Kuroshitsuji: el mayordomo que es un demonio

Las historias sobre pactos de humanos con seres sobrenaturales, como demonios, no son tan nuevas, pero es diferente cuando el involucrado es un niño; ya con la novela Fausto, de Goethe, se abre un camino sobre estos temas, cuyo resultado es la pérdida de algún anhelo o el alma. 

Yana Toboso, la mangaka responsable de Kuroshitsuji, retoma el pacto con el demonio pero, al contrario de otras historias donde una persona adulta que ha sufrido a lo largo de su vida es tentada a realizarlo, es Ciel, que contaba con doce años.

¿Qué puede motivar a un niño a vender su alma? La venganza, naturalmente. Los padres de Ciel eran aristócratas, con el título de condes, eran dueños de la Compañía Funtom, dedicada al público infantil, y cercanos a las grandes esferas de la Inglaterra victoriana. incluyendo a la misma reina. Ciel era un niño normal, muy alegre, hasta que sus padres mueren en un asesinato disfrazado de accidente incendiario en su mansión.

Como ésta queda reducida a nada, se da por sentado que toda la familia Phantomhive murió, pero sólo Ciel sobrevivió para después ser vendido en el mercado negro como esclavo en un culto satánico, donde le hacen una marca al rojo vivo, la marca de la bestia, que representaba al culto en cuestión. Tras meses de todo tipo de tortura, Ciel pierde toda esperanza y nace en él un gran odio hacia sus captores; es en ése momento en que una voz le ofrece un trato: si él le ayuda en su venganza sobre aquellos que lo lastimaron a él y a su familia, él le dará su alma.

Meses más tarde, el joven Ciel, con ya doce años, reaparece en la aristocracia, sorprendiendo a todos que lo daban por muerto, además que su apariencia es extraña: un parche en su ojo derecho cubre el sello del contrato hecho con el demonio. Acompañado de un mayordomo llamado Sebastian, que es la figura y nombre que adopta el demonio, y de otros sirvientes, escogidos por Sebastian, reconstruye su mansión y pone de nuevo en operación la compañía, ahora como el conde Ciel Phantomhive. El demonio es perfecto, no sólo por su bella apariencia, sino porque es un mayordomo excelente que hace las cosas al instante.

Ciel hereda el título de "el perro de la reina", de su padre, lo cual implica investigar misteriosos asesinatos y desapariciones, tales como el caso de Jack "El Destripador", en que aparecen personajes importantes: el oficial de Scotlan Yard Frederick Abberline, que en la vida real fue el detective a cargo del caso de Jack; y, la presencia de los shinigami, dioses de la muerte, cuyo término lo retoman del japonés, pero los métodos de tomar almas nos recuerdan a la Muerte con una guadaña.

La primera temporada introduce a los personajes importantes, como a la reina Victoria, y situaciones que nos dan más datos sobre Ciel y del mismo Sebastian; con un final alternativo, ya que el manga aún no termina, dejó gustosos a muchos, por lo que una segunda temporada salió, pero con una trama original, es decir, no se basaba en el manga.

En ésta, Alois Trancy, un chico de trece años, junto con su mayordomo también demonio, Claude, son los antagonistas. Alois no es muy diferente a Ciel: poco después de su nacimiento es robado y vendido como esclavo. Pocos años después, el conde Alois Trancy, un viejo raboverde, lleva a Jim (verdadero nombre del chico) a su mansión. Cuando Jim empieza a manipularlo, así como a otros más adultos, a través del deseo pederasta del tipo, lo asesina para quedarse con sus riquezas, y se queda con su nombre. El ahora Alois busca matar a Sebastian, y por consiguiente a Ciel, ya que piensa que él fue el responsable de la muerte de su familia.

Sin embargo, la mejor temporada es la tercera, denominada Book of circus, basada en ese arco argumental del manga. Aunque es otra temporada, ésta inicia sin tomar en cuenta, por lo menos, la primera, manifestándose desde cero los personajes; además que tiene escenas más explícitas y crueles.

La trama principal es la investigación que la reina le encarga a Ciel sobre desapariciones de niños y la sospecha de que los miembros de un circo son los responsables. Tras infiltrarse amo y mayordomo en él, descubren la verdad: un viejo amigo del padre de Ciel, obsesionado con él, raptaba niños a través de las habilidades de los cirqueros, estilo El Flautista de Hamelin, usándolos como esclavos y sujetos de torturas; pero lo peor del asunto está cuando nos damos cuenta de que las prótesis de los chicos del circo estaban hechos del polvo de los huesos de los niños raptados.

Tras una serie de hechos, Sebastian se sorprende de lo inhumano del ser humano, y cómo, aunque él sea un demonio que está en busca de almas por devorar, sus actos lo hacen menos demonio en comparación por lo hecho por los humanos entre ellos mismos, lleno de crueldad.

Si algo hace reflexionar la serie es sobre el verdadero mal, que siempre es humano, y si bien una fuerza mágica, mística o demoníaca puede ser una gran herramienta, el único que la emplea es el hombre con su raciocinio, con el objeto de hacer sufrir a otros para satisfacer sus instintos y su misma naturaleza destructiva. Y si eso lo hace un adulto, un niño que lo piense y lo haga nos dice mucho sobre su contexto que lo llevó a tal extremo, incluso en nuestra realidad esto sucede.

Como dice Sebastian al final de Book of circus:

 "Tienen una crueldad y una compleja maldad diferente a la de los demonios, mienten y se resisten con todas sus fuerzas. Pisotean a los demás, roban y les roban, no paran de repetir excusas y, aún así, intentan llegar más allá de la colina. Por eso los humanos... son tan interesantes."

Les comparto los tres openings de las tres temporadas:

@YukiVongola

Fairy Tail: sigue la magia de las hadas

La magia es vista como una fuerza positiva, envuelta en muchos mitos y seres extraordinarios, pero el manejo tergiversado de ésta pueden crear la destrucción. En el manga tenemos muchas historias que nos retratan la magia en distintas épocas y continentes, ya sean reales o ficticias, usada ésta de diversas maneras. 

Una de estas obras es responsable Hiro Mashima con Fairy Tail, y no, no se equivocaron con el nombre, ya que no se trata de contar un cuento de hadas, sino la historia del gremio de tal nombre, aludiendo a la gran interrogante que se hiciera su fundadora, Mavis Vermilion, sobre si las hadas poseen o no cola.

Adentrándonos en la historia, se nos ubica en un mundo monárquico y que nos recuerda a la Edad Media con los gremios, con paisajes parecidos a los de Italia. En la ciudad de Magnolia, en el reino de Fiore, se encuentra Fairy Tail, uno de los tantos gremios oficiales de magos. En éste, las personas que desarrollaron o aprendieron artes mágicas, pueden vivir y convivir mientras esperan tomar un trabajo especial para magos, los cuales incluyen desde rescatar personas o derrotar magos o gremios oscuros, así como misiones más triviales. 

Lucy Heartfilia, una chica que posee la magia de espíritus celestiales, es decir, que puede abrir portales para invocar seres como Leo o Piscis, abandona su casa para unirse a Fairy Tail, el cual era uno de sus mayores deseos. En su camino, conoce a Natsu, quien la desconcierta ante sus ataques de fuego lanzados por su boca y que dice que es hijo de un dragón.

A partir de la idea del dragón, se desencadena la trama, ya que el objetivo de Natsu es encontrar a su padre dragón, Igneel, ya que hace siete años desapareció sin decirle nada. 

En la historia se añaden conflictos entre Fairy Tail y gremios oscuros, que quieren adueñarse o destruir el reino entero, o que son seguidores de Zeref, el mago oscuro por excelencia, invocador de demonios, con la idea de oscurecer la vida en la tierra.

La magia se encuentra de diferentes formas, como magia que emerge del cuerpo del portador, o aquella que requiere contacto con alguna fuente externa para producir magia, o magia de aire, o escritura oscura, o magia moldeadora de formas, o de equipamiento, o magia perdida, entre la que se encuentra la dragon slayer, que es enseñada por un dragón para matar dragones, y es usada por Natsu.

Los valores que constantemente se recalcan son la amistad y la familia, ya que los personajes viven en el mismo lugar y han vivido experiencias malas y buenas que reafirman esos lazos. De igual manera, la magia se nos muestra como dadora de vida y esperanza, y como una fuerza que puede destruir todo.

Para complementar el ambiente mágico, la banda sonora recuerda a la música celta clásica, sino, escuchen el tema de Fairy Tail, y su mezcla con heavy metal y rock, de manera que esta obra de Takahashi Yasuharu nos remite directamente a peleas épicas y a un mundo lleno de fantasía.

Para los que les gusta el género de acción y magia, ver a estas hadas descubriendo si tienen cola es muy interesante y que ha cautivado a muchos seguidores en el mundo, tanto así, que la segunda película, Dragon Cry, será estrenada 26-27-28 de mayo en cines específicos aquí en México.

¿Están listos para seguir la magia de su alma?

@YukiVongola

Shingeki no Kyojin: la humanidad perece

No puede haber cosa peor para el hombre que su propia existencia, como raza, se vea amenazada. Ya sea por algún desastre natural, alguna pandemia, o por el mismo hombre. Sin embargo, el que una especie diferente al humano se imponga con supremacía y lo convierta en presa, en vez de cazador, invirtiendo el orden de la cadena alimenticia, es impensable para nosotros.

Shingeki no Kyojin plantea esta idea en un mundo que nos recuerda a la Europa medieval por la vestimenta, estilo de vida y la arquitectura representada, posiblemente en Alemania, por los nombres de los personajes. La gente vive enjaulada dentro de tres enormes murallas, las cuales sirven como protección contra unas criaturas que amenazan a la raza humana: titanes.

Los titanes surgieron un día de la nada, moviéndose lentamente pero con un objetivo muy claro, devorar a todo hombre que se le cruzara enfrente. Menos de la mitad de la población mundial que logró sobrevivir construyó inmensas murallas, lo suficientemente grandes para que esos seres gigantescos no lograran atravesarlas, refugiándose y viviendo ahora encerrados. Los años pasaron, y el ejército fue estudiando a los titanes, desarrollando métodos para contrarrestarlos y obtener alguna ventaja sobre ellos, como un dispositivo que permite "volar" para defenderse y atacar efectivamente a esos seres.

Mas, cien años después de que se viviera en relativa paz, la cara de un titán de tamaño colosal es avistado sobre la primera muralla, lo cual sólo es el comienzo del horror: tras una patada, éste crea un agujero por el cual entran los titanes y, con ello, la matanza y los números rojos de la humanidad regresan.

Aquí es donde aparecen los protagonistas, Eren, Mikasa y Armin, quienes logran sobrevivir a ese ataque y a sus traumas de ver a sus padres cuando eran devorados, deciden unirse al ejército, en específico a la Legión de Reconocimiento, que son entrenados para salir de las murallas y matar titanes.

Con ataques de los titanes cada vez más seguidos, lo cual equivale a más bajas civiles y militares, se van descubriendo más detalles sobre estos seres, como el hecho de que hay humanos que tienen la habilidad de convertirse a voluntad en una de esas criaturas, conservando su razón. Uno de ellos, es Eren, quien desconocía tal poder, pero que es ahora un arma indispensable para luchar por la libertad.

Así, en la segunda temporada actualmente en emisión, otros misterios y confabulaciones se entretejen, como el origen de los titanes y el papel que desempeñaron antes de que la humanidad se vieran al borde de la extinción.

Shingeki no Kyojin, sobre todo en el manga, tiene un estilo de dibujo no tan convencional, es decir, éste no es estilizado, las facciones son duras y muy remarcadas, de manera que se transmite bastante bien el horror que presencian los personajes y, por supuesto, a los titanes, que se ven más abominables. Esta cuestión fue criticada por otros autores de manga, infravalorando la obra por su dibujo, aunque creo que eso es lo que crea un efecto distinto en su público.

Como dato curioso, el mismo autor, Hajime Isayama, comentó alguna vez que se había basado en chicos que durante su niñez y adolescencia lo habían molestado para crear los rostros de los titanes.

Es imposible no sentirse desesperado con cada capítulo del manga y del anime, en que la situación se ve tan oscura y sin ninguna salida, pero, pese a eso, los personajes están dispuestos a dar todo de sí para regresar la libertad a al ser humano, sin importar los sacrificios.

La dignidad del ser humano no está hecha para estar enjaulada.

 Les comparto el opening de la primera temporada: 

Cowboy Bebop: vaqueros espaciales y jazz bebop

Si hablamos de anime como una joya de la animación, tanto por la historia y personajes como por la música que le acompañan, Cowboy Bebop es imprescindible.

Ésta es una serie original de 1998, dirigida por la mente maestra Shinichiro Watanabe, de manera que podemos percibir en ella una mezcla de distintos estilos cinematográficos occidentales (como el western y el cine negro), y orientales (como el  cine de acción de Hong Kong, que se hace más notorio por las escenas de Jeet Kune Do, arte marcial que desarrollara Bruce Lee); al igual que una gama musical que abarca el jazz, blues, rock, heavy metal y música clásica

La palabra "bebop" hace referencia, claro, al nombre de la nave en que el vaquero principal, Spike, habita, pero también hay una alusión al estilo de jazz que se caracteriza por una individualización de la sección rítmica y los tempos rápidos, que dan la sensación de un caos estridente musical.

Cowboy Bebop nos ubica en el año 2071, en que la colonización espacial es ya un hecho. La nave Bebop viaja con sus tripulantes, Spike Spiegel y Jet Black, dos cazarrecompensas que siempre están en busca de criminales prófugos por todo el espacio, lo cual permite observar el estado y estilo de vida que tienen las personas en otros planetas, y lo poco que quedó de la Tierra.

Posteriormente, se integran al Bebop Fay Valentine, una mujer que despertó de un sueño criogénico, Ed, una chica muy inteligente y gran hacker, y Ein, un perro. A lo largo de la serie vamos conociendo el pasado de los personajes, y cómo es que sus decisiones derivaron en su convivencia en la nave. 

La historia de Spike es el hilo conductor del anime, el cual tiene que ver con un viejo compañero de la mafia espacial, Dragón Rojo, y una chica, Julia. Es a través del ending, "The real folk blues", que podemos ver algunas escenas separadas que narran parte de la relación entre los tres personajes, lo cual va cobrando mayor importancia en los últimos capítulos y, por supuesto, en el final de la serie que, sin hacer spoiler, es por mucho uno de los mejores en esta industria.

Un elemento importante en Cowboy Bebop es la música. La mayoría de los capítulos tienen como 

título una canción de rock, jazz y blues, o que hacen alusión a un género musical que, explícita o implícitamente, tienen relación con lo sucedido en el episodio. Así, tenemos "Bohemian Rhapsody" (Queen), "Hard Luck Woman" (Kiss), "Honky Tonk Woman" (The Rolling Stones), "Stray Cat Strut" (The Stray Cats), "Toys in the Attic" (Aerosmith), "Speak like a child" (Herbie Hancock), Por otro lado, el soundtrack está compuesto por temas de jazz y blues, principalmente, y se mezclan el country, funk, balada; ni qué decir el opening, "Tank!", que es un tema en que el alto saxofón es el protagonista.

En fin, lo musical es vital para tener una mayor apreciación de la historia y los personajes, de manera que todo se conecta y la comprensión sobre los capítulos y la historia en general va teniendo mayor sentido al final. Una particularidad del anime es, que si juntas las frases que al final de los episodios aparecen, le da una perspectiva distinta a su contenido. Además, a lo largo de la serie hay muchos guiños sobre los tipos de cine ya mencionados, y ciertas películas, así como a otras expresiones musicales y artísticas.

Drama, aventuras espaciales, situaciones cómicas, personajes carismáticos y con un gran fondo psicológico, con una historia que nos hace reflexionar sobre el sentido de la vida y el peso que tienes que cargar con cada decisión que se tome. See you, Space Cowboy.

Les comparto el opening, "Tank!"

Ghost in the Shell: ¿Qué nos hace humanos?

¿Qué parte de nosotros nos hace humanos? ¿Será la capacidad de razonar?,  ¿Las interacciones sociales?, o ¿El distinguir sentimientos y emociones? No es una respuesta fácil de contestar, en especial cuando parece que mientras más vivimos en el mundo, nos volvemos más insensibles ante el sufrimiento o desgracias de otros, y todo es más sencillo si toda la atención la ponemos sobre la fría tecnología.

Ghost in the Shell (GitS) propone una solución a esa interrogante. El manga de Masamune Shirow, que tuviera una adaptación a película por Mamoru Oshii, ambienta la historia en el siglo XXI, en que la tecnología ha avanzado a tal grado que es posible cambiar el cuerpo frágil y biológico del humano a uno prostético, es decir, un nuevo caparazón artificial, ya sea total o parcial.

En este procedimiento, se tiene especial cuidado de no dañar y trasladar el ghost al cuerpo nuevo, el cual es un atributo en el cerebro que es virtualmente etéreo y otorga la facultad para generar autoconsciencia, emociones e individualidad al humano; es decir, el alma.

La protagonista del manga y la película es la Mayor Kusanagi, quien tiene un cuerpo prostético en su totalidad, lidera a la Sección 9, especializada en crímenes cibernéticos, persigue a un criminal llamado "Puppet Master", que ha estado hackeando los ghost de las personas, que se la pasan pegados a la gran red de información virtual y a la Inteligencia Artificial, logrando el control mental y muertes de las mismas.

En su búsqueda, la Mayor reflexiona sobre el sentido de la vida para alguien que no tiene más su cuerpo biológico, si los recuerdos que tenemos son de nosotros o fueron implantados por el propio ghost, así como qué es lo que nos hace humanos, y si realmente el alma que poseemos es lo único que nos distingue de otros seres.  

La película de 1995 hace mayor hincapié en la cuestión filosófica, la cual termina su propuesta en la secuela de 2004, Innocence. Además, varias escenas de Ghost in the Shell son retomadas en la película de Matrix, volviéndose un gran referente para las películas, e incluso manga y literatura, del género cyberpunk.

GitS tiene series de anime, que tienen cronología distinta, que siguen ahondando en lo que es el ghost, lo que esto implica para la vida del hombre, y hace pensar sobre el existencialismo e individualidad que pueden presentar las máquinas. Entre éstas, la de Stand Alone Complex es bastante compleja y, en sus dos temporadas, se persiguen a criminales que tienen un razonamiento diferente al resto, lo cual complica rastrearlos. El malo en la segunda temporada es un hombre que da a los refugiados en Japón la instrucción y armas necesarias para independizarse, ya que los japoneses están cansados de mantenerlos. Lo anterior se relaciona con lo que sucede actualmente con la posición asumida por los países occidentales que se niegan a aceptar refugiados de África y Asia que huyen de sus países por conflictos internos.

A finales de este mes se estrenará una película live-action, protagonizada por Scarlet Johansson como la Mayor, la cual ha generado inconformidad por parte de los fans, ya que no se escogió a una actriz japonesa, cuando el resto de los actores sí lo son; aparte, no muchos están conformes con ver a Scarlet en papeles de acción. En los traileres que han salido, se pueden ver escenas que provienen de las películas niponas y de Stand Alone Complex; los efectos se ven a la altura de lo que propone GitS; pero el gran temor de los fans es que no se mantenga el grado de reflexión hacia la existencia misma que vemos en las otras versiones, además que parece que el villano no es ninguno de las películas o series. Es decir, esperemos que no sea otro fracaso hollywoodense que quiere colgarse del éxito del anime/manga.

Tenemos en Ghost in the Shell todo un universo complejo, el contexto de la sobrevivencia de dos guerras mundiales, un mundo en que el alma se encuentra en la gran red informática, y la división entre humano y máquina es cada vez más delgada; propone lecturas muy simbólicas y de distintos puntos de vista, cuya respuesta sigue siendo difícil. Una joya de la animación japonesa.

Como dice la Mayor: "Decididos a dejar atrás la teoría de la selección natural de Darwin, esa determinación humana por ir mas allá de las probabilidades evolucionistas también revela el deseo de trascender la propia búsqueda de la perfección que le dio nacimiento, el espejismo de vida equipada con un hardware único, perfecto, poderoso, engendró esta pesadilla."

Les comparto el trailer de la película, la cual podrán verla en cines:

@YukiVongola

México en los anime/manga cyberpunk y mecha

El tema de la invasión y colonización es recurrente en los anime/manga de género cyberpunk y mecha (robots piloteados), en que el contexto geopolítico mundial es inestable. México aparece a veces como país sometido, y otras como una nación que tiene recursos suficientes para sus habitantes.

Sin ahondar demasiado en las siguientes series, de las cuales hablaré en otra entrada, tomaré algunos ejemplos sobre el papel de México ante situaciones de crisis mundiales.

Comencemos con Ghost in the Shell, específicamente en la serie llamada Stand Alone Complex. que se sitúa en un mundo que ha sido completamente cibernetizado, con los hombres cambiando sus cuerpos de carne por unos prostéticos y que siguen siendo considerados humanos por el alma.

La tercera guerra mundial nuclear devastó gran parte del mundo, y una cuarta con conflictos de dominios apenas terminó. En el 2020, el Imperio Estadounidense despliega su ejército hacia México, apelando a la ONU que van a combatir contra el gobierno corrupto de México y el contrabando de drogas. Entran por Monterrey, derrotando a las fuerzas guerrilleras y atacando con tropas motorizadas y bombardeos, cometiendo atrocidades ahí y en otros países latinoamericanos.

En Code Geass, el Sacro Imperio de Britannia se ha apoderado mediante guerras con mechas de una gran parte del mundo, etiquetando a esos países como colonias, organizadas por áreas. La capital del Imperio, llamada Ciudad Imperial de Pendragón, se localiza en lo que antes era conocido como México, Canadá y Estados Unidos. Ésta conforma la Área 1. Sólo algunas confederaciones, conformadas por algunos países europeos y asiáticos, y un grupo llamado la Orden de los Caballeros Negros han resistido la presión del Imperio e intentan derrocarlo.

La franquicia de mechas Gundam nos trae un contexto similar. La situación en la Tierra de sobrepoblación ha motivado a los gobiernos del mundo a colonizar planetas. Los poderosos establecen su dominio en el espacio. Los gobiernos de pocos recursos y la gente pobre se queda en la Tierra, donde reinan el caos y el anarquismo.

En la saga Mobile Fighter G Gundam, se lleva a cabo un torneo de mechas. Ahí, vemos al piloto mexicano Chico Rodríguez con su unidad Tequila Gundam. Neo México y Cuba son los únicos países latinoamericanos que logran desarrollarse y enviar misiones para conquistar otros planetas.

La situación en Cowboy Bebop es también espacial. En el año 2022, puertas hiperespaciales son construidas en todo el sistema solar, lo cual facilita la colonización de planetas. Sin embargo, una de estas puertas, cercana a la Tierra, explota, provocando que la Luna pierda la mitad de su superficie, cuyos fragmentos caen en la Tierra y matan a la mitad de la población mundial. La gente con dinero que sobrevive emigra a las colonias, mientras que el resto no tiene más remedio que vivir en este planeta. En el asteroide denominado Tijuana, colonos procedentes de México y el resto de Latinoamérica son sus pobladores, aunque es muy conocido ese lugar por ser frecuentado por criminales y fugitivos, en que el mercado negro es el más grande de todas las colonias. Al haber tanto criminal, los cazarrecompensas, como el grupo protagonista, llegan a menudo.

México es bastante recurrente, como pueden ver, en este tipo de material en que el mundo no es como lo pensamos en un futuro, pero que. indudablemente, estamos poco a poco más cercano a ello con la inestabilidad mundial actual.

@YukiVongola

SAO: Ordinal Scale, o la realidad virtual nos invade otra vez

El cine japonés, incluyendo el animado con producciones de estudios conocidos como Ghibli o películas basadas en manga y anime, ha tenido gran cabida en nuestro país gracias a ciclos de cine dedicados a este género. 

El Konnichiwa Festival es uno de los responsables de que el cine oriental sea exhibido en salas de cine, si bien en una duración menor en cartelera en comparación de las películas estadounidenses, logran captar rápidamente al público fanático de la cultura pop japonesa con atractivas cintas.

En esta ocasión, tendremos una de las películas animadas más esperadas por los fans: Sword Art Online: Ordinal Scale. Ésta, basada en las novelas ligeras de Reki Kawahira, nos presenta un mundo futurista, el año 2022, donde un videojuego de rol multijugador masivo en línea de realidad virtual, llamado Sword Art Online, acaba de ser lanzado, prometiendo a los jugadores, mediante el NerveGear, estimular sus sentidos sensoriales mediante el cerebro; de manera que la experiencia es como si jugaran con sus cuerpos reales.

El primer día en que el juego sale al mercado, muchos jugadores se conectan, se divierten, pero cuando estos quieren volver al mundo real se dan cuenta que no pueden; deben completar el juego para poder salir, y si mueren en el juego, al estar conectados directamente con sus cerebros, morirán en la vida real.

Con esta premisa, dos temporadas de anime salieron, teniendo como protagonistas a un experto jugador beta, Kirito, y una chica que ha ido ganándose una buena reputación dentro de SAO, Asuna, hacen equipo para salir de ese juego.

Esto es lo que nos presenta el universo de Sword Art Online: un mundo de inmersión virtual pleno que logra que, en especial los jóvenes, lo consideren más valioso que el mundo donde su verdadero cuerpo reside. Y, claro, los problemas que esto puede causar.

La película, cuya novela ligera fue escrita e ilustrada un poco a manera de guión, se ubica cuatro años después de lo sucedido en SAO, donde un dispositivo revolucionario, AUGMA, compite con el NerveGear. Lo que llama la atención de este nuevo objeto es que lleva la realidad aumentada a otro nivel, lo cual garantiza a los jugadores una mezcla entre el mundo real y el virtual. El juego más popular se llama Ordinal Scale, y le tocará a Kirito y Asuna el adentrarse en él para descubrir lo peligroso que en realidad es ese nuevo mundo.

Sword Art Online: Ordinal Scale será lanzada nacionalmente el 4 de marzo, durando en cartelera el día 5, 11 y 12, con tan sólo catorce días después de su estreno en Japón.

Les comparto el trailer oficial con subtítulos en español:

@YukiVongola