Con motivo de la historia del anime, la Asociación de Animaciones Japonesas creó un proyecto llamado Anime 100, cuyo propósito es apoyar la creación del anime dentro de los siguientes cien años, o sea, 2117, para seguir dando al público contenido de calidad. Esto será apoyado por el Gobierno, y se aprovechará que Tokyo será sede de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos en 2020 para que los extranjeros estén más cercanos a la cultura japonesa, a través de su animación.
El 2017, por tanto, significa el cumpleaños número cien del anime, tiempo en que éste ha seguido alimentándose de su origen y recreándose constantemente.
El primer anime nació en enero de 1917, siendo éste Dekobu Shingachou -Meian no Shippai, el cual estaba centrado en un teatro ubicado en Asakusa, Tokyo, donde se mostraban técnicas francesas implementadas al teatro japonés. Si bien, hay registros de éste, el Gran Incendio de Kanto, seis años después, destruyó las copias que existían. En el mismo año, pero en junio, tenemos el segundo anime de la historia, éste con pruebas visuales, llamado Namakura gatana. Si bien, hay otra animación de 1905, de nombre Katsudon shashin, que dura escasos segundos, los históricos y otakus consideran el año 1917 como el "año de nacimiento del anime".
Unos años después, pese al contexto de la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias, el anime y el manga continuaron vivos, ya que estos medios distraían a los civiles japoneses de la situación bélica que vivían, además de exaltar los valores patrióticos, mediante la adaptación de cuentos folklóricos, tales como Momotaro.
A finales de la década de los cuarenta, un joven que estudiaba Medicina decidió cambiar su vida al dedicarse a crear manga. Su nombre, Osamu Tezuka, mejor conocido como "el dios del manga", ya que fue él quien revolucionó la estructura de las viñetas para dar una mayor complejidad y dinamismo, a la vez que estableció los diseños arquetípicos de los personajes y las bases para cada género que, actualmente, continúan vigentes. Astroboy y Kimba, el león blanco, fueron los primeros anime, del periodo de la posguerra, en ser emitidos con una historia continua en blanco y negro y a color, respectivamente, los cuales abren la era del anime moderno.
Así, llegamos al nuevo milenio, en que la Globalización y el avance del internet permitieron que ajenos al país del Sol Naciente tuvieran contacto con sus animaciones, lo cual se ha convertido en un estilo de vida para muchos jóvenes alrededor del mundo.
Un video oficial fue lanzado hace unos días, en el cual podemos ver el origen del anime y su transcurso en el lapso de cien años, con las obras más representativas y que han aportado mucho a la industria por su contenido. De fondo, se escucha la canción "Tsubasa wo motsu mono - Not an angel, just a dreamer", la cual está interpretada por varios artistas de la talla de JAM Project, GRANRODEO, May´n, Wake Up, Girls! y Nakagawa Shoko.
Me parece que lo más importante de este video, de la celebración misma, es lo que representa cultural, histórica y socialmente para Japón, ya que es su forma de expresar una realidad, a veces, muy distinta a la que tenemos en Occidente, plegada de sus tradiciones y valores, de manera que alguien que nunca ha ido a Japón puede conocerlo perfectamente a través del anime, que nos hace extender nuestras alas, para ver más allá del horizonte limitado que vemos en tierra. Desde esa animación en 1917, muchas cosas han sucedido en el mundo, pero ni siquiera una gran guerra impidió que ésta dejara de emitirse. Si sobrevivió eso, puede hacerlo por otros cien años, ya que el arte, así como la vida, no son tan efímeras como se cree.
¿Les gustaría escuchar a un grupo de chicas tocando instrumentos de viento, interpretando los soundtracks más emblemáticos del anime con un toque de jazz? ¡Y qué más pensarían de ellas si saben que su versión de "La Bikina" es muy fiel a la original? Les presento a Tokyo Brass Style, quienes se presentaron en concierto el pasado 16 de diciembre, para deleitar al público con su estilo musical inusual y fresco de interpretar temas de anime, poniendo a bailar al público a través de la influencia de géneros que tienen como el ska, swing y funk.
Diez son las jóvenes japonesas que actualmente conforman Brassta , la cual fue fundada en el 2005. Ellas son Reina "Rachel" Matsumoto (líder y trompetista), Miru Yamamoto (trompeta), Aki Kuwata (trompeta), Yuka Nishisu (trombón), Beni Kaieda (trombón), Megumi Nagase (saxofón alto), Reina Shimizu (saxofón tenor), Mie Yamano (teclado), Misaki Sakamoto (bajo), Maho Okada (batería).
El inicio del concierto fue espectacular con dos de los opening de anime más conocidos a nivel mundial: "La fantástica aventura" y "Cha-la Head Cha-la", de Dragon Ball y Dragon Ball Z, respectivamente, prendiendo de inmediato a los asistentes.
La líder del ensamble, Reina, habló en español, el cual era bastante fluido en comparación de grupos japoneses que han venido y hacen su mejor esfuerzo en expresarse en nuestro idioma, y preguntó a sus seguidores qué era más popular en México, si los tacos, la cerveza o los nopales; el ganador sería medido de acuerdo a los aplausos. Finalmente, los tacos ganaron, aunque Reina prefirió dejarlos en igualdad.
Antes de que las chicas decidieran tomarse unos minutos de descanso, Reina dijo que habían preparado dos regalos y, tras decir esto, tocaron la canción navideña "Last Christmas", cuya composición original es de la banda inglesa pop Wham!, seguida de "Oye cómo va", de Carlos Santana, de la cual, el coro, fue cantada por la líder trompetista, animando al público a cantar junto con ella.
Diez minutos después, la banda regresó con un cambio de ropa blanco y más formal, para continuar la fiesta con el tema principal de la película Nausicaa en el Valle del Viento, compuesta por Joe Hisaishi, así como "Luz de luna" (Moonlight Densetsu), de Sailor Moon y "Zankoku na tenshi no teeze", del clásico Neon Genesis Evangelion.
Una increíble sorpresa que nos dio Brassta fue el interpretar "La Bikina", canción icónica mexicana del compositor Rubén Fuentes, escrita en 1964, de manera magistral, ya que esta pieza musical es compleja y su ritmo aumenta su dificultad.
Para finalizar el concierto, tocaron una canción clásica del rock and roll estadounidense instrumental, la popular "Tequila", creada por The Champs, que, si bien, no hace referencia a la cultura mexicana y su relación con esta bebida, sí menciona esa palabra varias veces y es lo que le da más ritmo.
Con sus últimas interpretaciones, las músicas hicieron señas al público para que dejaran sus asientos y se acercaran al escenario para bailar y saltar bajo su estilo de música tan movido e intenso. Mas, cuando parecía que ya se iban y las ovaciones aumentaban, regresaron para terminar el concierto con el tema "Tonari no Totoro", de la película Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro), del ya mencionado Hisaishi. El cierre perfecto.
Ahora, sobre el impacto de Brassta, la líder comentó con sus fans sobre el éxito que han tenido tanto dentro como fuera de Japón, siendo sólo en países asiáticos y en México donde se han presentado dos veces, ya que su primera visita aquí fue el año pasado. Parece que se han divertido mucho en nuestro país y el recibimiento hacia ellas ha sido muy bueno, lo cual aseguró un segundo concierto, con miras a que regresen el próximo año; y seguro tendrán más seguidores, ya que las chicas son muy alegres y comunicativas con ellos.
Lo genial del concierto fue la asistencia de, no sólo fanáticos del anime que sabían de ellas por sus interpretaciones con ensamble de metales y estilo jazz, sino que varios asistentes eran ajenos a esta cultura, lo cual no impide que se disfrute de estas melodías, ya que, al ser música instrumental, lo que interesa es lo que se escucha y no tanto lo que la letra dice.
La verdad es que escuchar estos temas con este tipo de ensamble, para un fan, es reafirmar que la música creada para los distintos anime va más allá de lo que se cree, en especial con esos solos del sax y trombón. Eso es hacer volar tu mente.
Les comparto una presentación de Brass frente a la Torre Eiffel, tocando "Cha-la Head Cha-la":
A lo largo de doce meses, las películas animadas japonesas nos han fascinado, debido a la calidad del guión, diseño y música, que logran que sintamos muy reales a los personajes. Con fantasía, acción y misterio, varias de las películas anime se ganaron un lugar especial dentro de los fans, sobre todo de aquellas basadas en anime o manga existentes.
Los live-action, por otro lado, nos han dejado sorprendidos por su gran trabajo de adaptación, al apegarse a las obras originales, y al proyectar a los personajes como personas, a través de las actuaciones y las emociones; además, si son producciones japonesas, qué mejor que ellos para hacerlos. Mas, cuando Estados Unidos decide hacer un live-action, la sorpresa se da en un sentido negativo. Ahora veremos los dos desastres del año, que sólo nos enfatiza que todo el oro oriental que toque Hollywood lo convierte en carbón.
Lo peor
*Ghost in the Shell: La Vigilante del futuro. Una de las obras más representativas japonesas fue un gran fiasco con su adaptación hollywoodense con las actriz Scarlet Johansson como la Mayor Kusanagi. GitS nos muestran un mundo futurista en que la tecnología no permite ver lo que hay más allá de la enajenación del hombre con ella. Con temas filosóficos fuertes sobre lo que es el humano y su relación con la tecnología, esta obra es compleja. Lo que hizo este live-action fue tomar partes de la trama y escenas específicas de las películas animadas dirigidas por Mamoru Oshii, y otras más de la segunda temporada del anime llamada Stand Alone Complex, del cual se extrae al supuesto villano, Kuze, quien en el anime tiene una conexión con la Mayor y su pasado. Con ese Frankenstein, lo que la película hizo fue generar una historia que tiene muchos vacíos y es confusa, y la volvió una más del cliché del gobierno que crea un arma humana al borrar los recuerdos; de cyberpunk, de crítica social y de filosófica ya no tiene nada. Eso sí, lo único bueno son los efectos especiales.
*Death Note. Otra obra clásica dentro del manga/anime destruida. La historia original nos muestra la lucha intelectual entre Light Yagami, un chico de preparatoria brillante, y L, un detective misterioso y muy inteligente, cuando Light comienza a matar criminales a través del poder que la Death Note le ofrece al escribir los nombres de estos, y cuyo propietario original es Ryuk, un shinigami. La adaptación estadounidense occidentaliza todo lo que puede, y un personaje tan complicado como Light termina siendo un chico más con un poder que no entiende con su cara de tonto.Nada que ver con las adaptaciones japonesas. Otro cliché estadounidense que, como todos los que hay y habrá, serán un rotundo fracaso por querer agarrarse del éxito de otros sin siquiera tomarse el tiempo para analizar bien lo que será copiado.
Lo mejor
*Kuroshitsuji: Book of Atlantic. Basada en el arco argumental del mismo nombre del mangaKuroshitsuji, en el que seguimos a Ciel, cabeza de la familia Phantomhive, junto con Sebastian, su mayordomo que es un demonio, viajando el primer crucero trasatlántico que llegará hasta Estados Unidos. Un misterioso sujeto revive a los muertos, quienes se comportan como zombies, y arrasan con la tripulación y los viajeros, sin darse cuenta que el crucero chocará contra un iceberg. ¿Les suena al Titanic? Así es, está basada en ese hecho, mientras se da una respuesta llena de demonios y shinigami (dioses de la muerte japoneses). Con una increíble animación, sobre todo cuando vemos el vasto mar, y un desarrollo bastante bueno y sorpresivo, tanto de la trama como de los personajes, la recomiendo mucho.
*Mary to majo no hana. Traducido como Mary y la flor de la bruja, es una película creada por Estudios Ponoc, el cual está conformada por ex creativos del Estudio Ghibli, de ahí que el diseño de personajes nos recuerde a Hayao Miyazaki. Está basada en La pequeña escoba, novela de Mary Stewart, que trata de una chica que, al perseguir a un gato negro y entrar al bosque, se encuentra con una flor extraña, seguido de una escoba. Mary se sube en ella y llega hasta la Escuela de Brujas de Endor, donde descubre que hacen experimentos con animales. Como es clásico en estas películas, tenemos a una heroína fuerte, gentil y que tiene muy claros sus principios Llena de fantasía y con un hermoso diseño, es imprescindible para quienes gusten de los filmes de Ghibli.
*Sword Art Online: Ordinal Scale. Se ubica cuatro años después de lo sucedido en la primera temporada de SAO, donde un dispositivo revolucionario, AUGMA, llama la atención lleva la realidad aumentada a otro nivel, lo cual garantiza a los jugadores una mezcla entre el mundo real y el virtual. El juego más popular de éste se llama Ordinal Scale, y le tocará a los protagonistas Kirito y Asuna el adentrarse en él para descubrir lo peligroso que en realidad es ese nuevo mundo, aunque eso implique revivir los fantasmas que dejaron atrás. La animación es muy buena, y el desarrollo de la trama te mantiene en suspenso y, en muchas ocasiones, el drama se hace muy presente; logra juntar todos los aspectos de los personajes, sobre todo de Kirito, que se habían atenuado un poco por el factor romance; de verdad que es una buena película que termina bien el ciclo basado en Sword Art Online.
*Pokémon: Yo te elijo. Creada como una película conmemorativa por ser la vigésima película de la franquicia, y por sus veinte años bajo forma de anime. Con un estilo diferente al mostrado en las anteriores películas, Yo te elijo se enfoca en Ash y su Pikachu, desde cómo se conocen y, tras unos problemas, Pikachu se hace su amigo inseparable; mientras aparece el pokémon legendario, Ho-Oh, que parece que le tiene destinada una misión especial a Ash. La película logra juntar a Ho-Oh, junto con uno de los últimos pokémon revelados de la séptima generación, Marshadow, así como tiene varios guiños de personajes y situaciones que a los pokéfans nos encantó ver. De las últimas cintas de Pokémon, ésta me ha parecido de las mejores, por este mundo alterno de Ash que nos ofrece.
*Gintama: Este live-action, basado en el arco argumental del manga/anime de Gintama llamado Benizakura, logró trasladar a la pantalla grande la historia (la primera de carácter serio de la obra), y las personalidades de los personajes con éxito, ya que podemos ver una gran caracterización de parte de los actores y elementos muy clásicos de Gintama que aparecen, desde referencias a la cultura pop japonesa, vómito y cuadros de censura, lo cual hace que la adaptación sea buena y disfrutable.
*Godzilla: Planet of the Monsters. La trigésima película de Toho, estudio que dio vida a Godzilla, se presenta bajo forma animada para ubicarnos en el año 2048. El hombre huye de la Tierra tras perder una guerra contra Godzilla y otros monstruos gigantes, lo cual conllevó a que, tras veinte años de vagar por el espacio sin un planeta habitable, una nave decida volver a la Tierra para reclamar el planeta. Sin embargo, cuando regresan, la tripulación se da cuenta que han pasado en realidad dos mil años, y que el ecosistema de la Tierra ha cambiado, al igual que la cadena alimenticia, con Godzilla en lo alto de ella. Al ser una película animada, permite que la creatividad tenga más espacio, además que el Godzilla se ve más atemorizante por su diseño y por el contexto en que se desenvuelve; los seiyuus (actores de voz) son un gran acierto, y transmiten bien el horror de los humanos ante su nueva realidad. Muy recomendable para los amantes de Godzilla.
*Full Metal Alchemist. Basada en el manga de Hiromu Arakawa, reúne de manera magistral todo lo sucedido en la obra, por lo que los momentos de mayor tensión y emotividad están muy latentes en este live-action. Fue filmada en partes de la Toscana italiana para simular el ambiente del manga; los actores son japoneses, lo cual fue criticado por los rasgos occidentales, mayormente alemanes, de los personajes, pero el director comentó que la relación fraternal tan fuerte que se muestra con los protagonistas Edward y Alphonse es algo muy característico de los orientales y, por ello, los occidentales no podrían transmitir eficazmente ese sentimiento. Las locaciones, en verdad, son muy bellas, los efectos son sorprendentes, la música nos recuerda a la del anime, y supieron cómo adaptar una obra compleja y muy querida como FMA.
Si bien, hubo más películas animadas, hablé de las más representativas, pero eso no quiere decir que las que faltaron de nombrar no sean dignas de mención por su calidad. Creo que las películas japonesas animadas están muy bien pensadas, porque sus historias y personajes encajan muy bien dentro del mundo en el que se mueven. Y los live-action... cuando los estadounidenses los hacen, bueno, ya sabemos qué pasa.
A ver qué nos depara el siguiente año en cuanto a producciones cinematográficas.
Los días 11 y 12 de noviembre se llevó a cabo en Expo Reforma la primera edición del Doki Doki City, una convención dedicada al yaoi, es decir, a aquellos manga, anime, ilustraciones y trabajos amateurs que representan el amor entre hombres.
Una gran cantidad de asistentes llenó por completo el recinto, tanto que era imposible moverse entre el río de fujoshis (chicas retorcidas, literalmente) y fudanshis (chicos retorcidos), fanáticos del yaoi; nunca había visto tanta gente en una convención de anime, pero el impacto es distinto cuando se trata de la primera dedicada a este género tan popular fuera y dentro de Japón, y, debido a la temática homosexual, llega a ser medio satanizada por el resto de los otaku y, mucho más, por aquellos ajenos a este género, quienes piensan que quienes ven yaoi son, por regla, homosexuales, cuestión falsa, ya que este tipo de materiales está hecho por mujeres para un público femenino, siendo historias amorosas idealizadas por las mujeres.
El Doki Doki no sólo era una convención donde se vendían productos originales y materiales como ilustraciones, one-shot (manga de un sólo capítulo) y doujinshi (manga amateur que adapta personajes ya existentes) por artistas mexicanos, sino que sus mayores atractivos eran las conferencias, noticias e invitados internacionales que acudirían.
La primera conferencia del día fue "Amor samurái: ayer y hoy", presentada por su servidora, en la cual hablé sobre la tradición que estos guerreros tenían sobre mantener relaciones sexuales con otros de un rango menor, llamado shudou, o "el camino de la juventud", ya que los samurái consideraban que estos lazos los revitabilizaban espiritualmente, además, que creían que el amor entre hombres era perfecto; tras considerar puntos importantes al respecto en la historia del Japón samurái, comenté algunos manga, anime, novelas y películas que tratan el shudou.
De igual manera, revistas como Lit Ediciones, dedicada a expandir el yaoi y que apoya a artistas amateurs para la creación de historias propias, presentó la conferencia "Yaoi, en toda la extensión de la palabra"; por otra parte, la editorial Panini dio un anuncio especial, que iba muy de acuerdo con el Doki Doki, que era la publicación de tres manga yaoi, entre ellos, Love stage!! y Kimi ga koi no ochiru y su secuela Kimi ga koi ni oboreru para el 2018, lo cual deja la puerta abierta a que más obras yaoi sean licenciadas en el país, ya que saben que hay un gran público que consume estas historias.
Otro punto interesante fueron los invitados internacionales dedicados al cosplay profesional: Hikarin, una joven de origen canadiense y asiática que gusta de hacer crossplay, es decir, el disfraz es del género opuesto; Baozi y Hana, pareja china de gran popularidad, que gustan hacer cosplay de personajes y series yaoi, siendo los más populares los que realizaron de Victor y Yuri del anime Yuri on Ice!!, serie de la cual Hikarin interpretó a otro personaje, Yurio, junto con ellos.
Además, fueron TWIN Cosplay, un dúo de cosplayers mexicanos que se han ganado su lugar dentro de este mundo, al haber obtenido la victoria en el World Cosplay Summit 2015, en Japón.
A diferencia de otras convenciones de anime y manga a las que he ido, y en las que hay material yaoi para adquirir, en el Doki Doki se sentía una mayor fraternidad y unidad entre fanáticos, o sea, entre las fujoshis y fudanshis, ya que ahí no eran prejuzgados por sus gustos por historias de amor homosexual, podían sentirse libres de fangirlear a todo pulmón y, claro, crear conversiones con otras personas con sus mismos gustos sin temor a pasar como alguien raro, sólo ser la chica retorcida que nos enorgullece ser.
Los recientes embates de la naturaleza nos hacen pensar en el estado de la Tierra, del único hogar que tenemos en el inmenso universo, y, sobre todo, en el daño que ha recibido por parte del ser humano. Es de esperarse que ella misma se defienda del hombre, inclusive, que algunos de nosotros tomemos medidas extremas para tratar de protegerla.
CLAMP, un grupo de chicas mangaka, en 1999, publicó X, o X/1999, manga que trata justamente de esta problemática. Su historia se centra en Kamui Shirou, un joven que, tras morir su madre le pide que vaya a Tokyo a cumplir su destino, y se enfrentará a un futuro que, independientemente de la decisión que tome, el mundo se verá afectado.
Cuando él llega a Tokyo, varios personajes con poderes sobrenaturales se reúnen con él, diciéndole que él es "el Kamui", lo cual no comprende el chico hasta que se reúne con una vidente y ésta le revela la verdad de un sueño que ella es capaz de ver: el nombre de Kamui significa "el que representa la majestad de Dios y posee el poder para cumplir la voluntad de Dios y salvar la Tierra"; pero ese nombre tiene otro significado "el que desafía la voluntad de Dios, quien cazará a aquellos con el poder de Dios y destruirá la Tierra."
Hinoto, la vidente, advierte que Kamui deberá tomar en un momento determinado la decisión de ser un Dragón del Cielo, es decir, uno de los siete sellos que protegerá la Tierra, o ser un Dragón de la Tierra, uno de los siete mensajeros que la destruirá. Además, dependiendo de su elección, aparecerá alguien que ocupe el otro lugar.
A lo largo del manga, observamos cómo este gran peso sobre los hombros de Kamui lo afecta psicológicamente; igualmente, se hace hincapié sobre lo que significaría una u otra decisión y hace que el lector se pregunte qué es lo mejor: proteger el presente de la Tierra, aunque ésta siga sufriendo, u ocasionar un cambio que la haga renacer. Ante esto, es difícil señalar quién está bien o mal, es una dilema.
Finalmente, Kamui escoge ser un Dragón del Cielo, ya que la Tierra es el hogar de sus seres queridos. En ese momento, se revela a quien sería su némesis, su amigo de la infancia, Fuuma. Esta toma de decisiones conlleva a una lucha bastante sangrienta entre los siete Dragones del Cielo y los siete de la Tierra, ya que estos comienzan a romper las barreras de energía que protegen al mundo, las cuales se ubican en sitios importantes de la ciudad de Tokyo, y, cada que una cae, un terremoto azota al mundo. Cuando estas barreras se rompan, el hombre perecerá y la naturaleza resurgirá.
El manga se enfoca mucho en la psique de los personajes, no sólo de Kamui quien es el más traumado del grupo, sino del resto de sus Dragones, por ejemplo, de Subaru Sumeragi, quien lo conocemos de otra obra de las CLAMP llamada Tokyo Babylon, la cual nos muestra a Subaru unos años antes de X y su relación con el que sería después un Dragón de la Tierra, Seishiro Sakurazuka. Por tanto, podemos ver Tokyo Babylon como una precuela y, si tenemos noción de esto, el cambio en la personalidad de Subaru y sus problemas psicológicos en uno y otro manga son muy drásticos.
Al igual como sucede con este manga, encontramos personajes de CLAMP Escuela de Detectives, quienes cumplen un papel importante, y motivos de otras de sus obras.
Algo importante que deben saber es que las CLAMP no han finalizado X, aunque años después publicaron el tomo 18.5 en que dibujan el clímax de la pelea entre Kamui y Fuuma, pero no nos dan una pista de quién saldría vencedor. Sin embargo, en el anime y película animada sí nos muestran dos finales alternativos, pero la calidad de ambas historias y el diseño dejan mucho que desear, en especial, porque no representan el hermoso dibujo del manga con todos los símbolos y detalles que aparecen entre las páginas, los cuales son muy significativos, y porque no ahondan en la cuestión psicológica ya mencionada antes.
En otro manga de las CLAMP, Tsubasa Reservoir Chronicles, vemos a los personajes de X, a los Dragones del Cielo y a Fuuma, en un Tokyo destruido y desierto, lo cual puede darnos otra visión, quizá más apegada a la idea de las autoras, del final de esta obra.
Como dato curioso, la publicación de X fue suspendida varias veces, ya que en ese tiempo ocurrieron terremotos en Japón y sus habitantes supersticiosos, pensando que el manga tenía algo que ver de alguna forma, lo pausaron para evitar más fenómenos naturales. Coincidencias extrañas.
Les recomiendo que lean el manga, es una obra maestra por la complejidad de la historia y el diseño de personajes y de las escenas, que pueden ser bastante violentas y oscuras y, otras, reflejan lo tierno y hermoso de la vida. X/1999 es la mejor obra de estas autoras, pese que no esté terminada, por entretejer muy bien las relaciones entre personajes y aspectos y simbolismos religiosos y filosóficos, además, su dilema sobre qué destino debería tener la Tierra nos hace pensar que, quizá, nuestro hogar necesita un cambio, sin importar que el hombre, siempre preocupado por sí mismo, deba dejarla respirar para que sane las heridas que le hemos hecho.
Para referencia, les comparto el opening del anime:
Han pasado algunos días desde que el sismo de magnitud 8.2, en escala de Richter, asustó al pueblo mexicano, sobre todo en los estados de Chiapas y Oaxaca, recordando la sombra de aquél que hubo en 1985, y con el temor de que un próximo terremoto vuelva a azotarnos en un tiempo próximo.
Con las muertes y daños que se han sufrido, sólo se puede pensar en algo, ¿no se pueden prevenir los embates de la naturaleza? Si bien hay expertos que afirman que hay señales de advertencia y otros niegan que se puedan evitar, lo cierto es que sí existen medidas que pueden reducir los estragos de estos desastres naturales.
Tokyo Magnitud 8.0, historia del 2009 original de los Estudios Bones y Kinema Citrus, fue realizada con el propósito de que los japoneses, aunque bien ahora podría sernos útil en México, tengan consciencia sobre el peligro que representan los sismos y qué hacer durante y después de que estos ocurran.
El anime está basado en estudios científicos sobre el fenómeno sismológico, el cual es muy recurrente en Japón, y tuvo como propósito dar a conocer a la población los resultados de una investigación que concluía que en dos años después de su estreno, para el 2011, un fuerte terremoto sacudiría a este país. Y, efectivamente, así sucedió, con una magnitud de 9.0 y un tsunami, además.
Regresando a la historia del anime, todo sucede un día de verano en que Miari, una adolescente hastiada por la mala relación con sus padres, se ve obligada a acompañar a su hermano menor, Yuuki, a una exposición de robots en Odaiba. Cuando a ella le da un brote de ira respecto a su propia vida, desea que ojalá el mundo se destruyera, y como lo desea así sucede.
El icónico Puente Arcoiris en Odaiba se derrumba bajo el mar, matando del impacto a los conductores; la Torre de Tokyo cae sobre los turistas y trabajadores de cuello blanco que pasan por ahí, así como de los grandes edificios de la metrópolis; todo retumba, se mueve, es destruido y los gritos de dolor y confusión resuenan por todas partes. Estos momentos se ven bastante realistas gracias al trabajo en la animación, ya que, a momentos, pareciera que estamos presenciándolo.
Miari, al encontrarse frente la catástrofe, piensa sobre su deseo que, para ella, fue causante de todo lo que ve. Pierde de vista a su hermano, quien desaparece tras el pánico del movimiento agresivo de las placas tectónicas, y comienzan a vagar para regresar a su casa en Setagaya que, si bien está a tres horas caminando, las ruinas de la ciudad y las réplicas del sismo dificultan el camino.
Con la ayuda de Mari, una chica que está preocupada por su bebé y sus padres que están en otra ciudad, los dos niños ven un poco más de esperanza en su paisaje desolador, en que no sólo vasta el desastre de la naturaleza sino el egoísmo de los propios humanos por aprovecharse de la situación para dañar a otras personas, en vez de unirse ante tal crisis.
El anime tiene moralejas sobre lo que debe ser importante para nosotros: nos quejamos de asuntos superficiales y banales, pero en una situación de inestabilidad debemos revalorar nuestras vidas; los segundos son vitales en estas circunstancias, y tomar o no una decisión puede cambiar nuestra vida en un instante. Como podrán darse cuenta, la historia es trágica y muy triste, como pueden serlo estos eventos.
Los japoneses toman en serio los simulacros que se efectúan con regularidad y, pese su cultura en prevención de terremotos y tsunamis, la cifra en el 2011 de muertos superó los veinte mil, debido al poder destructivo del movimiento trepidatorio y las grandes olas de más de diez metros de altura; en el sismo de México en 1985, de 8.1 grados, se combinó éste con el tipo oscilatorio, teniendo como resultado doce mil muertos, aproximadamente. Hasta el momento de escribir esta columna, el terremoto registrado el primer jueves de septiembre del presente año, de tipo oscilatorio y con una fuerza de 8.2, ha dejado cerca de cien bajas humanas.
Creo que varias señales existieron sobre desastres y eventos naturales que ahora nos aquejan en varias partes del mundo (curiosamente la mayoría en América), y eso debería ser una alerta para tomar medidas adecuadas que logren evitar que más vidas perezcan ante la fuerza de la naturaleza, y Tokyo Magnitud 8.0 es una buena opción para dejar de tomar en broma los simulacros o de restarle importancia a lo sucedido en estos días e, incluso, al fantasma del ´85.
De verdad espero no tener que vivir una situación tan extrema como la representada en este anime, o la experiencia de lo ocurrido en el 2011, o la que vivieron nuestros padres y abuelos en nuestro país.
El doblaje para los amantes del anime, sobre todo en su boom durante las décadas de los ochenta y noventa en México, es motivo de culto y de gran nostalgia ahora que muchos son adultos.
Para aquellos que vimos anime en esos años, recordar las frases: "¡Dame tu fuerza, Pegaso!", con la voz de Jesús Barrero, u "¡Hola, soy Goku!", dicho por Mario Castañeda, o "¡Carta Clow, libérate!", gritado por Cristina Hernández, o "Pikachu, yo te elijo", de Gabriel Ramos, nos remontan a nuestra infancia y, con sólo escucharlas, ligamos más voces a más personajes que marcaron parte de nuestras vidas.
Su calidad es tal que, incluso, los actores de voz japoneses reconocen el trabajo de los mexicanos, tal como le sucedió a Enzo Fortuny al dar vida a Inuyasha, quien fue felicitado por Kappei Yamaguchi por darle más personalidad al personaje; pero, en algunos casos, la preferencia por los doblajes se da debido al timbre de la voz, tal como sucede con Goku, cuya voz japonesa no es del agrado de todos cuando tenemos más en nuestra mente la de Mario Castañeda.
Incluso, los opening y ending interpretados en español por Ricardo Silva, Adrián Barba, Mauren o César Franco, entre otros, eran realmente buenos, adaptando e interpretando las letras japonesas, y sus versiones en inglés, para tener como resultado canciones que, hoy en día, los fans de estos animes cantan a todo pulmón; si bien, cuando yo las escucho en japonés y subtitulada las letras son igual de hermosas, no me produce la misma sensación que oírlas en español, por ejemplo, "Butter-fly", de Digimon.
El impacto de estos actores y cantantes es tal que, cuando se presentan en convenciones de anime o dan conferencias, muchos fanáticos se reúnen a verlos y escucharlos, disfrutando pláticas de personas humildes y amables que aman su trabajo, que no siempre es muy bien remunerado.
Se cree que el ser actor de voz es algo fácil, que sólo hay que sincronizar la voz con el movimiento de las voces, pero va más allá: ellos estudian actuación y después se especializan en el doblaje; ellos se dedican a transmitir y producir sensaciones y emociones con su voz, además de ser diestros en los escenarios teatrales por sus gestos y fuerza vocal; esto no es sencillo, ya que la mayoría de actores hacen televisión o películas, trabajo que es diferente.
Por ello, me resulta molesto que actores famosillos que no tienen la preparación para hacer doblaje sean quienes últimamente se llevan estos papeles en películas animadas, dejando de lado a quienes sí lo saben hacer. Esta situación es diferente en los actores ingleses o estadounidenses, ya que, como comentó en una entrevista Rossy Aguirre (Akane Tendo en Ranma 1/2), su preparación en el arte de la actuación abarca todos sus tipos, por lo que tienen mayor idea al respecto; por tanto, oír a Tom Hanks dándole vida a Woody en Toy Story es excelente.
Si bien, últimamente hay muchas críticas al doblaje mexicano, hay que recordar que es un trabajo exigente y que los actores hacen lo mejor en la adaptación de las películas, series y anime en nuestra lengua; sobre todo, me quedo con aquellas voces que se grabaron en mi mente y en mi corazón por darle mayores matices a varios personajes, que en su idioma original no siempre se les da, y que son más entrañables para nosotros por el simple hecho de escucharlos con los actores de voz que son ya clásicos para los fans del anime en México.
Comparto con ustedes un video en que podemos ver a Mario Castañeda y René García doblando en vivo escenas de Dragon Ball Z, durante la Feria Internacional del Libro del Instituto Politécnico Nacional:
Con el lamentable acontecimiento de la muerte de Jesús Aranda, mi padre, varias memorias flotan en mi mente para reconfortar un poco esa pérdida tan grande. Entre ellas, lo significativo y especial que es para mí Full Metal Alchemist, manga de Hiromu Arakawa, por lo que he aprendido de éste y empleado en situaciones difíciles en mi vida diaria.
Dos hermanos, Edward y Alphonse Elric, pierden a su madre. Interesados por la alquimia, ambos niños estudian mucho para tener el poder suficiente para romper el tabú dentro de ésta: la transmutación humana. Dejando de lado las enseñanzas de su maestra, ellos deciden revivir a su madre, sin saber que para obtener algo deben dar otra cosa a cambio de igual o mayor valor, siendo los sacrificios el brazo derecho y pierna izquierda de Edward y el cuerpo de Alphonse, del cual el hermano mayor logra atar su alma a una armadura.
De nada sirvió aquello, ya que lo que resultó de esa transmutación fue un ser amorfo que no tenía nada de parecido con su madre. Tras unos meses en que ambos niños tenían sus ojos sin brillo, Edward decide seguir adelante para encontrar una forma de regresarle el cuerpo a su hermano, para lo cual, su primer paso es someterse a una cirugía para que le pongan prótesis, y, segundo, convertirse en un alquimista estatal, ya que trabajar para el gobierno le facilitaría el acceso sobre diferentes tipos de alquimia que pudieran ayudar a que ambos recuperaran su cuerpo, incluso, poseer información valiosa sobre la mítica piedra filosofal.
No obstante, el tener acceso sobre archivos secretos complicaría los objetivos de los Elric, al descubrir un complot entre seres misteriosos, los homúnculos, y el mismo gobierno dictatorial del Führer King Bradley.
¿Cómo esta historia puede ayudarme a afrontar el difícil momento que estoy viviendo? Reconocer la pérdida de un ser amado puede llevar a pensamientos y acciones raras, y, aunque se cometan errores bajo la presión que la muerte nos deja a los vivos, hay que continuar nuestro camino, ya que somos herencia de aquellos que nos amaron y cuidaron, y no es una opción rendirse ante el dolor y la soledad.
Una frase que caló dentro de mí desde hace años es una que Edward repite, primero, cuando se recupera del shock de la transmutación humana y, después, con personajes que se encuentran desesperados, y que es muy cierta: "Tienes piernas, así que camina." Es decir, mientras tengas vida hay que seguir adelante, pese a los tropiezos y vuelcos en ese camino; podemos perder padres, amigos, brazos, piernas, pero siempre hay una forma de avanzar y tomar ese dolor como parte de la vida, sanando poco a poco.
Full Metal Alchemist (FMA), aparte de ser el mejor manga que he leído por su desarrollo de personajes e historia, significa para mí mucho más, porque vi la segunda adaptación del anime, Full Metal Alchemist Brotherhood, junto con mi papá, y él sabía que ciertas ideas y principios que actualmente tengo las asimilé de esta obra en una etapa anterior de mi vida que fue también difícil, por lo que, honestamente, no sería la misma persona hoy, puesto que se mezcló con la educación y sabiduría que mi padre me dio siempre.
Creo que este mensaje es de los más importantes que tiene FMA, afrontar y vivir, como recuerdo de aquellos seres queridos que perdimos, y no quedarnos inmóviles autocompadeciéndonos de nuestro sufrimiento, sino caminar apoyados de personas que nos mantengan a flote y buscar un nuevo sentido a la vida que, gracias a otros, conservamos.
Quizá pareciera que me explayo de más, pero no podría soportar lo que actualmente vivo de no ser por los pensamientos que FMA expresa en sus páginas, y seguir adelante con la frente en alto, y con el objetivo de seguir dando lo mejor de mí y cumplir mis sueños para que mi padre siga orgulloso de mí, donde quiera que esté.
Como dice Edward: "Una lección sin dolor no tiene sentido. Eso es porque no se puede ganar algo sin sacrificar algo a cambio. Sin embargo, una vez que hayas soportado el dolor y lo hayas superado, ganarás un corazón que es más fuerte que todo lo demás. Así es, un corazón de acero."
Les comparto el primer opening de Full Metal Alchemist Brotherhood:
Viajar a Japón es uno de los sueños de muchas personas fanáticas al anime/manga; conocer ese mundo que estas formas de expresión nos pinta tan colorido, tecnológico y místico con sus tradiciones, leyendas, creencias.
Sin presumir, pasé unas semanas en el país del sol naciente y, la verdad, regresé maravillada por lo que vi, sentí y experimenté: la amabilidad de la gente, que cuando te pierdes o te ven perdido te llevan prácticamente de la mano hasta tu destino, tantos templos budistas y santuarios sintoístas conviviendo con los grandes edificios, los castillos de antiguos samuráis que se erigen orgullosos e imponentes, los jóvenes vistiendo sus mejores yukatas para el verano, los festivales con puestos de comida y fuegos artificiales, el anime y manga por todos lados, siendo anunciados en las televisiones gigantes de Akihabara, el monte Fuji resguardando todo Japón con su vista...
Todas estas vistas las conocemos gracias a la cultura pop japonesa.
Cada vez que veía a otros turistas me preguntaba por qué habían decidido pasar sus vacaciones en Japón, si conocían algo de su historia o cultura. En mi caso, el anime y manga fueron mis motores principales, sin embargo, para realizar el viaje me preparé al estudiar el idioma, el interés por sus tradiciones, literatura, cultura, música, historia, leyendas y mitos ya los poseía, gracias al manga/anime.
Es decir, una persona que gusta de esto sabe mucho más que cualquier otra, ya que el gusto por estos derivará al friki, otaku o como queramos llamarnos, a querer buscar más y saber más sobre los hechos, personajes, locaciones, frases, festividades, costumbres, actores de voz, cantantes, mangakas que nos presentan en sus historias, y más allá de éstas.
Por tanto, ir a Japón es conocer los paisajes de la ciudad portuaria de Yokohama que vemos en Bungo Stray Dogs; es ver esos uniformes de marineritos en los niños de primaria, como en Sakura Card Captor; es comer okonomiyaki, como aquellos que Ukyo le prepara a Ranma; es vivir la vida nocturna en Shibuya, tal como Pumpkinmon y Gotsumon en Digimon; es recordar los periodos de guerra civil que convirtieron a Japón en lo que es hoy, inevitablemente pensando en Rurouni Kenshin o, a su modo, Gintama; es sentir tristeza e indignación al estar frente al Genbaku Dome, único edificio que se mantuvo de pie ante la bomba atómica en Hiroshima, hecho marcado en la trágica Hadashi no Gen; es escuchar las cigarras cantar, sonido para nosotros reconocidos en aquellas historias enfocadas a la vida diaria de los personajes en verano; eso y más es Japón para nosotros.
En mi estadía, se estrenaron dos películas que yo esperaba con ansias para este verano: el live-action de Gintama y Pokémon: yo te elijo. De ambas se hizo mucha publicidad: para la primera, el protagonista intentaba robarle cámara al actor escogido para interpretar a Gintoki; en la otra, un periódico dedicado solamente para hablar sobre Ash y Pikachu en esta nueva aventura.
Hablando de lo anterior, ir a los Centro Pokémon es todo un caso, ya que personas de todas las edades van a adquirir productos o jugar con otros fans; además, había un rally en las estaciones de trenes de Tokyo de sellitos de varias de estas criaturas. Manera curiosa y divertida de promocionar algo.
De igual manera, la película más taquillera en todo el tiempo de Japón, Kimi no na wa (que se estrenará en México el primer fin de semana de agosto), que le quitó tal puesto al Estudio Ghibli con El viaje de Chihiro, sigue siendo un éxito, ya que es anunciado su próximo lanzamiento en dvd y blueray en cada librería, tienda de discos, en las estaciones y en enormes edificios de las zonas de Akihabara, Shinjuku e Ikebukuro.
Saber que en Japón se alocan tanto como nosotros en estas cosas es genial, sólo que nosotros no llegamos a un nivel tan profesional. Una vez que llegas, sólo quieres poner en práctica las muchas o pocas palabras o frases que uno ha aprendido, o los conocimientos sobre tal o cual samurái, o sobre lugares o festivales, o lo que sea que el anime y manga nos puedan ofrecer.
Estar en Japón es sentirse en otro mundo, y cómo no, al llegar a México lo primero que escuché fueron los tonos pesados e irritados de los trabajadores del Instituto Nacional de Migración, cosa contraria allá, donde siempre hay disposición y amabilidad por parte de ellos. Claro, el sueldo y condiciones de vida permiten comportarse civilizadamente,
En fin, es toda una experiencia, y con lo que me quedo es que gracias a mi interés por el manga y anime he expandido más intereses, desde el idioma hasta adentrarme en aquellos factores que hicieron que Japón sea lo que actualmente es, combinando lo tradicional con la tecnología, para mantenerse fresco y seguir cautivando al mundo como sólo ellos saben hacerlo.
Las historias sobre pactos de humanos con seres sobrenaturales, como demonios, no son tan nuevas, pero es diferente cuando el involucrado es un niño; ya con la novela Fausto, de Goethe, se abre un camino sobre estos temas, cuyo resultado es la pérdida de algún anhelo o el alma.
Yana Toboso, la mangaka responsable de Kuroshitsuji, retoma el pacto con el demonio pero, al contrario de otras historias donde una persona adulta que ha sufrido a lo largo de su vida es tentada a realizarlo, es Ciel, que contaba con doce años.
¿Qué puede motivar a un niño a vender su alma? La venganza, naturalmente. Los padres de Ciel eran aristócratas, con el título de condes, eran dueños de la Compañía Funtom, dedicada al público infantil, y cercanos a las grandes esferas de la Inglaterra victoriana. incluyendo a la misma reina. Ciel era un niño normal, muy alegre, hasta que sus padres mueren en un asesinato disfrazado de accidente incendiario en su mansión.
Como ésta queda reducida a nada, se da por sentado que toda la familia Phantomhive murió, pero sólo Ciel sobrevivió para después ser vendido en el mercado negro como esclavo en un culto satánico, donde le hacen una marca al rojo vivo, la marca de la bestia, que representaba al culto en cuestión. Tras meses de todo tipo de tortura, Ciel pierde toda esperanza y nace en él un gran odio hacia sus captores; es en ése momento en que una voz le ofrece un trato: si él le ayuda en su venganza sobre aquellos que lo lastimaron a él y a su familia, él le dará su alma.
Meses más tarde, el joven Ciel, con ya doce años, reaparece en la aristocracia, sorprendiendo a todos que lo daban por muerto, además que su apariencia es extraña: un parche en su ojo derecho cubre el sello del contrato hecho con el demonio. Acompañado de un mayordomo llamado Sebastian, que es la figura y nombre que adopta el demonio, y de otros sirvientes, escogidos por Sebastian, reconstruye su mansión y pone de nuevo en operación la compañía, ahora como el conde Ciel Phantomhive. El demonio es perfecto, no sólo por su bella apariencia, sino porque es un mayordomo excelente que hace las cosas al instante.
Ciel hereda el título de "el perro de la reina", de su padre, lo cual implica investigar misteriosos asesinatos y desapariciones, tales como el caso de Jack "El Destripador", en que aparecen personajes importantes: el oficial de Scotlan Yard Frederick Abberline, que en la vida real fue el detective a cargo del caso de Jack; y, la presencia de los shinigami, dioses de la muerte, cuyo término lo retoman del japonés, pero los métodos de tomar almas nos recuerdan a la Muerte con una guadaña.
La primera temporada introduce a los personajes importantes, como a la reina Victoria, y situaciones que nos dan más datos sobre Ciel y del mismo Sebastian; con un final alternativo, ya que el manga aún no termina, dejó gustosos a muchos, por lo que una segunda temporada salió, pero con una trama original, es decir, no se basaba en el manga.
En ésta, Alois Trancy, un chico de trece años, junto con su mayordomo también demonio, Claude, son los antagonistas. Alois no es muy diferente a Ciel: poco después de su nacimiento es robado y vendido como esclavo. Pocos años después, el conde Alois Trancy, un viejo raboverde, lleva a Jim (verdadero nombre del chico) a su mansión. Cuando Jim empieza a manipularlo, así como a otros más adultos, a través del deseo pederasta del tipo, lo asesina para quedarse con sus riquezas, y se queda con su nombre. El ahora Alois busca matar a Sebastian, y por consiguiente a Ciel, ya que piensa que él fue el responsable de la muerte de su familia.
Sin embargo, la mejor temporada es la tercera, denominada Book of circus, basada en ese arco argumental del manga. Aunque es otra temporada, ésta inicia sin tomar en cuenta, por lo menos, la primera, manifestándose desde cero los personajes; además que tiene escenas más explícitas y crueles.
La trama principal es la investigación que la reina le encarga a Ciel sobre desapariciones de niños y la sospecha de que los miembros de un circo son los responsables. Tras infiltrarse amo y mayordomo en él, descubren la verdad: un viejo amigo del padre de Ciel, obsesionado con él, raptaba niños a través de las habilidades de los cirqueros, estilo El Flautista de Hamelin, usándolos como esclavos y sujetos de torturas; pero lo peor del asunto está cuando nos damos cuenta de que las prótesis de los chicos del circo estaban hechos del polvo de los huesos de los niños raptados.
Tras una serie de hechos, Sebastian se sorprende de lo inhumano del ser humano, y cómo, aunque él sea un demonio que está en busca de almas por devorar, sus actos lo hacen menos demonio en comparación por lo hecho por los humanos entre ellos mismos, lleno de crueldad.
Si algo hace reflexionar la serie es sobre el verdadero mal, que siempre es humano, y si bien una fuerza mágica, mística o demoníaca puede ser una gran herramienta, el único que la emplea es el hombre con su raciocinio, con el objeto de hacer sufrir a otros para satisfacer sus instintos y su misma naturaleza destructiva. Y si eso lo hace un adulto, un niño que lo piense y lo haga nos dice mucho sobre su contexto que lo llevó a tal extremo, incluso en nuestra realidad esto sucede.
Como dice Sebastian al final de Book of circus:
"Tienen una crueldad y una compleja maldad diferente a la de los demonios, mienten y se resisten con todas sus fuerzas. Pisotean a los demás, roban y les roban, no paran de repetir excusas y, aún así, intentan llegar más allá de la colina. Por eso los humanos... son tan interesantes."
Les comparto los tres openings de las tres temporadas:
La magia es vista como una fuerza positiva, envuelta en muchos mitos y seres extraordinarios, pero el manejo tergiversado de ésta pueden crear la destrucción. En el manga tenemos muchas historias que nos retratan la magia en distintas épocas y continentes, ya sean reales o ficticias, usada ésta de diversas maneras.
Una de estas obras es responsable Hiro Mashima con Fairy Tail, y no, no se equivocaron con el nombre, ya que no se trata de contar un cuento de hadas, sino la historia del gremio de tal nombre, aludiendo a la gran interrogante que se hiciera su fundadora, Mavis Vermilion, sobre si las hadas poseen o no cola.
Adentrándonos en la historia, se nos ubica en un mundo monárquico y que nos recuerda a la Edad Media con los gremios, con paisajes parecidos a los de Italia. En la ciudad de Magnolia, en el reino de Fiore, se encuentra Fairy Tail, uno de los tantos gremios oficiales de magos. En éste, las personas que desarrollaron o aprendieron artes mágicas, pueden vivir y convivir mientras esperan tomar un trabajo especial para magos, los cuales incluyen desde rescatar personas o derrotar magos o gremios oscuros, así como misiones más triviales.
Lucy Heartfilia, una chica que posee la magia de espíritus celestiales, es decir, que puede abrir portales para invocar seres como Leo o Piscis, abandona su casa para unirse a Fairy Tail, el cual era uno de sus mayores deseos. En su camino, conoce a Natsu, quien la desconcierta ante sus ataques de fuego lanzados por su boca y que dice que es hijo de un dragón.
A partir de la idea del dragón, se desencadena la trama, ya que el objetivo de Natsu es encontrar a su padre dragón, Igneel, ya que hace siete años desapareció sin decirle nada.
En la historia se añaden conflictos entre Fairy Tail y gremios oscuros, que quieren adueñarse o destruir el reino entero, o que son seguidores de Zeref, el mago oscuro por excelencia, invocador de demonios, con la idea de oscurecer la vida en la tierra.
La magia se encuentra de diferentes formas, como magia que emerge del cuerpo del portador, o aquella que requiere contacto con alguna fuente externa para producir magia, o magia de aire, o escritura oscura, o magia moldeadora de formas, o de equipamiento, o magia perdida, entre la que se encuentra la dragon slayer, que es enseñada por un dragón para matar dragones, y es usada por Natsu.
Los valores que constantemente se recalcan son la amistad y la familia, ya que los personajes viven en el mismo lugar y han vivido experiencias malas y buenas que reafirman esos lazos. De igual manera, la magia se nos muestra como dadora de vida y esperanza, y como una fuerza que puede destruir todo.
Para complementar el ambiente mágico, la banda sonora recuerda a la música celta clásica, sino, escuchen el tema de Fairy Tail, y su mezcla con heavy metal y rock, de manera que esta obra de Takahashi Yasuharu nos remite directamente a peleas épicas y a un mundo lleno de fantasía.
Para los que les gusta el género de acción y magia, ver a estas hadas descubriendo si tienen cola es muy interesante y que ha cautivado a muchos seguidores en el mundo, tanto así, que la segunda película, Dragon Cry, será estrenada 26-27-28 de mayo en cines específicos aquí en México.
El primer anime nació en enero de 1917, siendo éste Dekobu Shingachou -Meian no Shippai, el cual estaba centrado en un teatro ubicado en Asakusa, Tokyo, donde se mostraban técnicas francesas implementadas al teatro japonés. Si bien, hay registros de éste, el Gran Incendio de Kanto, seis años después, destruyó las copias que existían. En el mismo año, pero en junio, tenemos el segundo anime de la historia, éste con pruebas visuales, llamado Namakura gatana. Si bien, hay otra animación de 1905, de nombre Katsudon shashin, que dura escasos segundos, los históricos y otakus consideran el año 1917 como el "año de nacimiento del anime".
