Yuri on Ice: el patinaje cautivando en anime

En las últimas semanas, un anime ha llamado la atención de muchos fans, sobretodo mujeres, alrededor del mundo del anime, de los deportes, del patinaje y de los chicos lindos. Su nombre delata lo que nos espera. Ver sobre hielo elegancia, arte y un chico que lucha por ser el mejor: Yuri on Ice.

Al inicio de la historia, tenemos a un japonés, Yuri Katsuki, quien pierde terriblemente durante la mayor competencia de patinaje artístico sobre hielo, el Grand Prix. Su homónimo ruso, más joven que él, le insulta y maldice que ambos compartan el mismo nombre, cuando el japonés es mediocre. Yuri Plisetsky, por otro lado, es un joven prometedor del patinaje ruso, y su deseo es que el mayor patinador del mundo y su compañero, Víctor Nikiforov, le coreografíe una rutina.

Con los ánimos por el suelo y con la mira en el retiro, Yuri regresa a su pueblo natal completamente derrotado, pese el ánimo de sus familiares y amigos que siempre lo apoyaron en su carrera. Para desestresarse un poco, se pone a patinar con la mente en blanco, imitando una rutina del legendario Víctor, la cual se filtra en internet viralmente, y logra captar la atención de Víctor, quien se sorprende del grado de imitación que posee el Yuri japonés.

Un día, sin previo aviso ni nada, Víctor llega al negocio de aguas termales de la familia de Yuri y le dice al japonés que de ahora en adelante, él será su entrenador. La noticia causa un revuelo mundial, ya que la gran figura del patinaje se tomaría un descanso para ocupar su tiempo en poner en forma a Yuri, así como para pulir su talento..

Se podría sugerir que hay una relación íntima entre Víctor y Yuri. La verdad es que sí hay mucha cercanía, y la calidez y alegría que reposa en el habla y actuar del ruso podría sugerir un interés más romántico, y viceversa con Yuri y el tema de su patinaje de esa temporada: el amor. Sin embargo, eso no significa que realmente haya amor pasional. Quién sabe. Tenemos que ver el final para ver en qué deriva su historia.

Yuri on Ice se ganó su popularidad entre las chicas por dos razones: el diseño de los personajes que detonan en patinadores de complexión delicada y elegante, y el fandom que existe en su alrededor; es decir, todo lo que los fans idean sobre la historia y sus personajes, como emparejamientos, dibujos, teorías.

Para que esta serie fuera lo más fiel posible a la realidad, se cuenta con la asesoría del ex-patinador japonés Kenji Miyamoto en cuanto a las coreografías que vemos que ejecutan los personajes. Por otro lado, estos están inspirados en patinadores de nuestro mundo: Yuri está basado en la joven promesa japonesa, Yuzuru Hanyu, quien, días atrás ganó en Marsella el Grand Prix Final; Víctor toma como modelo a Yevgueni Victorovich Pliúshchenko, un ruso que ha ganado muchas veces este premio, así como campeonatos europeos y la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de invierno en Turín del 2006; mientras que el Yuri ruso lo está en la patinadora Yulia Lipnítskaya, ganadora del oro olímpico por equipos en Sochi, de ahí que la apariencia del personaje sea delicada.

De igual manera, la serie cuenta con la aparición en 2D (segunda dimensión) del comentador oficial del Grand Prix, Nobunari Oda. Y, como sorpresa para el último capítulo en el que se decidirá al ganador de esta competencia y el futuro de los personajes, veremos al patinador suizo Stéphane Lambiel haciendo, claro, su propia voz.

Yuri on Ice no es sólo un anime de patinaje artístico sobre hielo, tiene un gran equipo y bases que le dan fidelidad a este deporte en su representación animada. La concentración y el trabajo individual, si lo comparamos con los otros anime basados en deportes en equipo, exige más trabajo y presión en el patinador, ya que él mismo es su soporte, y el entrenador debe cuidar que no muera por el estrés y su soledad. Por esto es que es importante la interacción entre Víctor y Yuri, ya que el ruso, al tener mayor experiencia, sabe lo frágil que es la mente de un patinador.

YOI nos da hermosas coreografías, con personajes carismáticos de diferentes nacionalidades que rivalizan y se apoyan entre ellos, escenas dramáticas y conmovedoras, y no descuidar las dos "l" importantes de nuestra existencia: life y love.

Les comparto el opening "History Maker":

@YukiVongola

FLOW: onda j-rock en la CDMX

El siete de diciembre fue un día épico para los amantes del j-rock y de temas de anime: FLOW llegó a México, uno de los dos países latinos que visitó en su tour Limited Circuit, para ofrecer a sus fans una noche inolvidable. A las ocho de la noche, en El Condesa, los ánimos aumentaron por ver a esta banda con dieciocho años de carrera.

FLOW fue fundada por los hermanos Koushi y Takeshi Asakawa, vocalista y guitarrista, respectivamente, A su proyecto se unieron el otro vocalista y actual líder Keigo, el baterista Hiroshi, y el bajista GOT´S. Su popularidad se dio entre los otakus, debido a que varios de sus temas sirvieron como opening y ending de anime famosos, como Naruto, Dragon Ball Z, Codea Geass, Samurai Flamenco y Eureka Seven.

El concierto inició con la canción "Re:member" (opening 8 de Naruto), seguido de "HERO -Kibou no uta-", tema que podemos escuchar en Dragon Ball Z: La batalla de los dioses. 

Tras cantar estas dos canciones, Keigo sacó una libreta, en la cual tenía oraciones en español, y las leyó, diciendo que estaba contento de estar en México, que siempre había querido visitarlo, y que ahora su sueño se había vuelto realidad. Comentó, además, que le gustaba la Selección Mexicana, y enfatizó que también "El Chicharito". Seguido de sus palabras, la banda tocó "DAYS" (opening de Eureka Seven), "Niji no sora" y "Sign". 

En otro pequeño intervalo, Keigo volvió a hablar en español, preguntando a su público que si les gustaba Dragon Ball, la respuesta, obvio, fue positiva, y enseguida tocaron el cover de la legendaria "CHA-LA HEAD--CHA-LA", la cual resonó en todo el recinto por el coro de los fans.

Seguido de otra sesión musical, se presentó a todos los miembros de FLOW. La parte genial fue cuando Take se puso un suéter decorado con lucecitas. El público y los integrantes del grupo rieron ante las ocurrencias del guitarrista. Los fans, le hicieron señas a Take para que se diera vuelta, para poder ver su vestimenta completa; no lograbamos transmitir los deseos, hasta que Keigo entendió lo que queríamos y le dijo a Take que se volteara. Muy ocurrente el chico.

Posteriormente, Keigo dijo en español que si bien México y Japón están alejados, comparten el mismo cielo y que están unidos por la música. Con motivo de eso, la siguiente canción fue "Ryuusei" ("Estrella fugaz"), que justamente describe esos sentimientos.

El otro vocalista tomó la palabra, también con un papel con frases en español, y si bien le costó más trabajo la pronunciación, comentó que hay que romper las barreras del idioma y de la cultura mediante la música. Seguido de eso, resonó "Kaze no uta", "WORLD END", "Ai ai ai ni utarete bai bai bai", y "COLORS".

La canción que supuestamente iba a cerrar el concierto fue "GO!", primera canción que apareció en anime, siendo éste Naruto, y en la cual los saltos y gritos de "¡go!" de los fans no cesaron, al igual que los ánimos de la banda.

Cuando se creía que todo había terminado, FLOW regresó con sus playeras oficiales del concierto puestas y con dos banderas de México, una de ellas que fue regalo de los fans con buenos deseos hacia el grupo. Volvieron a agradecer a los asistentes y, como último regalo, cantaron "Steppin´out". Prometieron regresar a México entre sonrisas, lanzadas de baquetas. aplausos y gritos.

Los otros grupos japoneses que han venido al país últimamente se esfuerzan en decir una que otra frase en español para comunicarse con los fans mexicanos, lo cual se les agradece, pero FLOW le tomó más importancia a esta conexión verbal, cuestión que se notó con sus oraciones más elaboradas. Eso, y la participación del público, lograron que el concierto fuera un éxito. 

La onda de FLOW fluyó en todos nosotros. 

"Por más lejos que estemos, nosotros seguiremos conectados. ¡Mira el cielo nocturno! ¡Las estrellas son las mismas!"

Les comparto este video de la canción "Kaze no uta" ("La canción del viento"): 

@YukiVongola

FLOW: Naruto y DBZ unidos por su música

La música se ha vuelto indispensable en nuestras vidas. En cada serie, película, caricatura y, por supuesto, anime, se hace presente. No sólo como parte de la banda sonora de éstas, sino como esencia de aquello que representan con una o más canciones. En el anime, tenemos como parte de estas composiciones los opening y ending, es decir, temas de entrada y salida. 

Los opening y ending se configuran mediante dos cuestiones: la animación y la canción en sí; ambas deben compenetrarse y significar o trasmitir los valores de los personajes o parte de la historia. Generalmente, los opening son los que tienen mayor carga visual, y la letra de sus canciones sí son más referentes al anime.

Muchos de los artistas y grupos musicales japoneses han ganado fans y, claro, fama al ser elegidos para interpretar una canción que sirva como opening o ending de un anime. Ya sea que compongan una canción especialmente para ese propósito, o que una de sus canciones, que tenga una relación con los personajes o historia, sea utilizada.

A aquellos que tienen más de tres canciones que se hayan convertido en opening o ending entran en la categoría de "anisong", la cual es la contracción de "anime" y "song" (canción). 

Entre ellos tenemos a LiSA, Kalafina, GRANRODEO, UVERworld, SID, y muchos más. Sin embargo, creo que uno de los grupos con mayor número de anisong es FLOW.

FLOW surgió en 1998, gracias a la idea de los hermanos Asakawa de crear una banda rock diferente. Con un estilo que varía del indie, alternativo y punk, FLOW se fue puliendo y avanzando, y prueba son los años de su carrera. 

Parte importante de su popularidad se debió a que las canciones que sirvieron, en su mayoría, para openings, lo fueron para animes muy populares, siendo su primera incursión en este mundo con "GO!", el cuarto opening de Naruto. Dicho sea de paso, FLOW interpretó cuatro canciones para esta serie, una de ellas, "Sign", una de las más emotivas dentro del anime, en parte por la combinación perfecta de la letra con el video.

Para aquellos fans de Dragon Ball Z, cuando se realizó la película de La batalla de los dioses, FLOW interpretó el cover de la famosa canción "Chala-head-chala", original de Hironobu Kageyama; además, en la parte en que Goku en forma dios está peleando contra Bills, la canción que se escucha de fondo se llama "Hero -Kibou no Uta-", igualmente de esta banda.

Continuando con su música, hay otra participación que, en lo personal, me fascina y es su trabajo musical en el anime de Code Geass. Sobre esta serie hablaré posteriormente en otra entrada, pero sólo les diré que es uno de los anime más hermosos que he visto, debido a su historia y al diseño de personajes. FLOW interpretó una canción para sus dos temporadas. La de la primera, "COLORS", le da cierto sentimiento positivo a la serie, cuando realmente tiene muy poco de eso en su historia.

Como dato curioso, el próximo 7 de diciembre se presentará por primera vez en México esta gran banda. Seguro será un concierto espectacular, lleno de canciones que todo buen otaku conoce, y una muy buena oportunidad para conocer música diferente.

@Yuki Vongola

Hetalia: Países personificados

Los últimos días hemos tenido en boga cuestiones políticas fuertes, como el presidente electo de Estados Unidos y las estupideces que quiere hacer y que afectarán a nuestro país y al resto del mundo; y la noticia reciente del fallecimiento del revolucionario Fidel Castro, figura importante, visto desde extremos distintos, que se opuso al Imperialismo. Es decir, las opiniones siempre van variar, sobretodo en cuanto a la Historia se refiere, y es por eso que tendemos a etiquetar a toda una nación, con base en la conducta de sus líderes y del pensamiento estereotipado de sus habitantes, como si el propio país fuera una entidad propia.

Con esta idea, Hidekaz Himaruya creó un web-manga llamado Hetalia Axis Powers, en el cual vemos países europeos, asiáticos y americanos con forma humana, con personalidades, actitudes y acciones estereotipadas que, con el paso del tiempo, se han ganado.

Además de esta prosopopeya, el autor nos presenta hechos históricos (independencias y formación de las naciones) y sucesos globales, como la Segunda Guerra Mundial. Al hacer una reinterpretación de la historia y añadir el aspecto satírico, tanto el manga como las cuatro temporadas del anime han sido prohibidas en algunos países, como en las dos Coreas.

La obra recibe el nombre de Hetalia por parte de la contracción de la palabra japonesa heta ("inútil") e "Italia", haciendo alusión al personaje principal que es, justamente, este país. Axis Power, en cambio, significa "potencias del Eje", lo cual nos refiere a las dos alianzas surgidas durante la Segunda Guerra Mundial, tema rector de la primera temporada del anime. Así, la manera de ver las interrelaciones entre los distintos países hace de Hetalia un manga/anime muy curioso.

Los personajes están bien diseñados para el propósito del autor, y los nombres humanos que poseen reflejan su nacionalidad: Feliciano Vargas, mejor conocido como Italia, es el nieto del Imperio Romano. Su hermano, Romano, representa a la Italia del Sur, el cual depende mucho del jefe España. Italia ama la pizza y la pasta, le gusta andar tras las chicas. Depende mucho de Alemania en el campo de batalla.

Tenemos al personaje que se cree el héroe del mundo: Estados Unidos. Su nombre es Alfred F. Jones. Siempre quiere meterse en los asuntos de los demás y que sea considerado el salvador de todos. Llega a decir cosas muy incoherentes, pero él sólo se comprende. Tiene un amigo extraterrestre llamado Tony. Sus hamburguesas son las más grandes del mundo, si se comparan con las que come Japón. Cuando era pequeño, Inglaterra y Francia lucharon por él, y él escogió a Inglaterra, razón de que heredara mal gusto culinario. 

Arthur Kirkland, o Inglaterra, solía ser un pirata y le gustaba molestar a España. Es muy sarcástico, y tiende a llevarle la contraria a Estados Unidos y a Francia, al cual odia desde hace siglos. Cree en seres fantásticos, de los cuales es amigo. Dicen que su comida es la peor. Le interesa mucho la literatura y su música nacional. Y tiene conflictos personales, debido a que no sabe muy bien si es cristiano católico o protestante.

Creo que es evidente los defectos, particularidades y estereotipos concebidos en la mente humana sobre estos países. Lo anterior fue sólo una prueba. Las demás naciones tienen lo suyo. 

Una crítica que se ha hecho es que no se habla mucho de los países latinoamericanos, siendo que sólo Cuba aparece como tal. Se le representa odiando a Estados Unidos, al cual siempre quiere golpear cuando lo ve, sin embargo, suele confundir a Canadá con él.

Los capítulos duran cinco minutos, y en cada temporada se abordan temas históricos, el choque cultural, y la perspectiva de cada país respecto a un tema en específico, como el cine de horror.

Es una serie diferente para reír, darle otra mirada a la historia, y reconsiderar nuestras concepciones sobre el primogénito, las cuales siempre vienen acompañadas de ideas generalizadas burlescas.

@YukiVongola

Regresa Vamps con colmillos más afilados

El diez de noviembre fue el segundo concierto consecutivo de la banda hard rock japonesa llamada Vamps, esta vez, presentándose nocturnamente en el Teatro Metropolitan.

Si bien el Pepsi Center, donde se presentaran por estas fechas el año pasado, es un lugar más grande, el que en esta ocasión tocaran en el Metropolitan significa que ya se han ganado su posición como uno de los grupos con una muy buena cantidad de fans; además, el estar en un teatro de tradición como lo es éste, le da cierto aire de caché.

A las 8:30 en punto comenzó el concierto con la nueva canción de Vamps, "Inside of me", la cual, en su momento, se cantara en cooperación con el vocalista de banda gothic metalcore Montionless in White, Chris Cerulli.

Con pequeños intervalos, Hyde, el vocalista y co-líder de Vamps junto con el guitarrista KA.Z., saludaron a sus fans con algunas palabras en español, tales como "Muchas gracias. ¿Se están divirtiendo?", seguido de frases en inglés, ya que, aunque Vamps es un grupo japonés, su público y mercado es más amplio al cantar en inglés, por lo que en algunas canciones encontramos las dos versiones.

El concierto continúo con "Lips", "Get away", "Evil", "Replay" y "Sin in Justice", la cual fue resultado de la cooperación entre Vamps y la legendaria Apocalyptica. La novena canción sorprendió a muchos, al interpretar un cover de "Diamonds", de Rihanna, excepto que con más guitarra y batería, lo que le dio una percepción diferente.

A mitad del concierto, Hyde recogió del escenario una bandera de México que le lanzaron, así como otra que fuera hecha por el grupo de fans. Hyde portó ambas con orgullo, diciendo "Chido"; además que le dio risa cuando una de las chicas de las primeras filas le lanzó su brasier. 

Entre muchos gritos, manos levantadas y saltos, el concierto terminó minutos después de que la banda se desapareciera para poner en prueba el gusto del público, despidiéndose con "Revolution", "Devil Side", y la canción que es como su himno: "Sex, blood & Rock n´ roll", y con la cual dejaron a sus fans con un gran sabor de boca ante tan impresionante concierto, con integrantes tan carismáticos y energéticos, y con sus llamados bloodsuckers con deseos de volverlos a ver pronto.

Como un pequeño dato curioso, desde aproximadamente cuatro años, en las últimas dos semanas de octubre, se lleva a cabo en Japón el concierto masivo llamado Halloween Party. Éste nació bajo la idea de Hyde de reunir diferentes bandas visual kei y que, por supuesto, tanto ellos como el público se disfracen. Hace dos semanas, poco antes de que comenzara el Tour por Norteamérica, se realizó esta fiesta, y lo que más se llevó la atención fue, claro, Vamps, cuya primera vestimenta en el escenario se basó en los personajes de la película Escuadrón Suicida, y fue Hyde quien encarnó bastante bien a Harley Quinn.

Una banda muy interesante Vamps es, tanto por el hard rock y rock alternativo bilingüe, como por este tipo de eventos que, dudo, puedan realizarse y observarse con grupos y solistas mexicanos.

Les comparto la canción de "World´s end":

Terror en dibujos

El terror está en el aire. Monstruos que pueden ser hombres con los cuales convivimos diariamente. O entes incomprensibles para nuestra lógica humana que nos acechan en la oscuridad. El terror producido por el humano lo tenemos en Higurashi no Naku Koro ni, y el sobrenatural lo tenemos en Yami shibai y Kowabon, los cuales agudizarán nuestros sentidos al máximo para prevenir que alguien o algo nos arrastre al vacío.

Higurashi no Naku Koro ("Cuando las cigarras lloran") es un anime y manga basado en el videojuego de novela visual de terror del mismo nombre. Este tipo de novelas el protagonista debe llegar a una meta en específico, de acuerdo a las respuestas o actos a seguir que se escojan entre varias opciones, resultando en distintos finales.

Con esa idea, Higurashi nos adentra en el pueblo Hinamizawa, muy escondido entre las montañas, en que el citadino Keiichi llega con su familia en busca de un cambio de aires. Keiichi se hace muy amigo de un grupo de chicas muy alegres, y pareciera que disfrutará su vida allí, hasta que él escucha el nombre de Watanagashi y pregunta a sus amigas sobre ello, a lo que ellas le dicen que es un festival anual del pueblo para venerar a su dios, Oyashiro-sama. Sin embargo, cuando Keiichi intenta saber más al respecto, ellas le evaden el tema. Él investiga el secreto que nadie en el pueblo le quiere decir: todos los años en que se festeja el Watanagashi una persona muere y otra desaparece.

Poco a poco se dan pistas sobre quién o qué anda detrás de esas muertes, así como la historia sangrienta del pueblo y sus tres familias líderes, y cómo la apariencia externa de sus protagonistas femeninas sólo es una fachada. 

Lo que vuelve interesante esta serie es el constante estado de incertidumbre, tensión y hasta paranoia que produce cada capítulo ante nuevos misterios y respuestas inesperadas, en que vemos los puntos de vista de cada personaje para entender el por qué actuaron sangrientamente. Una muy buena serie de terror psicológico y gore para ver de noche.

Si esto no les produce nada en especial, seguro los otros dos anime sí. Yami shibai hace referencia al kami shibai, el cual era un teatro de figuras de papel empleado por los monjes budistas, mediante el cual contaban una historia, y a yami, que significa oscuridad. Al inicio de cada capítulo vemos a un cuenta cuentos misterioso que usa una máscara y llama a los niños del parque para que escuchen y vean su teatro de terror. En los tres-cinco minutos que duran los capítulos, vemos a diferentes personas que se ven acechadas por leyendas urbanas y el folklore japonés, y entre angustia y terror, sucumben ante entes que sólo buscan alimentarse de otros. 

Su estilo de animación hace recordar, justamente, ese tipo de teatro con figuras de papel que van cambiando. Las historias que presenta en sus tres temporadas son bastante inquietantes, y puede causarles pesadillas o que se volteen esperando no encontrarse nada anormal atrás de ustedes.

El último anime de hoy, igual de corta duración, es Kowabon. Si bien Yami shibai se va por el lado del folklore y la creación de rumores, Kowabon explora otro aspecto que es muy común a todos hoy en día: la tecnología y redes sociales. ¿Qué pasaría si hubiera algo que te observa mientras usas tu celular o computadora? ¿O si las cámaras de seguridad, en vez de cuidarte, te vigilan para esperar el momento adecuado para atacarte? En cada capítulo vemos situaciones diferentes de índole sobrenatural, vistos a través de algún aparato electrónico en que vemos el fantasma y la persona a la que está atacando. Quizá sea una manera algo terrorífica de hacernos pensar sobre la dependencia actual que tenemos de la tecnología. 

Sintamos algo de miedo antes de que no podamos sentir nada más después del último grito.

Les dejo el opening de Higurashi:

Treinta años del Meteoro de Pegaso

"¡Dame tu fuerza, Pegaso!". Esta frase cumplió treinta años en esta semana. Estas cuatro palabras no sólo evocan a un ser mitológico griego, sino que resumen la infancia de muchos de nosotros con personajes y escenas dramáticas y de acción que se han convertido en un clásico del manga y anime: Los Caballeros del Zodiaco.

Esta obra tuvo el gran acierto de que los niños y jóvenes voltearan de nuevo su mirada a la mitología griega, a la cual le agregaron más acción y violencia (que las historias de los dioses ya tienen por sí mismas), aunque al estilo japonés de retomar clásicos, en este caso los mitos, y recrear el mundo y los personajes en algo nuevo.

Con este pensamiento, los cinco caballeros de bronce, los más débiles, son japoneses, quienes han entrenado en diferentes partes del mundo, como Grecia, para poder obtener sus armaduras que representan las constelaciones de Pegaso, Dragón, Cisne, Andrómeda y Fénix. Con el poder de su cosmos (energía) y de sus armaduras, ellos serán los encargados de proteger a la reencarnación de la diosa Athena, quien es amenazada por diferentes fuerzas del mal.

Entre esas fuerzas del mal se encuentran los dioses griegos Poseidón y Hades, quienes son tíos de Athena, y buscan hacerse del mundo mediante una inundación global y la oscuridad total. Para eso, los caballeros de bronce, que irónicamente hacen más daño a sus enemigos que los Dorados, tendrán que luchar por el bien de la Tierra, mientras protegen a Athena de ser asesinada, cuestión que la convierte luego en una diosa un poco inútil. 

Dejando de un lado la historia en sí, un aspecto que salta a la vista es el nombre de la obra. En japonés es Saint Seiya ("El santo Seiya"), y en español Caballeros del Zodiaco, cuya denominación de caballeros se extiende a otras lengua. Pero, ¿Por qué el cambio del título de su idioma original? En la mitología griega, los santos eran los protectores de los dioses, palabra que para nosotros sólo se remite a los santos de la religión judeocristiana, lo cual no tendría sentido en el mundo occidental. 

Por otro lado, si hablamos de caballeros, en específico del cortés, la noción de protector y guerrero nos es más reconocible. Estos daban su vida por el señor al que servían, por Dios, y por su amada. Si lo vemos así, el que se haya traducido así en español tiene sentido.

Sobre "Zodiaco", tendemos a pensar que sólo abarcan los signos zodiacales, que en la serie son ocupados por los caballeros más poderosos de Athena, los Dorados. Sin embargo, la Astrología denomina "zodiaco" a todo el plano astral que comprende todas las constelaciones, de los cuales hay un personaje por cada una.

De igual manera, en la obra hay una mezcla de religiones y mitologías: budismo, cristianismo, nórdica, egipcia, aspecto que logra converger diferentes culturas con cosmovisiones similares, y que crea una armonía entre ellas con un canon diferente y que funciona. Así como el mantener la arquitectura griega para los templos, y la recreación del Partenón de Athenas.

Pese a que muchos fanáticos llegan a odiar al protagonista Seiya, porque es al que le abren camino para que derrote al dios, los personajes poseen los atributos de las constelaciones y actitudes que enganchan, tiene escenas épicas de pelea, la lucha eterna por la justicia y bienestar del mundo, y algo interesante que maneja es la manipulación del hombre hacia un dios. Estos aspectos han hecho que la serie siga viéndose y recordándose a nivel mundial, y que muchas historias alternas, con autorización de su creador, Masami Kurumada, expanden más ese universo para explicar algunos cabos sueltos de la obra original.

La serie nos enseña que si elevamos nuestro cosmos al máximo, tendremos el poder de, incluso, derrotar a un dios.

Les comparto el opening en latino:

@YukiVongola

Literatos japoneses vs los occidentales: Bungou Stray Dogs

Hoy en día está muy de moda adaptar novelas, generalmente best-sellers que no garantizan su calidad literaria, al cine. La literatura ha sido una de las materias primas del séptimo arte. Mas, los japoneses, quienes también han hecho esto, pero con obras clásicas universales, han optado por crear historias en que no son los libros los que se toman para crear historias, sino que se enfocan en los escritores.

¿Habrías imaginado a un escritor que sea un detective con poderes, cuyos nombres y efectos tienen relación con sus novelas, y que pelea contra otros escritores? Con esta premisa, Kafka Asagiri (en cuyo nombre lleva su penitencia) y Sango Harukawa nos traen el manga de Bungou Stray Dogs, que literalmente significa "Maestros literarios perros callejeros".

En esta obra, Atsushi Nakajima es un chico que fue expulsado del orfanato en que hace muchos años vivía. El rechazo hacia él le ha calado duro en su forma de ser y en lo que piensa sobre sí mismo. Cuando cree que morirá de hambre, ve que un joven se tira del río con la intención de suicidarse, y decide rescatarlo. Su nombre es Osamu Dazai, quien varias veces ha intentado quitarse la vida sin éxito. A su vez, un compañero de éste, Doppo Kunikida, hace acto de presencia para regañar al otro.

En agradecimiento, ambos lo invitan a comer, y Dazai le cuenta a Atsushi que ambos pertenecen a la Agencia de Detectives Armados que investiga casos sobrenaturales, muy peligrosos para la gente común. También le habla sobre que buscan a un tigre que ha estado deambulando por la ciudad, en los mismos días que Atsushi llegó. Seguro ya se imaginan quién es el tigre. Por eso es que Dazai invita al chico a que se una a la agencia, para que pueda controlar y ayudar a la gente con sus poderes.

Bungou Stray Dogs nos presenta como protagonistas a estos chicos con poderes sobrenaturales, los cuales tienen nombres de escritores japoneses de finales del siglo XIX y hasta la mitad del XX: la habilidad de Atsushi es Beast beneath the moonlight ("La bestia bajo la luz de la luna"), la cual hace referencia a la novela corta Sangetsuki del autor, que relata la historia trágica de un poeta que se transforma en tigre. 

Osamu Dazai, por otra parte, adopta la personalidad del escritor, que tuvo varios intentos de suicidio, hasta que termina lográndolo al arrojarse al río con una amante, lo cual en la serie también se muestra cuando el personaje dice que morir en soledad es triste. El poder de él se llama No longer human ("Indigno de ser  humano"), que refleja a manera de alter ego los sentimientos, observaciones y pensamientos del mismo escritor: mantener una máscara para ocultar el deseo que tiene de morir y su incapacidad de relacionarse con otras personas, tal como puede verse en el caso de Dazai como personaje, quien, detrás de su sonrisa y jovialidad esconde su sufrimiento.

Como antagonista tenemos a Ryunosuke Akutagawa, cuyo nombre lleva el premio más prestigioso de literatura japonesa. Si su nombre no les suena, seguro el de su obra Rashomon, que es la habilidad que tiene en Bungou, la reconocen, ya que ésta tuvo su adaptación al cine por mano de Akira Kurosawa. En esta novela, se retratan la decadencia de las tradiciones y valores japoneses a través de las angustias personales de sus protagonistas. El poder de Akutagawa se manifiesta en una capa negra que consume todo en su oscuridad. Esto hace referencia a la novela en que un sirviente sin hogar le roba una capa a una anciana.

Aparte de estos autores, se encuentran muchos más, y eso sin contar a los autores occidentales que aparecen al final de la primera temporada del anime y que tendrán más peso en la segunda, la cual se estrenó el cinco de octubre, al ser los principales antagonistas. Entre ellos se encuentran Scott Fitzgerald, Agatha Christie, Edgar Allan Poe (del que el escritor japonés y también personaje de la serie Edogawa Ranpo toma su nombre al pasarlo al japonés), H.P. Lovecraft, Fiodor Dostoyevski, Mark Twain, entre otros, quienes buscan obtener el poder de Atsushi.

Bungou Stray Dogs nos abre un mundo que para los lectores de estos escritores es genial verlos como protagonistas y con poderes con nombres de lenguaje poético, ya que, por lo general, se les tiene en menor valía y sólo como entes que publican libros, cuando hay mucho más allá de eso. En ellos recae su contexto social-cultural-histórico, sus pensamientos e influencias que intentan darle una voz crítica y fantástica que exponga el momento en que les tocó vivir, mediante la escritura y creación de personajes y mundos que nos llegan más al corazón y a la mente que cualquier otra cosa.

Les comparto el opening y ending:

@YukiVongola

Gankutsuo: El conde de Montecristo en el anime

Entre las novelas clásicas que más han tenido adaptaciones a cine y series se encuentran las del francés Alejandro Dumas. De todas las que he visto sobre mi novela favorita, El conde de Montecristo, ninguna me ha satisfecho, ni siquiera la serie francesa de 1998, estelarizada por Gérard Depardieu, cuyo final terminó por romper mis expectativas, al igual que la película del 2002, protagonizada por James Daviezel y Guy Pearce, ambas cambiando el final tan hermoso del original.

Salvo por la adaptación mexicana de 1942, con Arturo de Córdova, que con sus tres horas de duración logra captar la esencia del libro sin cambios relevantes en la película, encontré hace unos años una versión en anime llamada Gankutsuo, también conocida como El conde de Montecristo.

Para aquellos que hayan leído la novela, seguro les brincará el hecho de que Gankutsuo no se ubique temporalmente en el siglo XIX, sino en el 5053, en que los avances tecnológicos, como las naves espaciales y los mecha (robot piloteado), han permitido la colonización de la luna y de planetas. Suena raro, y puede que con esto ya los amantes del Conde no la quieran ver, pero déjenme continuar.

La historia del anime no inicia con los sucesos que llevan al marino Edmundo Dantés a convertirse en el conde. Ésta comienza en el carnaval de la Luna, que en la novela sucede en Roma, en que el joven aristócrata Alberto de Morcef y su amigo Franz d`Epinay vacacionan a gusto, hasta que un criminal secuestra a Alberto y el misterioso conde de Montecristo lo rescata, claro, que con intenciones ocultas.

Conforme avanzan los capítulos, entendemos el por qué el Conde se acerca a Alberto y a las familias más ricas de París, todos estos amigos: un plan de venganza, que convirtieron a un chico enamorado con muchas ganas de superarse en un monstruo que quiere destruir a quienes le quitaron su felicidad y libertad durante años: Morcef, Danglars y Villefort.

Además de la ciencia ficción presente en la obra, encontramos un aspecto sobrenatural en el mismo conde. En la novela, por ejemplo, sí se llega a mencionar que por la apariencia de Montecristo, tanto por su palidez y el aura de misterio que lo cubría, los parisinos le decían "vampiro". Esto se rescata en el anime muy bien. Mas, lo extraño no se encuentra en esto, sino en lo que sucede mientras Edmundo está cautivo en el Castillo de If: no es un viejo abad quien le hace cambiar las ideas de desesperación y suicidio a Edmundo y lo enseña infinidad de cosas, en realidad se trata de un demonio llamado Gankutsuo ("el rey de las cavernas"), quien le ofrece su conocimiento y poder para consumar su venganza. Éste se manifiesta con dos ojos violetas en la frente del conde.

Lo curioso de todo este asunto es que incluso con estos elementos fantasiosos, Gankutsuo adapta bien los nudos narrativos más importantes de la novela, y permite comprender mejor las relaciones entre los personajes, no sólo del conde y sus víctimas, sino también de sus hijos. Si bien, la serie llega a enfocarse más al punto de vista de Alberto hacia los hechos que han ocurrido desde que el conde entra en su vida, esto permite que no nos enteremos desde el inicio de lo que Montecristo planea.

Lo mejor de esta serie es que los eventos finales son fieles a los de la novela, cuestión que no se mantiene en la mayoría de las adaptaciones, en que Montecristo termina feliz con la persona equivocada y con hijos desconocidos. 

Entre otras curiosidades de Gankutsuou tenemos el diseño de los personajes, hecho mediante uso del layering (superposición de capas en el diseño), sobre todo en la vestimenta de los personajes, que otorga un efecto de 3D muy sorprendente, con una animación muy bella con muchos colores y texturas. Por último, el músico y compositor franco-inglés Jean Jacques Burnel interpretó los opening y ending de la serie, junto con otros temas para el soundtrack, en que el primero habla sobre la tristeza de Edmundo al ser traicionado por los que consideraba sus amigos, mientras que el segundo trata del conde de Montecristo y de la venganza que busca.

Les recomiendo mucho Gankutsuo, ya que, pese a las libertades que se llega a tomar respecto a la novela, mantiene muy bien la esencia de la misma; además la calidad de su animación es ya un regalo para los ojos; al igual que la historia de traición, venganza, justicia y piedad que tan bellamente escribiera Dumas.

Les comparto el opening y ending:

@YukiVongola

Ranma 1/2: la exploración de lo masculino y femenino en un hombre

En los noventa, vimos en televisión abierta un anime que llegó a causar controversia, debido a su protagonista quien, al contacto con agua fría, su cuerpo masculino se transforma en femenino. Pese a la sorpresa inicial del resto de los personajes ante esto, hay un entendimiento hacia este chico, e, incluso, tiene varias pretendientes a las que no les importa su singular aspecto.

Hoy en día, en el país se vive una gran ola de discriminación por el tema de que las parejas homosexuales se casen y adopten niños. Quién está subido en este barco es la Iglesia católica, esos que profesan amor hacia el prójimo, pero que, irónicamente, se les olvida cuando están frente a la comunidad LGBTTTI.

Si algo me ha quedado claro es que los japoneses son abiertos a estos temas, los han tocado en diversos manga y anime, en que se muestran respeto y tolerancia; en parte, por la tradición homosexual y travesti dentro de su cultura e historia. Algo que, con la imagen falsa del "macho" y el pensamiento retrógrada de la Iglesia, no se puede lograr en nuestro país.

En la serie tenemos a Ranma quien, durante un viaje a China con su padre, para perfeccionar sus técnicas de artes marciales, cae en las fosas malditas de Jusenkyo. La particularidad de esas aguas es que te transformas en el ser que haya muerto en ellas. Así es como Ranma, al empaparse en la fosa conocida como "La chica pelirroja ahogada", adopta una forma femenina pelirroja. Su padre se morfosea en un panda.

Al regresar a Japón, Ranma y su padre viven con un viejo amigo de éste, con el que había acordado que su hija menor, Akane, se casaría con el chico. Por su carácter diferente, él muy desvergonzado y algo patán y ella muy orgullosa y temperamental, no se llevan bien del todo. Es decir, el que Ranma se convierta en mujer con pensamiento masculino no le molesta a ella, sino lo grosero que llega a ser con ella. 

Tampoco eso le importa a su vieja amiga de la infancia con la que, siendo niños, se habían jurado casarse, ni a una chica china que, en el viaje a su país, ella le gana un combate, por lo que, según la tradición, él debe desposarla. Claro que ellas prefieren al Ranma varonil, pero eso no quita que incluso como mujer, o como le dice un personaje "la chica de cabellos de fuego", ellas le coqueteen.

No es difícil imaginarse que durante la emisión en televisión abierta en México, la serie llegara a causar escozor a la Iglesia, por mostrar a un hombre que puede transformarse en mujer, y que explora ese cuerpo, sin importarle andar sin camisa como chica y llega a sacar ventaja de algunos chicos, debido a su llamativo color de pelo, agresividad y su dulzura falsa cuando quiere algo. Seguro muchos no recuerdan escenas de Ranma chica tocándose o metiéndose desnuda al baño cuando Akane también está ahí, y eso es porque hay dos versiones de la serie en latino: la primera, que fue la editada para su transmisión en televisión en horario vespertino; la segunda, que es la versión sin censura.

Ranma 1/2 fue el primer anime de temáticas ecchi y de harem en el país, seguido por Mikami la cazafantasmas; es decir, hay muchas escenas en que vemos a las chicas que, por alguna torpeza o pelea, terminan sin mucha ropa o exhibiendo sus atributos de forma parcial o completa, y peleándose por un mismo chico. Este tipo de series son cómicas, pero claro que en el caso particular de Ranma la comedia llega a un punto más alto ante la situación en que él se encuentra, creando momentos chuscos cuando debe jugar al mismo tiempo como hombre y mujer.

Durante el tiempo en que fue transmitida, mis padres nunca me dijeron que eso era del diablo o que lo que veía era inmoral; es más, lo veían conmigo y les gustaba. No entiendo por qué ahora el tema respecto a los LGBTTTI causa tanto escándalo, cuando los valores que muestra Ranma 1/2, con el tratamiento del protagonista, es la importancia del interior de las personas y sus cualidades que los hacen ser quien son, fuera de las discriminaciones sobre la sexualidad de cada quien. 

Los que vimos Ranma 1/2 no somos de pensamiento cuadrado como otros.

Les comparto el opening y ending latino:

@YukiVongola

Monster: ¡mira qué tan grande se ha vuelto el monstruo en mi interior!

El manga/anime tiene su lado serio y turbio, con historias que desentrañan algunos experimentos nazis sobre el lavado del cerebro, la raza aria y los súper hombres en la Alemania Oriental, reflejos siniestros de la sociedad.

El mundo es muy oscuro. Lo vemos a diario con las noticias: masacres por allá, experimentos con armas químicas y nucleares por ahí, discriminación y racismo por otros lares, violencia desbordada. En sí, el mundo no es oscuro ni asqueroso, sino nosotros, los humanos, quienes nos destruimos por el mero placer y poder que tenemos sobre el otro para hacerle daño. Es nuestra naturaleza humana. No hay peor monstruo que el hombre:

"Y yo me paré sobre la arena del mar, y vi una bestia emerger del mar, que tenía siete cabezas y diez cuernos; y sobre sus cuernos diez diademas; y sobre las cabezas de ella el nombre de blasfemia. (...) Y adoraron al dragón que había dado la potestad a la bestia, y adoraron a la bestia, diciendo: "¿Quién es semejante a la bestia, y quién podrá lidiar con ella?"

Con esta cita sacada del Apocalipsis, inicia la obra maestra de Naoki Urasawa: Monster. No se trata de un dragón que incinera todo y convierte la tierra en un infierno. No. Sino de la obra de un hombre que quiere desatar el caos mediante la manipulación, la cizaña, y la venganza.

Un prometedor neurocirujano japonés, Kenzo Tenma, quien trabaja en un hospital prestigioso en Dusseldorf, Alemania. Su vida personal y profesional se encuentran en la cúspide, pero todo su mundo cambia cuando, una noche, se encuentra en la disyuntiva entre operar al alcalde de la ciudad o a un niño al que le habían disparado en la cabeza. Desobedece la orden del director del hospital al priorizar la vida del chico que corría mayor peligro, haciendo caso omiso de las políticas e intereses de su jefe.

El niño, Johan Liebheart, ahora se encuentra a salvo, junto con su hermana gemela, que sobreviven a la masacre efectuada en su casa con sus padres adoptivos la noche en que son ingresados al hospital. Sin embargo, degradan a Tenma de su puesto, de lo cual se benefician otros doctores y el mismo director. Su vida cambia, claro, pero lo hace aún más cuando esos doctores mueren misteriosamente y los gemelos desaparecen. Entonces, Lunge, inspector de la BKA, investiga el caso y Tenma es el principal sospechoso. Mas, como no hay pruebas, el caso se cierra.

Nueve años después, Tenma, con su vida ya un poco más estable, se encuentra con un Johan ya joven, quien resulta ser la mente maestra detrás de una serie de asesinatos. Johan lo deja libre, ya que agradece que él lo salvara hace años. Y, claro, vuelve a ser sospechoso de estos crímenes, y el inspector Lunge vuelve a escena, persiguiendo al japonés, ya que cree que sufre un trastorno de personalidad múltiple, y cree que el relato que éste le hiciera de Johan es pura fantasía. Ahora, Tenma se siente con la obligación de detener los planes de éste, ya que, de no haber sido por él, mucha gente seguiría viva. 

Así es como empieza la odisea de Tenma a lo largo de la Alemania de los ochenta, en que va rastreando las pistas que encuentra sobre Johan, entre ellas, el paradero de su hermana, Ana, como personajes que tienen que ver con el pasado de los gemelos y la razón de que Johan sea un psicópata, la cual se deriva a experimentos de sobrevivientes nazis que tenían como fachada orfanatos, y de un personaje particular, que moldeaban las mentes de los niños para que fueran máquinas asesinas. Esto, sin revelar mucho de la historia, lo lograban mediante la lectura de supuestos cuentos infantiles que de infantil no tenía nada. Los libros que se les daban tenían mensajes subliminales en que se le quedaba a los niños las figuras de los monstruos, y el papel de estos en el mundo humano. 

La capacidad, inteligencia y carisma de Johan le han permitido manipular personas para que asesinen por él, o bien, él mismo lo hace al ganarse la confianza de sus víctimas. No hay nada tan aterrador que un joven le hable de tal manera a un niño para que éste quiera suicidarse. Un monstruo es, cierto, pero lo fue por sus circunstancias, como verán a lo largo de los 74 capítulos de anime.

Otros aspectos que vuelven a esta obra todo un clásico ya de la animación japonesa son los escenarios  muy realistas en los que se desenvuelve la historia, los cuales abarcan ciudades alemanas y checas; la música que contrasta muy bien con las escenas; el hilo conductor de la trama que revela datos importantes sobre Johan en cada capítulo, lo que se ve también con la conexión entre los diferentes personajes que aparecen.

Un hombre que busca venganza contra aquellos que lo convirtieron en un monstruo que tiene cada vez menos de humano, y que espera a que ese ser sea tan grande que lo domine por completo y tiña todo del color rojo del infierno.

Como decía, el mundo es un asco, con miles de monstruos entre nosotros.

Les comparto el cuento de El monstruo sin nombre, el cual es clave en la historia:

Y el opening de Monster: