentos debido a un hackeo y expectación en el doblaje latino.

Pero, ¿a qué me refiero con lo anterior? En un primer momento, esta nueva aventura tendría a Piccoro como protagonista. Sin embargo, el productor ejecutivo presionó a Toriyama para que Gohan lo fuera y las pláticas para llegar a un punto medio tardaron hasta que ambos estuvieron de acuerdo. Aunado a eso, la película iba a titularse Super Hero, pero Toriyama olvidó que la etapa actual de la serie se llama Dragon Ball Super, razón por la cual se repite esta palabra.

Originalmente, iba a estrenarse el 22 de abril, con miras a ser lanzada al resto del mundo en junio, sin embargo, el 6 de marzo, el estudio de animación Toei sufrió un hackeo debido a la descarga de un virus informático de parte de uno de sus trabajadores. Esto afectó al desarrollo de la cinta, debido a que terminó proyectándose hasta el 11 de junio en Japón, además de que se divulgaron en internet varios detalles sobre la misma. 

Se podría decir que este incidente repercutió de manera positiva al producto final, ya que se corrigieron detalles de color, de movimiento y de animación, puesto que está realizada en su totalidad en 3D con CGI (imágenes generadas por computadora). La decisión de Toei por apostar a este tipo de animación, en vez de la tradicional 2D, se debe a que querían acercarse al diseño original Toriyama.

Y en verdad que lograron ese efecto, en especial en las partes de la película en la que se refieren a eventos pasados, tales como a Goku cuando era niño o las escenas de la saga de Cell, que tienen mayor parecido con el arte del manga, aún mejor que el del anime.

Sobre el lado del doblaje, creo que en Latinoamérica, en específico, México, hubo una gran incógnita sobre quién le daría vida al personaje de Gohan, el protagonista en esta ocasión. Como seguro varios recordarán, Luis Alfonso Mendoza, gran actor de voz que interpretó al adolescente hijo de Goku en la saga de Majin Boo, y en los animes de GT, Kai y Super, falleció el 29 de febrero de 2020, víctima de la violencia del país, junto con su esposa y su cuñado. Por tanto, cuando se realizaron las audiciones para el papel, hubo gran expectación por parte de los fans sobre quién podría ser elegido. 

Para sorpresa, el actor Luis Manuel Ávila, quien ya contaba con experiencia en el doblaje al participar en Los Caballeros del Zodiaco: The Lost Canvas como Cerberus, tendría su primer protagónico en el anime. Al lanzar el primer tráiler en español, no hubo dudas de que era el indicado para darle un segundo aire a Gohan. A momentos, su tono es similar al de Mendoza, pero impone su propio estilo y entiende cómo expresarse como Gohan, un héroe que sale de su zona de confort para dar más de sí y convertirse en un superhéroe para su hija, Pan, y para el que es su segundo padre, Piccoro.

Super Hero se estrenó en México (así como en el resto de Latinoamérica) un día antes que en Estados Unidos, hecho que ocurre por primera vez en la historia de las películas basadas en anime, además que en algunos cines estaba la opción de verla en su idioma original. Aunque quién quiere verla en japonés cuando Carlos Segundo (Piccoro), el mismo Luis Manuel Ávila, Circe Luna (Pan) y el resto de actores de voz hacen un gran trabajo.

Con ese aire fresco del cambio de perspectiva, las referencias hacia las películas recientes y temporadas de antaño, así como a videojuegos (más en concreto Dragon Ball FighterZ), a los personajes introducidos en esta cinta (como el doctor Hedo, Gama 1 y Gama 2), y esos detalles que recuerdan a la animación clásica de superhéroes, la cinta resulta muy entretenida, divertida y ágil.

Tras estrenarse en Japón, se hizo oficial que Toei ya trabaja en otro proyecto, aunque no se especificó si será otra cinta de la mano de Toriyama o si habrá nueva temporada de Dragon Ball Super que anime el actual arco de manga. Como sea, estamos seguros que habrá más de estos entrañables personajes y, como  siempre, llegarán a México una vez más.

@YukiVongola

Concierto sinfónico "Anime Live" resuena en el Teatro Ángela Peralta

Decenas de otakus de diversas generaciones, algunos disfrazados y otros con ropa alusiva a personajes de distintas series japonesas, se reunieron en el Teatro Ángela Peralta, ubicado en la zona de Polanco en la Ciudad de México, para escuchar 26 temas de anime interpretados bajo el estilo sinfónico.

El Anime Live, el primer concierto sinfónico dedicado a aquellos animes de antaño que marcaron nuestra infancia y a los nuevos clásicos que han atraído a nuevos fans al mundo del pop japonés, se realizó pasado las 18:00 horas de la mano de Symphonic Experience y de los músicos de la Mexican Pops Orchestra.

A pesar de la amenaza de lluvia, el clima mejoró poco a poco. Los asistentes e invitados, entre ellos, varios cosplayers, aprovecharon el tiempo antes del inicio del concierto con sesiones de fotos, comiendo comida japonesa o adquiriendo productos. Aproximadamente a las 6:15, los actores de voz Víctor Ruiz (Saitama en One Punch Man) y Ana Lobo (Mikasa en Shingeki no Kyojin) fueron los presentadores del evento, quienes inyectaron mucha energía desde un principio a los asistentes.

La versión original de "The World", el primer opening de Death Note, interpretado por Ricardo Loera (actor de voz de Sonic en One Punch Man), Chac Ramos, y una banda de rock, abrió el concierto. Le siguió "Again", de Full Metal Alchemist Brotherhood, cantada por la artista Yue, y "Rose", de Nana, interpretada por Prudence. Las presentaciones fueron acompañadas por videos musicales que mostraban escenas de las series, aunque no siempre estaban en sincronía.    

No podían falta el clásico "Pegasus Fantasy", de Los Caballeros del Zodiaco, cantado en español y en japonés, y "Seishun Kyōsōkyoku" de Naruto. Continuaron dos canciones cuyos animes se han convertido en un éxito y que son responsables de la nueva oleada del interés de los niños y adolescentes por estas creaciones: Dr. Stone y Jujutsu Kaisen, con "Good Morning World" y "Kaikai Kitan".

Un momento de nostalgia invadió al público con las dos siguientes canciones: "Sign", de Naruto, y "Cha-La Head-Cha-La", de Dragon Ball Z, interpretada en español, en recuerdo a Ricardo Silva, su intérprete en latino, quien falleció el año pasado. Ricardo Loera comentó lo importante que fue Silva en la infancia de muchos de nosotros con ése y otros temas de aquellos animes que en los ochenta y noventa muchos vimos y fueron los responsables de nuestro actual gusto por la cultura pop japonesa. 

Otras canciones también hicieron cantar a todo pulmón a los fans, con las versiones para Latinoamérica de "Mariposa", de Digimon; "Atrápalos ya", de Pokémon; y "Luz de Luna", de Sailor Moon, que en ésta última se contó con dos cosplayers profesionales disfrazados de Tuxedo Mask y de Sailor Mercury para hacer faramalla sobre el escenario. 

"The Hero",  de One Punch Man, y un tema de Kimetsu no Yaiba, precedieron a la entrada de los Mexican Pop Orchestra, con más de sesenta músicos y con coristas, con el opening "Hikaru nara" de Shigatsu wa Kimi no Uso, y "Connect", de Mahou Shoujo Madoka Magica. 

"Zankoku no Tenshi no Thesis" y "Chikyuugi", de Neon Genesis Evangelion y de Los Caballeros del Zodiaco, animaron al público por la increíble voz de Prudence, quien volvió a demostrar su talento vocal al interpretar en latín "Lillium", opening de Elfen Lied, uno de los temas más bellos y con secuencias de imágenes más geniales de la industria, debido a su estilo gregoriano y la voz de soprano que se requiere para su excelente entonación. 

La sinfónica se lució al interpretar dos temas pertenecientes al soundtrack original de The Vision of Escawflone y de Boku no Hero Academia, muy dinámicos, intensos, y bien dirigidos por el Maestro Caesar Uriel Hernández. A pesar de estar al aire libre, se apreció muy bien la acústica.

La última canción en español fue "Olvida la amargura", de Ranma 1/2. Continuaron los temas japoneses "Guren", de Kimetsu no Yaiba en japonés, también con los cosplayers que iban con trajes alusivos a esta serie, animando el escenario. 

El trío de temas que culminaron el concierto fueron de Shingeki no Kyojin, otro de los animes "nuevos" (la emisión de su primera temporada fue 2013). Así, "Guren no Yumiya", "Shinzo wo Sasageyō" y "The Rumbling", cuyas partes cantadas en alemán o que requerían tonos más guturales se encargó Dante Díaz.

Las voces y la música de estos talentos mexicanos hicieron de este evento algo único. No sólo cantaron y ya, sino que sus voces igualaban a las interpretaciones originales, en algunas, los tonos eran mejores, como en el caso de Prudence y Ricardo Loera. 

La sinfónica y la banda de rock en vivo le dieron un aspecto más realista e interesante a los temas que son parte de nuestra vida. No sólo son letras y melodías al azar, la mayoría de éstas fueron creadas con la historia del anime y los sentimientos de sus personajes en mente, los cuales llegan a nosotros y los convertimos en propios. Una experiencia muy diferente que esperemos se repita el próximo año.

@YukiVongola

Fallece Kazuki Takahashi, creador de Yu-Gi-Oh!

Kazuki Takahashi, famoso mangaka conocido por el fenómeno Yu-Gi-Oh!, falleció este 7 de julio debido a un posible accidente mientras realizaba snorkel.

El cuerpo del japonés de 60 años fue encontrado flotando junto a un equipo de buceo a 300 metros de la costa de Nago, en la prefectura de Okinawa.

Las autoridades investigan las causas de su muerte. Los restos serán enviados a su familia en Tokio en los próximos días.

De acuerdo con un diario local, su muerte habría ocurrido dos días antes del hallazgo. 

Sin duda, una lamentable noticia para la industria del manga, del anime y del juego de cartas. Su creación, que se centraba en un joven llamado Yugi, quien recibe de su abuelo un antiguo rompecabezas que encierra el espíritu de Yami, un faraón egipcio, se publicó en 1996 en la revista Weekly Shounen Jump. 

La premisa de la posesión del cuerpo del adolescente y de una sociedad que está influenciada por el Duelo de Monstruos, un juego de cartas, se convirtió en un éxito, más cuando se realizó el anime en 1998. En México, empezó a emitirse dos años después.

Con el éxito del anime, dentro y fuera de Japón, fue cuando las pintorescas cartas se volvieron realidad y comenzó toda una era que revivió el un poco olvidado juego de cartas a nivel mundial. Recuerdo que mi papá me compró a mi hermano y a mí dos mazos, el de Yugi y el de Kaiba, y aprendimos a jugar juntos.

En la escuela también se volvió un obligado durante el recreo. Posteriormente, cuando entré al CCH Azcapotzalco, la banca friki de ahí era conocida como la "Banca Yugi". Gracias al Duelo de monstruos, me hice amiga de muchos chicos que tenían gustos similares a los míos. Recuerdo que en mis ratos libres nos poníamos a jugar. Claro, perdía muy feo, pero era divertido. Incluso, varios de ellos me regalaron cartas para fortalecer mi mazo. 

Para mí, la creación de Takahashi no sólo fue algo más que consumía y me divertía, sino que fue parte importante de mi vida y gracias a eso experimenté grandes situaciones en mi vida estudiantil, además de conservar amistades de esa época. 

Su arte y legado, porque Yu-Gi-Oh! se convirtió en una gran franquicia desde entonces, permanecerá en nuestros corazones, así como en el corazón de las cartas.

¡Es hora del duelo!

@YukiVongola

IKE, vocalista del grupo jrock SPYAIR, se retira de la música

Una parte del alma de la banda de rock japonesa SPYAIR se fragmentó este 31 de marzo. IKE, su vocalista de casi 38 años, anunció su retiro del grupo y de la música por complicaciones de una colitis ulcerosa, una enfermedad que desde el 2019 le aquejaba.

 

Hidefumi Ikeda, a pesar de su estado de salud en ese año, en el cual reveló en su mensaje de despedida en el sitio web de la banda que estuvo hospitalizado, se mantuvo activo del 2019 a inicios de 2022 con los lanzamientos de sencillos y álbumes, así como con sus tours nacionales "UNITE" y "BEST OF THE BEST", y al realizar varias colecciones de su marca de ropa Nil. En febrero de este año, iba a debutar como solista en el Billboard Japan en Tokyo, Osaka y Yokohama, mas se canceló su participación por la recaída en esta enfermedad.

Desde entonces, se dio a conocer que estaba mal de salud, aunque no suponía ningún riesgo para él. Pero el resultado fue que sí lo representó para su carrera musical. En su misiva, comentó que está bajo tratamiento de este mal incurable, aunque controlable, pero que sigue sin estar estable del todo, de ahí que su decisión, tras pensarlo con el resto de los miembros (KENTA, MOMIKEN y UZ) y el staff, fue el dejar la agrupación.

Una situación similar sucedió en 2014, cuando le diagnosticaron una corditis aguda y pólipos en las cuerdas vocales. IKE anunció en medio de la gira "Imagination" que dejaría la música. Sus compañeros lo animaron y le mostraron su apoyo, de manera que las siguientes canciones se amoldaron al cambio que sufrió su voz. Ahora, ocho años después, ese milagro no volvió a ocurrir.

Con dolor en sus palabras y señalando que su resolución fue egoísta, comentó que intentará "vivir como un ser humano, no como un vocalista", mientras agradeció a su familia y a los fans que hicieron posible que SPYAIR dejara de ser una banda que se presentaba en las calles de Nagoya a realizar conciertos con diez mil asistentes y poder viajar al extranjero en un tour mundial en 2018, en el que México fue una de las paradas.

 

Esta noticia, que podría parecer tan lejana para nosotros, no lo es para mí. En octubre de ese 2018, sabiendo que los chicos vendrían a nuestro país, organicé junto con otros fans una bienvenida. El 6 de octubre arribaron y ya nos tenían esperándolos en el aeropuerto con ponchos con sus nombres grabados, muñecos tejidos con motivos mexicanos, así como tequila y cerveza. Los ojitos de IKE brillaron ante tan cálido recibimiento y se tomó foto con nosotros, cruzando palabras con nosotros. El día siguiente, ya el del concierto, nos reconoció en la foto al término del espectáculo. Recuerdo que cuando nos acomodamos para retratarnos con ellos, él me dijo que la flor que llevaba en la muñeca estaba muy bonita. Esa flor de papel, así como decenas más, fueron hechas por nosotros para agitarlas durante la canción "Singing".

 

En el 2019 fue mi penúltimo viaje a Japón, debido a un curso de japonés. Dada la oportunidad, asistí al Just Like This, un concierto que SPYAIR realiza en los veranos desde 2015 en el Bosque de Coníferas del Fuji Q-Highland, un parque de diversiones enorme desde el que se observa el Monte Fuji. Con ayuda de una chica japonesa que, sin conocerme, me compró un boleto, pude volver a verlos en vivo, en un entorno natural y bajo la lluvia, y un arcoíris que enmarcó el momento tan especial. Tan cerca del escenario y con mi amiga Haruka, su hermana y un amigo, disfruté escuchar esa voz tan distintiva. Un día después, me dio gripe y mi casera tuvo que darme medicamento. La experiencia lo valió.

IKE no sólo es un vocalista, un músico. Su voz, aunado al ritmo del bajo, guitarra y batería, me anima en aquellas noches melancólicas, me hace pensar en lo que es convertirse en adulto, en lo que es la vida y hace que quiera bailar. Gracias a él y a lo que representa SPYAIR, pude conocer personas interesantes que ahora son mis grandes amigos. 

Es que eso representa el poder musical, llegar a la gente e intentar transmitir emociones y sentimientos, sentir lazos, pese a la distancia. Y eso lo logró IKE, siempre pendiente de los fans, conectando con nosotros. Es una gran pérdida en la industria del rock japonés. 

SPYAIR seguirá con MOMIKEN, KENTA y UZ, pero el concierto del Just Like This de este verano y otros conciertos programados para su club de seguidores se cancelaron. El destino es incierto, pero estaremos apoyando a la banda. Más importante, que IKE esté estable y pueda vivir rockeando a su estilo en su nuevo camino.

@YukiVongola

Digimon Adventure: La última evolución kizuna, el adiós a la niñez

La película de la saga Digimon Adventure, denominada La última evolución kizuna, es el final perfecto y maduro que este anime pudo habernos entregado tras las dos primeras series, así como capítulos especiales y películas, que nos han acompañado a lo largo de nuestras vidas desde que se estrenó en televisión abierta en México en el 2000. 

 

El filme, estrenado en Japón en el 2020 y cuyo estreno mundial se atrasó en diversos países por la actual pandemia, llegó por fin a cines mexicanos con parte del elenco de voces originales de Digimon Adventure y Digimon Adventure 02, lo que añade más nostalgia a esta historia que se centra en dos de los Niños Elegidos, Tai y Matt, quienes están a punto de graduarse de la universidad y no saben qué camino tomar cuando otros de sus amigos (Mimi, Izzy, Joe, Sora), con los que compartieron decenas de aventuras, tienen ya sus decisiones sobre lo que quieren hacer en sus vidas adultas.

Ante esto, un fenómeno a nivel global afecta a aquellos que tienen digimon. Los humanos entran en coma y sus compañeros digitales desaparecen. La situación conlleva a que los Niños Elegidos conozcan a una joven prodigio, Menoa Belluci, y a su guardaespaldas, Kyotaro Imura, quienes les esclarecen que el culpable es un monstruo digital, llamado Eosmon, quien busca arrebatarles las conciencias.

A partir de este momento, Tai y Matt descubren que les queda poco tiempo con sus compañeros, ya que mientras más crezcan, el potencial que los une con el mundo digital y sus criaturas se irá desvaneciendo hasta que el adiós sea inevitable. Así que el dilema de mantenerte estático para estar con sus digimon o seguir el ciclo de la vida aunque haya despedidas es lo desgarrador de la película.

 

Con una excelente animación, la música y temas originales de la primera temporada del anime (y ese impacto al comenzar el filme de escuchar el "Bolero" de Ravel), y las escenas de pelea, tenemos una joyita de la animación que te hace chocar con tu realidad.

Debo comentar que fui al cine a verla con un amigo y nos fue imposible no sentirnos identificados con los personajes de Tai y Matt ante el desconcierto e inseguridad de un futuro, la toma de decisiones que puede alejarte del camino de tus amigos o familia, o el aferrarte a un recuerdo por sólo querer mantenerte con la felicidad actual. Sean las circunstancias y lo que elegimos en cierto momento, la vida nos llevó a otro camino.

El tema de madurar, de crecer, de la amistad, presente siempre en la cinta, es algo que todos los que vimos Digimon en nuestra niñez y que ahora vemos la culminación de la historia podemos entender. Los de esta generación, de 25 a 35 años, nos enfrentamos al mundo laboral, a la independencia, a la zozobra y al miedo sobre si podremos cumplir nuestros sueños o si nuestros amigos seguirán ahí. En el caso de la película, tenemos a Matt, quien en la serie Digimon Adventure 02 y la serie de OVA´s (Original Video Animation) de Digimon Tri, vemos que tiene una banda de rock y parece que su destino es ése, sin embargo, en la película ve con nostalgia a músicos callejeros mientras duda sobre a qué dedicarse.

 

Entonces la importancia de dar el salto a la madurez adulta y el adiós a aquellos seres queridos pega justo en el corazón, más porque parece que el último capítulo de Adventure 02 nos timó por años, a menos que la respuesta esperanzadora que se busca en la cinta se halle en los hijos de los Niños Elegidos. 

El final de la película, que desde el título te lo dejan claro, nos enseña que los lazos (kizuna) que tenemos a lo largo de nuestra existencia (sea que algunos sigan ahí u otros se rompan) nos forman y nos hacen lo que somos en el presente. La muerte y las despedidas no son definitivas, siempre estarán con nosotros quienes se fueron, de una forma u otra. De eso se trata la vida, y Digimon Adventure: La última evolución kizuna nos lo refleja más que bien.

Aquí es cuando la aventura digievoluciona.

@YukiVongola

Fallecen Mónica Villaseñor y Pedro D'Aguillón Jr., voces icónicas en DBZ

En tan sólo dos días (2 y 3 de febrero) fallecieron dos grandes actores de voz mexicanos. Mónica Villaseñor y Pedro D'Aguillón Jr., de 55 y 76 años, quienes son recordados por dar vida a la Androide 18 y a Tao Pai Pai de la saga Dragon Ball, dejaron tras de sí un legado y recuerdos en la infancia de muchos de nosotros en la época dorada del anime en la televisión abierta mexicana. 

 

 

Las causas de sus muertes aún no se han revelado, pero en el caso de la actriz sí se sabía que tenía problemas de salud. 

Mónica Villaseñor, quien fue egresada de Literatura Dramática y Teatro, con especialidad en Dirección, en la Universidad de México, se encargó de dar voz a Tomoyo Daidoji, la inseparable amiga de la protagonista de Sakura Card Captor; así como a Shaina de Los Caballeros del Zodiaco; a Hao Asakura en Shaman King (cuyo papel estaba repitiendo en el actual remake de la serie); a la Sailor Star Fighter en Sailor Moon; y a Cerebrín en Hamtaro. 

Pedro D'Aguillón Jr., hijo del legendario actor Pedro D´Aguillón García, además de ser la segunda voz de uno de los primeros enemigos de Goku en Dragon Ball, fue Yoruichi Shihouin en su forma de gato en Bleach; Silver Fang en One Punch Man; y cómo olvidar su voz como Freddy Krueger, en las películas de Pesadilla en la calle del infierno, o al personaje de Dan Aykroyd en los Cazafantasmas, actor a quien solía doblar junto con Stanley Tucci; y al oso hormiguero que aparecía en capítulos de la Pantera Rosa.

Una gran pérdida al iniciar el segundo mes del año, después de que en el 2021 también hubo muchos fallecimientos en esta industria que los fans mexicanos sentimos como la muerte misma de los personajes.

@YukiVongola